Música afroamericana

en el teatro musical americano de principios del siglo 20, los primeros musicales escritos y producidos por afroamericanos debutaron en Broadway en 1898 con un musical de Bob Cole y Billy Johnson. En 1901, la primera grabación de músicos negros fue de Bert Williams y George Walker, con música de musicales de Broadway., Theodore Drury ayudó a los artistas negros a desarrollarse en el campo de la ópera. Fundó la Drury Opera Company en 1900 y, aunque utilizó una orquesta blanca, contó con cantantes negros en papeles principales y coros. Aunque esta compañía solo estuvo activa de 1900 a 1908, las oportunidades de Black singers con Drury marcaron la primera participación negra en compañías de ópera. También es significativa la ópera Treemonisha de Scott Joplin, que es única como Ópera folclórica de ragtime; se estrenó en 1911.

la primera parte del siglo XX vio un aumento en la popularidad del blues y el jazz afroamericanos., La música afroamericana en este momento fue clasificada como»música de raza». Este término ganó impulso debido a Ralph Peer, director musical de Okeh Records, quien puso los discos hechos por grupos» extranjeros » bajo ese sello. En ese momento «raza» era un término comúnmente utilizado por la prensa afroamericana para hablar de la comunidad como un todo con un punto de vista de empoderamiento, ya que una persona de «raza» estaba involucrada en la lucha por la igualdad de derechos. Además, los desarrollos en los campos de las artes visuales y el renacimiento de Harlem llevaron a desarrollos en la música., Los artistas de Ragtime como Scott Joplin se hicieron populares y algunos se asociaron con el renacimiento de Harlem y los primeros activistas de los derechos civiles. Además, los artistas blancos y latinos de música afroamericana eran visibles, arraigados en la historia de la comunicación intercultural entre las razas de los Estados Unidos. La música afroamericana a menudo se adaptaba para el público blanco, que no habría aceptado tan fácilmente a los artistas negros, lo que llevó a géneros como la música swing, una consecuencia del jazz basada en el pop.,

además, los afroamericanos se estaban convirtiendo en parte de la música clásica a principios del siglo XX. Aunque originalmente estaban excluidos de las principales orquestas sinfónicas, los músicos negros podían estudiar en conservatorios de música que habían sido fundados en la década de 1860, como la Escuela de música Oberlin, el Conservatorio Nacional de música y el Conservatorio de Nueva Inglaterra. Los negros también formaron sus propias orquestas sinfónicas a principios del siglo XX en ciudades importantes como Chicago, Nueva Orleáns y Filadelfia., Varias orquestas Negras comenzaron a actuar regularmente a finales de la década de 1890 y principios del siglo XX. En 1906, la primera orquesta negra incorporada se estableció en Filadelfia. A principios de la década de 1910, se fundaron escuelas de música totalmente negras, como la Escuela de música Settlement for Colored y la Escuela de música Martin-Smith en Nueva York.

The Music School Settlement for Colored se convirtió en patrocinador de la Orquesta del club Clef en Nueva York. La Orquesta Sinfónica del club Clef atrajo a audiencias blancas y negras a conciertos en el Carnegie Hall de 1912 a 1915., Dirigida por James Reese Europe y William H. Tyers, la Orquesta incluía banjos, mandolinas y cuernos barítonos. Los conciertos incluyeron música escrita por compositores negros, en particular Harry T. Burleigh y Will Marion Cook. Otras series anuales de conciertos negros incluyen los conciertos «all-Colored Composers» de William Hackney en Chicago y los festivales de música de color de Atlanta.

el regreso del musical negro a Broadway ocurrió en 1921 con Shuffle de Sissle y Eubie Blake., En 1927, se realizó un estudio de conciertos de música negra en el Carnegie Hall, incluyendo jazz, spirituals y la música sinfónica de la Orquesta de W. C. Handy y los cantantes Jubilee. El primer gran musical cinematográfico con un elenco negro fue Hallelujah del Rey Vidor de 1929. Los artistas afroamericanos aparecieron en el espectáculo musical Boat (que tenía una parte escrita para Paul Robeson y un coro de cantantes Jubilee), y especialmente en óperas negras como Porgy and Bess y Four Saints in Three Acts de Virgil Thomson de 1934.,

la primera sinfonía de un compositor negro interpretada por una gran orquesta fue la Sinfonía afroamericana de William Grant Still (1930) por la Filarmónica de Nueva York. La Sinfonía en mi menor de Florence Beatrice Price fue interpretada en 1933 por la Orquesta Sinfónica de Chicago. En 1934, la Sinfonía Negra Folk de William Dawson fue interpretada por la Orquesta de Filadelfia.

Los afroamericanos fueron los pioneros de la música jazz, a través de maestros como Jelly Roll Morton, James P. Johnson, Louis Armstrong, Count Basie, Fletcher Henderson y Duke Ellington.,

mid–20th century (1940s-1960s)Edit

Billboard comenzó a hacer una lista separada de discos de éxito para la música afroamericana en octubre de 1942 con el Harlem Hit Parade, que fue cambiado en 1945 a «Race Records», y luego en 1949 a «Rhythm and Blues Records». En la década de 1940, las versiones de canciones afroamericanas eran comunes, y con frecuencia encabezaban las listas, mientras que los músicos originales encontraron éxito entre su audiencia afroamericana, pero no en la corriente principal., En 1955, Thurman Ruth persuadió a un grupo de gospel para cantar en un ambiente secular, el Teatro Apollo, con tal éxito que posteriormente organizó caravanas gospel que viajaron por todo el país, tocando en los mismos lugares que los cantantes de rhythm and blues habían popularizado., Mientras tanto, los artistas de jazz comenzaron a alejar el jazz del swing, una música popular bailable, hacia arreglos más intrincados, improvisación y formas técnicamente desafiantes, culminando en el bebop de Charlie Parker y Dizzy Gillespie, los sonidos frescos y el jazz modal de Miles Davis, y el Free jazz de Ornette Coleman y John Coltrane.,

los músicos afroamericanos en las décadas de 1940 y 1950 estaban desarrollando el rhythm and blues en un género llamado rock and roll, que presentaba un fuerte backbeat y cuyos Wynonie Harris. Sin embargo, fue con músicos blancos como Bill Haley y Elvis Presley, tocando una fusión basada en la guitarra del rock and roll negro con la música country llamada rockabilly, que la música rock and roll se convirtió en un éxito comercial., La música Rock a partir de entonces se asoció más con la gente blanca, aunque algunos artistas negros como Chuck Berry y Bo Diddley tuvieron éxito comercial.

a medida que la década de 1940 llegaba a su fin, otros afroamericanos se esforzaron por concertizar como músicos clásicos profesionalmente entrenados en un esfuerzo por trascender las barreras raciales y nacionalistas en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial., Incluido en este grupo estaba Henry Lewis, que surgió en 1948 como el primer instrumentista afroamericano en una orquesta sinfónica estadounidense líder, un temprano «embajador musical» en apoyo de la diplomacia cultural en Europa y el primer director afroamericano de un importante conjunto sinfónico Estadounidense en 1968.

la década de 1950 también vio una mayor popularidad del hard blues en el estilo desde la primera parte del siglo, tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido. La década de 1950 también vio el estilo doo-wop hacerse popular., El Doo-wop se había desarrollado a través de la armonía del grupo vocal con las cualidades musicales de diferentes partes vocales, sílabas sin sentido, poca o ninguna instrumentación y letras simples. Por lo general, involucraba a artistas individuales que aparecían con un grupo de respaldo. La facturación en solitario se dio a los cantantes principales que eran más prominentes en el arreglo musical. Una forma secularizada de música gospel estadounidense llamada soul también se desarrolló a mediados de la década de 1950, con pioneros como Ray Charles, Jackie Wilson y Sam Cooke liderando la ola., Soul y R& B se convirtieron en una gran influencia en el surf, así como en los grupos de chicas que encabezaron las listas, incluyendo The Angels y The Shangri-Las, solo algunos de los cuales eran blancos. En 1959, Hank Ballard lanza una canción para el nuevo estilo de baile «The Twist», que se convirtió en el nuevo deseo de baile desde principios de los 60 hasta los 70.

en 1959, Berry Gordy fundó Motown Records, el primer sello discográfico en presentar principalmente a artistas afroamericanos con el objetivo de lograr el éxito crossover. El sello desarrolló un estilo innovador y comercialmente exitoso de música soul con elementos pop distintivos., Su lista inicial incluía a The Miracles, Martha and The Vandellas, Marvin Gaye, The Temptations, The Supremes, y otros. Divas negras como Aretha Franklin se convirtieron en estrellas del crossover de los 60. En el Reino Unido, el blues británico se convirtió gradualmente en un fenómeno dominante, regresando a los Estados Unidos en la forma de The British Invasion, un grupo de bandas lideradas por The Beatles y The Rolling Stones que interpretaron blues y R&pop inspirado en B, con aspectos tradicionales y modernizados., WGIV en Charlotte, Carolina del Norte fue una de las pocas estaciones de radio dedicadas a la música afroamericana que comenzó durante este período.

The British Invasion knocked many black artists off the US pop charts, although some, among them Otis Redding, Wilson Pickett and Aretha Franklin and a number of Motown artists, continued to do well. La música Soul, sin embargo, siguió siendo popular entre los negros a través de formas altamente evolucionadas como el funk, desarrollado a partir de las innovaciones de James Brown., En 1961, un joven llamado Stevland Hardaway Morris grabó su primer disco bajo el sello Tamla de Motown a la edad de 11 años como Stevie Wonder y ese fue el comienzo de su gran carrera.

en 1964, la Ley de Derechos Civiles prohibió las principales formas de discriminación contra los afroamericanos y las mujeres. A medida que las tensiones comenzaron a disminuir, más músicos afroamericanos cruzaron al gusto convencional. Algunos artistas que cruzaron con éxito fueron Aretha Franklin, James Brown y Ella Fitzgerald en el mundo del pop y el jazz, y Leontyne Price y Kathleen Battle en el ámbito de la música clásica.,

a finales de la década, los negros eran parte de la psicodelia y las primeras tendencias del heavy metal, particularmente a través de la omnipresente influencia de los Beatles y las innovaciones de la guitarra eléctrica de Jimi Hendrix. Hendrix fue uno de los primeros guitarristas en utilizar retroalimentación de audio, fuzz y otros pedales de efectos como el pedal wah wah para crear un sonido único solo de guitarra. Psychedelic soul, una mezcla de rock psicodélico y soul comenzó a florecer con la cultura de la década de 1960., Aún más popular entre los negros, y con más atractivo crossover, fue el soul orientado al álbum A finales de la década de 1960 y principios de la década de 1970, que revolucionó la música afroamericana. Las letras inteligentes e introspectivas del género, a menudo con un tono socialmente consciente, fueron creadas por artistas como Marvin Gaye en What’s Going On, y Stevie Wonder en Songs in the Key of Life.

década de 1970Editar

la década de 1970 fue una gran década para las bandas negras tocando música melódica., El soul orientado al álbum continuó su popularidad, mientras que músicos como Smokey Robinson ayudaron a convertirlo en música Quiet Storm. El Funk evolucionó en dos vertientes, una fusión pop-soul-jazz-bass iniciada por Sly & The Family Stone, y la otra una fusión más psicodélica personificada por George Clinton y su P-Funk ensemble. El sonido del Disco evolucionó a partir de músicos negros creando música Soul con una melodía de ritmo acelerado. Isaac Hayes, Barry White, Donna Summer y entre otros ayudan a popularizar la música disco., Sin embargo, esta música se integró en la música popular logrando el éxito de la corriente principal.

Black musicians achieved some mainstream success, though some African-American artists including the Jackson 5, Roberta Flack, Dionne Warwick, Stevie Wonder, The O’Jays, Gladys Knight& The Pips found crossover audiences. Los oyentes blancos preferían el country rock, los cantautores, el stadium rock, el soft rock, el glam rock y, en algunas subculturas, el heavy metal y el punk rock., Durante la década de 1970, The Dozens, una tradición afroamericana urbana de usar el ridículo de rimas juguetonas, se convirtió en street jive a principios de los 70, lo que a su vez inspiró una nueva forma de música a finales de la década de 1970: el hip-hop. Artistas de palabra hablada como The Last Poets, Gil Scott-Heron y Melvin Van Peebles también son citados como los principales innovadores en el hip-hop temprano. Comenzando en las fiestas de barrio en el Bronx, la música hip-hop surgió como una faceta de una gran subcultura con elementos rebeldes y progresistas. DJs spun records, más típicamente funk, mientras MCs introdujo pistas a la audiencia de baile., Con el tiempo, los DJs, en particular el inmigrante Jamaiquino DJ Kool Herc, por ejemplo, comenzaron a aislar y repetir las pausas de percusión, produciendo un ritmo constante y eminentemente bailable, que ellos o los MCs comenzaron a rapear, a través de rimas y eventualmente letras sostenidas. El Hip Hop se convertiría en un movimiento multicultural en la joven América negra, liderado por artistas como Kurtis Blow y Run-DMC.,

década de 1980Editar

en la década de 1980, Michael Jackson tuvo un éxito récord con sus álbumes Off The Wall, Bad y Thriller, este último siendo el álbum más vendido de todos los tiempos, transformando la música popular y uniendo razas, edades y géneros, y finalmente llevaría a exitosos artistas negros en solitario, como Prince, Lionel Richie, Luther Vandross, Tina Turner, Whitney Houston y Janet Jackson. El Pop y el dance-soul de esta época inspiraron a new jack swing a finales de la década.

el Hip-hop se extendió por todo el país y se diversificó., Techno, Dance, Miami bass, post-disco, Chicago house, Los Angeles hardcore y Washington, D. C. Go-go se desarrollaron durante este período, Con solo Miami bass logrando el éxito de la corriente principal. Pero, en poco tiempo, Miami bass fue relegado principalmente al sureste de Estados Unidos, mientras que Chicago house había hecho fuertes avances en los campus universitarios y arenas de baile (es decir, el sonido de almacén, el rave). El sonido DC go-go de Miami bass era esencialmente un sonido regional que no obtuvo mucho atractivo masivo., Chicago house sound se había expandido en el entorno musical de Detroit y mutado en sonidos más Electrónicos e industriales creando Detroit techno, acid, jungle. Al combinar estos sonidos experimentales, generalmente orientados a DJ, con la prevalencia del sonido multiétnico disco de la ciudad de Nueva York de las décadas de 1970 y 1980, se creó una marca de música que fue más apreciada en las enormes discotecas que se encuentran en ciudades como Chicago, Nueva York, Los Ángeles, Detroit, Boston, etc., Finalmente, el público europeo abrazó este tipo de música electrónica de baile con más entusiasmo que sus contrapartes norteamericanas. Estos sonidos variables permiten a los oyentes priorizar su exposición a Nueva Música y ritmos mientras disfrutan de una gigantesca experiencia de baile.

en la última mitad de la década, desde alrededor de 1986, el rap se hizo popular con Raising Hell De Run-D. M. C., y Licensed to Ill de The Beastie Boys, convirtiéndose este último en el primer álbum de rap en entrar en el puesto número 1 en el Billboard 200 y ayudando a romper las puertas para que los artistas blancos hagan rap., Ambos grupos mezclaron rap y rock juntos, lo que atrajo al público del rock y el rap. El Hip hop despegó de sus raíces y la edad de oro del hip hop floreció, con artistas como Eric B. & Rakim, Public Enemy, LL Cool J, Queen Latifah, Big Daddy Kane, y Salt-N-Pepa. El Hip Hop se hizo popular en Estados Unidos hasta finales de la década de 1990, cuando llegó a todo el mundo. La escena de la edad de oro se extinguiría a principios de la década de 1990 cuando gangsta rap y G-funk se hicieron cargo, con los artistas de la costa oeste Dr. Dre, Snoop Dogg, Warren G y Ice Cube, los artistas de la costa este Notorious B. I. G.,, Wu-Tang Clan y Mobb Deep, y los sonidos de la bravuconería urbana masculina negra, la compasión y la conciencia social mejor representada por el rapero Tupac Shakur.

mientras que la música heavy metal fue creada casi exclusivamente por artistas blancos en las décadas de 1970 y 1980, hubo algunas excepciones. En 1988, la banda de heavy metal All-black Living Colour alcanzó el éxito con su álbum debut Vivid, alcanzando el puesto número 6 en el Billboard 200, gracias a su sencillo «Cult of Personality». La música de la banda contenía letras que atacaban lo que percibían como el eurocentrismo y el racismo de América., Una década más tarde, más artistas negros como Lenny Kravitz, Body Count, Ben Harper y muchos otros comenzarían a tocar rock de nuevo.

1990s, 2000s, and 2010sedit

Contemporary R&B, como en la versión post-disco de la música soul, se mantuvo popular a lo largo de las décadas de 1980 y 1990. Dru Hill, Blackstreet y Jagged Edge., Los grupos de chicas, como TLC, Destiny’s Child, SWV y en Vogue, también tuvieron mucho éxito.

cantautores como R. Kelly, Mariah Carey, Montell Jordan, D’Angelo, Aaliyah y Raphael Saadiq de Tony! ¡Toni! Toné! también fueron significativamente populares durante la década de 1990, y artistas como Mary J. Blige, Faith Evans y BLACKstreet popularizaron una mezcla de fusión conocida como Hip-hop soul. El movimiento neo soul de la década de 1990 miró hacia atrás en influencias soul más clásicas y fue popularizado a finales de la década de 1990/principios de la década de 2000 por artistas como D’Angelo, Erykah Badu, Maxwell, Lauryn Hill, India.,Arie, Alicia Keys, Jill Scott, Angie Stone, Bilal y Musiq Soulchild. Según un escritor de música, el álbum aclamado por la crítica de D’Angelo Voodoo (2000) » representa la música afroamericana en una encrucijada … Simplemente llamar alma neoclásica … sería ignorar los elementos del jazz de vodevil, los cuernos de Memphis, el blues de ragtime, el funk y los grooves de bass, por no hablar del hip-hop, que se escapan de cada poro de estas canciones embrujadas., Blue-eyed soul es una influencia de la música afroamericana interpretada por artistas blancos, incluyendo a Michael McDonald, Christina Aguilera, Amy Winehouse, Robin Thicke, Michael Bolton, Jon B., Lisa Stansfield, Teena Marie, Justin Timberlake, Joss Stone, George Michael y Anastacia.

en la primera década del siglo XXI, R&B había cambiado hacia un énfasis en artistas solistas con atractivo pop, con Usher, Rihanna y Beyoncé siendo los ejemplos más destacados. Además, la música fue acompañada por videos musicales estéticamente creativos y únicos., Ejemplos de este tipo de videos musicales incluyen, pero no se limitan a: «Crazy In Love» de Beyoncé, «Pon De Replay» de Rihanna y «Caught Up»de Usher. Estos videos musicales ayudaron a R& B a ser más rentable y más popular de lo que había sido en la década de 1990. la línea entre el hip-hop y R&b y pop fue significativamente borrosa por productores como Timbaland y Lil Jon y artistas como Missy Elliott, T-Pain, Nelly, Akon y OutKast.,

«Urban music» and «urban radio» are largely race-neutral today, terms that are synonyms with hip hop and R&b and the associated hip-hop culture that originated in New York City. El término también refleja el hecho de que son populares en las áreas urbanas, tanto dentro de los centros de población negra como entre la población general (especialmente las audiencias más jóvenes).