Alfred Hitchcock Mejores Películas, Ranking

los Debates acerca de Alfred Hitchcock ha estado sucediendo durante décadas. ¿Era un genio cruel que trataba a sus actores como ganado, torturando las actuaciones de sus Rubias heladas fuera de ellos? (Algunos, como la estrella de cine Grace Kelly, lo manejaron mejor que otros. Algunos críticos prefieren el más caprichoso Hitchcock británico, aunque su primer éxito «The Lodger» (1927) fue una señal de las cosas por venir.,

claramente, Hitchcock aprendió del mentor de Hollywood David O. Selznick, quien le enseñó mucho, señala David Thomson en «The New Biographical Dictionary of Film.»Durante más de 50 años, el cineasta siempre tuvo un talento visual y un estilo distinto, y supo implicar al público en sus personajes oscuros, a menudo opacos. Cary Grant, especialmente, sobresalió en interpretar a hombres carismáticos cuyos motivos y verdadera naturaleza estaban abiertos a la interpretación, desde la «sospecha» hasta la «notoria».,»

Hitchcock era un verdadero artista en el sentido de que a menudo perseguía a su musa incluso cuando los proyectos sin una promesa comercial obvia no eran apoyados por los estudios. Pero siempre equilibró el flop experimental ocasional con un montón de éxitos de la corriente principal. No le importaba que su obsesión con los elementos de género– que son tan apreciados como comercialmente «seguros» hoy en día-no fueran aprobados por el establecimiento de Hollywood, que los consideraba películas de Serie B., Probó que los trajes estaban equivocados una y otra vez, porque entendió mejor que cualquier cineasta tal vez hasta Steven Spielberg lo que el público realmente quiere. Claramente, disfrutaba sorprendiéndolos y asustándolos.

y más que la mayoría de los cineastas, Hitchcock tomó en su control el desarrollo y la producción de sus historias, y abrazó la televisión como un medio, lo que ayudó, junto con sus cameos cinematográficos, a crear una persona que era reconocible por el público. Uno de los primeros en entender instintivamente el poder de la marca, «Hitch» se convirtió en el director más famoso que jamás haya existido., Tenía un instinto de autopromoción, poniéndose a sí mismo en sus propios trailers de películas. Creó un personaje cómico irónico – el director que guiña un ojo a la audiencia mientras se dispone a asustar al bejeezus fuera de ellos.

defendemos Hitchcock el uso de la pantalla de proyección trasera hasta el amargo final, cuando ya no estaba de moda? Recuerdo reírme de las curvas falsas en «Family Plot».»Pero en general, ese hábito obstinado era una transgresión menor.,

como una versión restaurada del clásico voyeurista de Hitchcock «ventana trasera» vuelve a la circulación, la banda TOH clasifica las 25 mejores películas de Hitchcock. Sí, dejamos fuera algunas películas increíbles. Siéntase libre de decirnos dónde nos equivocamos, especialmente en nuestra elección del número uno. ¿Estamos de acuerdo con la elección consensuada de Sight and Sound? Léelo y llora. – Anne Thompson

25. «The Paradine Case» (1947)
Napoleon had Waterloo; The Red Army hockey team had Lake Placid; The Beatles had «Mr.Moonlight»; George Clooney has «Monuments Men.,»Everybody’s got something to hide and, for Hitchcock, it is this hammily acted courtroom-drama-meets-psychological thriller starring Gregory Peck («Spellbound»), Alida («The Third Man») Valli, Ann Todd, Charles Laughton and Hitchcock regular Leo G. Carroll, all directed by someone calling himself Alfred Hitchcock. En realidad, Hitchcock estaba al final de su contrato con David O. Selznick (quien lo pisó en toda la producción), y realmente solo quería salir. Al igual que cualquiera que se siente a ver los resultados.- John Anderson
24., «Lifeboat» (1944)
uno de los experimentos de Hitchcock en el uso de un solo escenario puede sentirse un poco escenográfico aunque francamente cursi de vez en cuando cuando cada sobreviviente de un barco que se hunde y que se ven obligados a compartir el arte del título debe representar un trozo de humanidad, desde el religioso Hombre Negro Joe (Canada Lee) y el tonto-lug Gus de William Bendix hasta el insensible Nazi Willi de Walter Slezak y la inestable mujer de Heather Angel aferrándose a su bebé muerto., Pero es Tallulah Bankhead como la cínica reportera Connie con sus lecturas de líneas maravillosamente profundas («morir juntos es aún más personal que vivir juntos») y accesorios glamorosos que flotan uno por uno lo que mantiene a flote esta plataforma dramática. La premisa de la guerra permite a Hitchcock abordar directamente el tema del papel de Dios en el destino de la humanidad. Mientras tanto, Connie a menudo sorprende tanto a sus compañeros de barco como al público con sus acciones espontáneas, como cuando besa a Gus antes de que le amputen la pierna o vuelve a aplicar su lápiz labial como una especie de salvavidas cosmético.,—Susan Wloszczyna

23. «Frenzy» (1972)
justo cuando la mayoría de los fans habían perdido la esperanza de que Sir Alfred alguna vez entregara otro thriller que merecía la piel de gallina, llegó una delicia oscura y desagradable de la última vida: su penúltima película. Esta variación sobre el tema familiar de un hombre (entonces la estrella en ascenso Jon Finch) acusado erróneamente de un crimen como un llamado «Estrangulador de corbata» acecha Londres fue su primera producción británica en años y se aprovechó de la relajación de la época de la restricción gráfica., Pase por alto los aspectos más pesados del complot y, en su lugar, saboree cómo Hitchcock retrata apetitos retorcidos tanto carnales (el psicópata vendedor de frutas Barry Foster ataca sexualmente a su presa femenina antes de asfixiarla) como culinarios (el inspector de policía de Alec McCowen se ve obligado a cenar las creaciones gourmet horriblemente no comestibles de su esposa). Hay numerosas escenas brillantemente escenificadas que a menudo emplean el silencio. Pero la secuencia que me atrae cada vez es cuando Foster se da cuenta de que la víctima que metió en un saco de patatas y arrojó en un camión lleno de patatas está agarrando su alfiler de corbata característico., Su desesperado intento de arrancarlo de las garras de un cadáver rígido que implica romper un dedo se hace eco macabro en una toma paralela de la esposa de McCowen rompiendo un palito de pan.- Susan Wloszczyna

22. «The Wrong Man» (1956)
este thriller en blanco y negro adaptado por Maxwell Anderson de su propia novela «The True Story of Christopher Emmanuel Balestrero» refleja de cerca la historia de la vida real de un hombre inocente acusado erróneamente de robo a mano armada. Hitchcock jura «cada palabra es verdad., Si bien eso puede ser cierto, el estilo audaz e impresionista de la película le da a «The Wrong Man» la calidad de un sueño. Henry Fonda transmite montañas de inquietud y frustraciones como un bajista de cuerda atrapado en un carrusel legal kafkiano cuyo plan desesperado de pedir prestado contra el seguro de vida de su esposa (Vera Miles) sale horriblemente mal y lo lleva a la cárcel. Las prisiones y los tribunales de Hitchcock se arrastran con sombras y siluetas, con el compositor Bernard Herrmann retirando su estilo musical habitual para crear una partitura musical cuya sutilmente se siente subversiva para una película de 1956., En retrospectiva, esto era probablemente demasiado sombrío y deprimente para las masas. (Fue un flop en ese momento, pero desde entonces ha sido revaluado críticamente. Pero desde la distancia, su espíritu hastiado y cansado del mundo se siente apropiado del aquí y ahora. – Ryan Lattanzio
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21., «Saboteur» (1942)
una de las secuencias más icónicas entre las películas de Hitchcock es la persecución culminante de este thriller de guerra sobre la Estatua de la libertad, con el malhechor con acento teutónico Norman Lloyd tratando sin éxito de escapar de Robert Cummings. (¿ Y quién puede culparlo? Cummings es uno de los actores menos convincentes de la historia; Lloyd puede haber pensado que la condición contagiosa.) Esto es Hitchcock transicional: su primer U. S., la producción, «Rebecca», era realmente inglesa;» Saboteur», con una» historia «del director (y un guion coescrito por Dorothy Parker) es realmente» los 39 Pasos » sin el bon mots desechable y el aire general de sofisticación. En lugar de la relativamente nerviosa Madeleine Carroll y el gran Robert Donat, Hitchcock tiene Cummings y Priscilla Lane, así como un conflicto dramático que revisitaría toda su carrera: la de los acusados erróneamente contra una fuerza del mal solo vagamente definida. En «Saboteador» todo es un poco obvio., – John Anderson

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20. «The Man Who Knew Too Much» (1956) el remake de master of suspense de su thriller Británico de 1934 presentó a uno de sus colaboradores favoritos, James Stewart, como un médico estadounidense en un viaje al extranjero cuyo hijo es secuestrado por una banda terrorista internacional involucrada en un complot de asesinato. Los villanos extranjeros aquí son tristemente una nota. Pero la actuación destacada proviene de una fuente inesperada: la estrella de la comedia musical Doris Day en un papel dramático raro., Ella se las arregla para romper impresionantemente el molde de la impasible Rubia Hitchcock expresando abiertamente la agonía de una madre cuyo hijo ha sido arrebatado. Ella es el instrumento que impulsa la excelente pieza central de la película, donde un platillo que se estrella durante una actuación de concierto es la señal prevista para que el asesino dispare a su objetivo. Y la hermosa secuencia en la que Day le da una serenata a su hijo mientras se prepara para la hora de dormir con la canción ganadora del Oscar «que Será, Será» está finalizada por una repetición de la canción que ella valientemente interpreta en una embajada para alertar a su hijo escondido de que está cerca., —Susan Wloszczyna
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19. «Dial M For Murder «(1954)
Grace Kelly apuñalando a su intento de asesinato con un par de tijeras está justo ahí con la barra de ducha» Psycho » como una de las secuencias más técnicamente impresionantes de Hitchcock. Un thriller de mal gusto sobre adulterio y chantaje, «Dial M» le ofrece a Kelly el papel de una esposa de alta sociedad cuyo marido celoso (Ray Milland), al enterarse de su aventura con un escritor (Robert Cummings), coacciona a un criminal para que la Mate. Pero, por supuesto, todo sale magníficamente mal., Es puro entretenimiento, menos cargado con las pistas y códigos freudianos de las películas posteriores de Hitchcock, pero sin embargo, con un suspenso vertiginoso. – Ryan Lattanzio

18. «Chantaje» (1929)
Este es uno de los silencios más clásicos de Hitchcock de los recientemente lanzados «Hitchcock 9» en su entorno criminal, motivos y uso de suspenso, por no mencionar el primer uso de una secuencia de persecución alrededor de un lugar famoso, en este caso el Museo Británico., («Chantaje» también existe en una versión en parte hablada, en la que, curiosamente, la actriz checa Anny Ondra pronunció palabras con la voz fuera de cámara de la actriz británica Joan Barry.) La brillante restauración del BFI (del negativo original) es una revelación. – Meredith Brody
17. «Foreign Correspondent» (1938)
Dos de las películas de Hitchcock estaban en la carrera por la mejor película en 1941: la relativamente pesada «Rebecca» (que ganó) y este encantador, sobre un reportero Estadounidense en Europa, tropezando con la plataforma de lanzamiento de la Segunda Guerra Mundial., Es curioso cómo la estrella de la película, Joel McCrea, se ha desvanecido de la conciencia pública de una manera que, por ejemplo, Cary Grant no lo ha hecho: McCrea tenía una versatilidad similar a la de Grant tanto con la comedia como con el drama, podía invocar la folksiness de un Gary Cooper y era tan viril Como cualquier estrella de Hollywood., Como Johnny Jones-redubbed «Huntley Haverstock» por un editor (Harry Davenport) que piensa que suena mejor – sugiere Tom Sawyer, Agente Secreto: Cuando un diplomático holandés (nominado al Oscar Albert Bassermann) es disparado en los escalones lluviosos de una catedral-como sala de conferencias en Amsterdam, proporciona uno de los momentos icónicos de Hitchcock – un disparo de grúa que muestra, no el asesino que huye, sino la onda que causa a través de una multitud de paraguas — y pone a Huntley en el rastro de agentes que intentan encender el mundo., «Corresponsal extranjero’ no puede ser mejor que «Rebecca,» pero Dios es mucho más divertido. —John Anderson

16. «Suspicion» (1941)
En el molde de » Notorious «y» Rebecca», esta relación mystery noir (basada en una novela popular) gira en torno a la idea de que la encogida violeta Joan Fontaine no confía en su encantador rastrillo de un nuevo marido, Cary Grant, que es ambicioso para ser más de lo que es. ¿Es su imaginación fantasiosa la que huye con ella, mientras descubre sus juegos de azar y otros secretos, o su instinto le dice que tenga miedo, mucho miedo?, Hitchcock nos serpentea a través de los flujos y reflujos de sus emociones en evolución, manipulándonos en cada giro. Fontaine ganó el único Oscar a la Mejor Actriz por la poco apreciada Hitchcock, que fue nominada a cinco Oscar, pero tuvo que conformarse con el Oscar honorario de Irving Thalberg en 1968. – Anne Thompson

15., «The Lady Vanishes» (1938)
primo English Hitchcock excepto por un poco de lentitud a bordo del tren, donde Margaret Lockwood trata de encontrar a la dama inglesa tweedy que está segura de haber conocido (Dame May Whitty), y que compartió su té antes de desaparecer en las fauces abiertas del espionaje internacional. Es un excelente ejemplo de lo que distingue a Hitchcock temprano y tardío: Michael Redgrave, por un lado, como el musicólogo glibly encantador cuyo escepticismo sobre la historia de Lockwood se evapora gradualmente y que está motivado tanto por el romance como por el misterio., El ritmo también se siente importado: pasa casi media hora antes de que Hitchcock se moleste en subir a todos a ese tren, tiempo durante el cual conocemos a fondo a los personajes y su interés Supremo (que, más que el mal puro, es la fuente de malignidad a bordo). Entre el elenco se destacan Naunton Wayne y Basil Radford como los cómicos fanáticos del cricket Caldicott y Charters, que conspiran para mantener el tren misterioso en movimiento, para que no se pierdan su partido en Manchester. – John Anderson

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14., «To Catch A Thief»(1955)
» To Catch a Thief » es Hitchcock de vacaciones. Frente a las brillantes vistas de la Riviera francesa, Cary Grant y la glamurosa Grace Kelly son irresistiblemente encantadoras en esta aventura romántica aireada y bañada por el sol. Grant interpreta a un ladrón de joyas retirado implicado en una nueva serie de robos que intenta demostrar su inocencia, mientras que Kelly interpreta a la hija de una familia estadounidense adinerada en posesión de algunas de las joyas más codiciadas de la Riviera., Le encanta un poco de peligro, lanzándose al misterio mientras se ve fabulosa en el ahora legendario vestido de mascarada de oro de Edith Head, entre otros vestidos knockout. (La pareja bromea sobre partes de pollo frías; los fuegos artificiales se disparan después de besarse. Grant ya había registrado parejas exitosas con Hitchcock en «Suspicion» y «Notorious» antes de sus icónicos giros en «To Catch a Thief» y «North by Northwest» de 1959.»- Ryan Lattanzio ver: cada cameo de Hitchcock en un Video 13., «Marnie «(1964)
Aunque los esfuerzos de Richard Brody de The New Yorker, entre otros, han logrado recuperar a» Marnie » del montón de cenizas de misfires de Hitchcock, este retrato de un estafador dañado (Tippi Hedren) y el hombre (Sean Connery) que se casa con ella sigue siendo una de las obras más resbaladizas y desafiantes del director. Con toques salvajes de carmesí y la exuberante y penetrante partitura de Bernard Herrmann, hace que el melodrama de cuatro pañuelos hierva y, de forma intermitente, permite que se cuaje., Sin embargo,» Marnie», anclado por la actuación de Hedren, es un intento intrépido de representar el trauma psicosexual en la sintaxis de la forma cinematográfica; incluso cuando tropieza, la casi obra maestra obsesionada de Hitchcock se eriza con un fervor expresionista audaz. —Matt Brennan

12. «North by Northwest «(1959) Hitchcock dio a varios hombres principales los mejores papeles de sus carreras., Cary Grant estaba en su momento más suave como un hombre de publicidad confundido con un agente secreto que tiene que vivir de su ingenio para sobrevivir al asalto desde lugares inesperados, incluyendo un cropduster en un maizal, una de las piezas más famosas de la bravura de Hitchcock. Grant también hace el amor memorablemente con Eva Marie Saint en un tren CL y se trepa sobre presidentes escarpados en el Monte Rushmore., Hitchcock siempre había querido rodar allí, y desarrolló el intrincado thriller de espionaje con el guionista Ernest Lehman (recomendado por el compositor Bernard Herrmann, cuya partitura comienza la película contra los icónicos títulos de Saul Bass), que se dispuso a entregar la última película de Hitchcock. Y así lo hizo. Al menos, puede ser el más entretenido. – Anne Thompson

11. «The 39 Steps «(1935) Hitchcock ya había producido esfuerzos tan loables como» The Lodger «(1927),» Blackmail «(1929) y» The Man Who Knew Too Much «(1934) cuando dirigió» The 39 Steps», un acto desequilibrante de primer orden., Esta aventura espumosa e ingeniosa, protagonizada por Robert Donat y Madeleine Carroll como aliados infelices en una carrera para asegurar secretos militares, es esencialmente un MacGuffin de largometraje, pero baila junto con tal inteligencia de flota que la narrativa es casi superflua. Llena de reveses retorcidos y humor astuto, es ciertamente más divertido que la «comedia negra» del director, «the Trouble with Harry» (1955), la película es un ejemplo temprano del toque ligero de Hitchcock, construido con una economía brillante y Espinosa., En el momento en que Richard Hannay de Donat tropieza en dar un discurso político conmovedor, en el que anhela un mundo «donde todos tengan un trato justo y una oportunidad deportiva», «los 39 Pasos» parece no menos significativo que una premonición: bien puede ser el primer clásico de Hitchcock. – Matt Brennan

10. «Rebecca» (1940)
Su primera película bajo el productor David O. Selznick, cuyas sensibilidades de entretenimiento chocaron con la racha perversa del Inglés, fue este melodrama gótico de Daphne du Maurier. Judith Anderson se convierte en una actuación malvada como la Sra., Danvers, la ama de llaves solterona obsesionada con la esposa muerta de su maestro aristocrático Max de Winter (Laurence Olivier). En línea para convertirse en la segunda Señora de Winter, la heroína de Joan Fontaine sufre la tortura psicológica de Danvers y casi es empujada a la locura (probablemente no a diferencia de las muchas musas de Hitch) y al suicidio. En blanco y negro, «Rebecca» lanza un hechizo fantasmal, incluso si su lado más extraño, incluidas las implicaciones de la fijación sexual de Danvers en una mujer muerta, fue templado por el código de producción., Pero uno de los placeres de ver Hitchcock en el siglo 21 es que tales peculiaridades astutas sobreviven de todos modos. —Ryan Lattanzio

9. «Rope» (1948)
La primera salida en Technicolor de Hitchcock está protagonizada por John Dall y pretty boy Farley Granger como Brandon y Phillip, dos amigos aburridos e indiferentes que estrangulan a un ex compañero de clase en su apartamento casi como una alondra, y luego organizan una fiesta en su apartamento para los amigos y la prometida de la víctima. Mientras tanto, el cadáver se endurece en un cofre en el centro de la habitación., Entra el curioso Rupert Cadell (Jimmy Stewart), un antiguo mentor y filósofo que les dio la idea de matar como un ejercicio intelectual. Mucho antes de que «Birdman» desplegara sus alas, Hitchcock cosía diez tomas para crear la ilusión del tiempo real, empujando el estado del arte cinematográfico en un momento en que las cámaras solo sostenían hasta diez minutos de película. En las famosas entrevistas de Truffaut, Hitchcock descartó la técnica de la película como un «truco»y un «truco», pero debemos interpretar esto como la negativa típicamente modesta del director a dejar que el gato salga de la bolsa., El subtexto homosexual de la relación entre Brandon (Dall) y Phillip (Granger) ha sido aceptado por los cognoscenti, desde la muerte de la era del Código de Hays en 1948, como el verdadero texto de una película que es todo acerca de la ansiedad y el temor masculinos. – Ryan Lattanzio

8. «Shadow of a Doubt» (1943)
En estos días, los asesinatos en masa por parte de asaltantes cuyas intenciones mortales pasan desapercibidas por amigos y familiares son trágicamente comunes., Mientras que las películas de Hitchcock a menudo se basaban en el tema de que las apariencias engañan, pocos de sus títulos son tan cercanos a casa y parecen tan relevantes como esta revelación de la parte oscura de la pequeña ciudad aparentemente saludable de Estados Unidos. Teresa Wright es altamente identificable como Charlotte, una adolescente insatisfecha con su existencia de clase media que idolatra a su carismático y mundano tío Charlie (encantadoramente monstruoso Joseph Cotten). Ella se siente como si estuvieran conectados psíquicamente-ella es apodada Little Charlie en su honor-y está esperando su visita., Pero cuando él comienza a ocultar recortes de periódicos sobre el «asesino de la Viuda Alegre», ella sospecha que él podría estar detrás de los crímenes. El thriller negro es un poco como Nancy Drew detective story, pero con un trasfondo de una atracción incestuosa entre los dos personajes principales, ya que la joven Charlie pierde su inocencia mientras se ve impulsada a confirmar los terribles hechos de su tío a pesar de ponerse en peligro. El propio Hitchcock consideraba «Shadow of a Doubt» como uno de sus favoritos, sin duda en parte porque lleva su uso de dobles a un extremo transfixing., —Susan Wloszczyna

7. «Spellbound «(1945)
Hitchcock de primer nivel y precursor directo de» Vertigo», un tenso thriller sobre psicología y asesinato, instigado por su ambientación en un hospital para locos; la frágil actuación de Gregory Peck como el distinguido pero profundamente preocupado Dr. Anthony Edwards; y esa célebre secuencia diseñada por Salvador Dalí, destinada a ilustrar el proceso de slalom de la mente de Ballantyne., La incursión de Hitchcock en el surrealismo es un cosquilleo, por supuesto, pero todavía preferimos ese disparo de la pistola del villano: girando, girando y finalmente disparando a la cámara. – John Anderson
6. «Strangers on a Train»(1951)
Bookended by first – and last-act fairground sequences—the former, with its lurid silhouettes in the Tunnel of Love, is a one of the director’s finest set pieces—» Strangers on a Train » hurts towards its conclusion with the speed of a runaway Carrusel., En el medio, El playboy Bruno Anthony (Robert Walker) persigue al apuesto tenista y cómplice renuente Guy Haines (Farley Granger) con un abandono lascivo, cruzando sus deseos reprimidos con su plan para el asesinato perfecto. Si el instinto depredador de Bruno a veces sugiere la larga historia de estereotipos homofóbicos de Hollywood, sin embargo, el escalofrío de energía ilícita entre Bruno y Guy electrifica una película que por lo demás es un modelo de control fresco., Hasta que el clímax ve la conspiración girar fuera de su eje, es decir, en una explosión de acción a la que cualquier tentpole de estudio haría bien en aspirar. – Matt Brennan
5. «The Birds» (1963) nadie sabrá nunca lo cruel que fue Hitchcock para Tippi Hedren, ya que obligó a la modelo convertida en actriz a defenderse de los pájaros atacantes en vivo durante una semana hasta que colapsó bajo el cuidado de un médico. Ella ha acusado al» malvado y desviado » Hitchcock de acoso sexual que estaría en contra de la ley hoy en día, y de hacer, luego arruinar, su carrera después de que se resistió a sus avances., (Se refirió a ella solo como «la chica»). La elegante bromista de Hedren, Melanie Daniels, en «The Birds», es la más fría de las rubias de Hitchcock, así que cuando bandadas de cuervos, gaviotas, cuervos, gorriones y palomas se vuelven contra los habitantes de un pueblo costero de California, da paso a una terrible vulnerabilidad. Ella huye de una cabina telefónica de vidrio y finalmente se hunde en la casa de Mitch Brenner (Rod Taylor), otro hombre que se remite a su madre (Jessica Tandy). Hitchcock rompió las reglas otra vez rodando esta película aterradora sin partitura., Oímos el viento y el batir de las alas y los sonidos de picos golpeando la carne. El tropo naturaleza vs. hombre es muy familiar ahora, pero no lo era entonces. – Anne Thompson
leyó un extracto de la deliciosamente morbosa entrevista de 1974 de Andy Warhol en Hitchcock

4. «Rear Window»(1954)
» Lisa.” Película. «Carol.” Película. «Freemont.” Película. Mis tres palabras favoritas en el cine son cortesía de Grace Kelly, mientras su intrépida socialite enciende las luces en los primeros minutos de «ventana trasera».,»Deslumbrante y elegante, tan urbano como la banda sonora de Franz Waxman, el primer intercambio de Lisa con su amante acostado, el reportero gráfico lesionado L. B. «Jeff» Jefferies (James Stewart), establece el tono para el misterio voyeurista de Hitchcock desde el principio. Limitado a una sola habitación, el director modela un mundo en miniatura, mirando a los recién casados y a los solitarios por igual con una ayuda de la larga y gruesa lens lente de Jeff., Tejiendo romance, suspenso e incluso terror desde las vistas y sonidos ambientales de la ciudad distante, todo fermentado por la enfermera quippy de Thelma Ritter, «Rear Window» emerge como un himno al poder y la perversidad de mirar, un recordatorio de por qué nos enamoramos de las películas en primer lugar. – Matt Brennan
3. «Psycho» (1960)
«Psycho» está tan arraigado en la cultura que es difícil imaginar lo radical y extraño que era hace 55 años. Era como si Steven Spielberg se hubiera vuelto Indie rogue, rompiendo todas las reglas del canon a medida que avanzaba., En la primera toma de la cámara como voyeur se abalanza en una habitación de hotel para ver a Marion Crane semidesnuda (Janet Leigh) trysting con un hombre casado (John Gavin). Seguimos confiadamente a Marion mientras roba dinero, compra un coche y se registra en el Motel Bates, donde nosotros y el taxidermista Norman Bates (Anthony Perkins) observamos a través de un ojo de la cerradura mientras Marion se desnuda. El compositor de Hitchcock Bernard Herrmann alcanza nuevas alturas de terror chillón en la última secuencia de asesinato de corte rápido que se conocerá para siempre como la escena de la ducha, ya que nuestra protagonista es asesinada antes de la mitad de la película., Hitchcock manipuló el tiempo, el espacio y el espectador, y los críticos no sabían qué hacer con ello.Generaciones de cinéfilos han estudiado esas tomas. De todas las películas de terror imitativas que han seguido, ninguna ha encabezado » Psycho.»Ni lo harán.- Anne Thompson
2. «Vertigo» (1958)
Es así de simple: si no te gusta «Vertigo», no te gustan las películas., En el fascinante y fantástico misterio de 1958 de Hitchcock, que todavía se encuentra orgullosamente encima de las 50 mejores películas de Sight and Sound de todos los tiempos, destronando a la reinante «Citizen Kane», La Fría Rubia Kim Novak deslumbra en papeles duales como la Acrofóbica Scottie de Jimmy Stewart y la convierte en el último objeto fetiche. Esta sigue siendo la imagen más palpablemente perversa de Hitchcock, con todo tipo de Extrañeza Que nunca comprendemos, como la última imagen de una monja tocando las campanas de la torre de la misión mientras Judy se sumerge en su perdición., Hitchcock es pionero en la narrativa de cebo y cambio que impulsa a muchos thrillers contemporáneos, al ofrecer al principio la chintzy historia de fantasmas de Es-ella-o-no-ella-poseída Madeleine, solo para desvirtuar la historia y revelar una historia psicológica más profunda de disfraz y deseo.- Ryan Lattanzio
1. «Notorious» (1946)
Las películas de Hitchcock son a menudo psicológicamente complejas y mordientemente divertidas, pero rara vez son profundamente románticas., «Notorious» es un oscuro thriller de espionaje de la Segunda Guerra Mundial escrito por Ben Hecht en el que el hombre de inteligencia Devlin (Cary Grant) persuade a Alicia Huberman (Ingrid Bergman) para infiltrarse en un grupo de Nazis en América del Sur. A medida que el dúo se enamora, y disfruta de uno de los besos más largos de la pantalla, Alicia se siente bien al servir a un propósito más alto. Pero las cosas se confunden cuando el viejo amigo de la familia Alexander Sebastian (Claude Rains) le propone matrimonio a Alicia. Ella y Devlin están en conflicto sobre hacer lo correcto la una por la otra y por su país, y envían mensajes contradictorios., Así que sigue adelante y se pone en gran peligro. En una secuencia impresionante, Devlin llega a una lujosa fiesta donde él y Alicia, que ha robado la llave de la bodega de su marido, exploran la bodega y se abrazan para hacer que Alexander piense que Devlin solo está haciendo avances con ella. La madre de Alexander Adivina la verdad, y comienza a envenenar a Alicia. Devlin tiene que averiguar cómo salvarla. Grant, Bergman y Rains están en la cima de sus poderes persuasivos. Y también Hitchcock.–Anne Thompson