enseñanza de música antigua
siglo 18: escuelas de canto y sus libros de melodía
antes de que hubiera educación musical formal en los Estados Unidos, había música y educación, experimentada principalmente a través de la educación religiosa. La educación musical en los Estados Unidos comenzó después de la llegada de los peregrinos y puritanos, cuando los ministros se dieron cuenta de que su congregación necesitaba ayuda para cantar y leer música., Varios ministros desarrollaron libros de melodía que usaban cuatro notas de solfeo (Mi, Fa, Sol, La) y notas de forma para entrenar a la gente en el canto de los salmos e himnos necesarios para el canto adecuado de la Iglesia. En 1830, las escuelas de canto basadas en las técnicas encontradas en estos libros comenzaron a aparecer por toda Nueva Inglaterra, con algunas personas asistiendo a clases de canto todos los días (Keene, 1982). Se les prometió que aprenderían a cantar en un mes o que se convertirían en maestros de música en tres meses.,
algunos consideran que la música de himnos de esta época es exclusivamente Americana, tomando prestados estilos de Irlanda, Inglaterra y Europa, pero usando ritmos de baile, reglas armónicas sueltas y partes vocales complejas (contrapunto) donde cada voz (soprano, alto, tenor y bajo) cantaba su propia melodía única y nadie tenía la melodía principal. Compositores americanos originales como William Billings escribieron cientos de himnos en este estilo.
siglo 19
Johann H. Pestalozzi (1746-1827)
Pestalozzi fue un reformador educativo y filósofo Suizo, nacido en 1746., Es conocido como el padre de la educación moderna. Aunque sus filosofías tienen más de 200 años, es posible que reconozca que sus ideas suenan bastante contemporáneas. Creía en una educación centrada en el niño que promovía la comprensión del mundo desde el nivel del niño, teniendo en cuenta el desarrollo individual y las experiencias concretas y táctiles, como trabajar directamente con plantas, minerales para la ciencia, etc. Abogó por enseñar a los niños pobres y ricos, desglosando un tema a sus elementos, y una educación amplia y liberal junto con la formación de maestros. En los estados UNIDOS,, las escuelas normales despegarían a finales del siglo 19, y los defensores de la reforma educativa de Pestalozzi pondrían en marcha un sistema de formación docente que nos influye hasta el día de hoy.
Lowell Mason (1792-1872) y el movimiento «Mejor Música»
Lowell Mason, considerado el fundador de la educación musical en América, fue un defensor de las ideas de Pestalozzi, particularmente el método de memoria de la enseñanza de la música, donde las canciones se experimentaron y se repitieron primero y los conceptos se enseñaron después. Mason escribió el primer libro de la serie basado en el método de memoria en 1864 llamado El Jardín de la canción.,
Mason fue muy crítico tanto con las escuelas de canto de la época como con el estilo compositivo. Estaba horrorizado por las promesas que las escuelas de canto hacían a sus estudiantes, a saber, que podrían estar calificados para enseñar después de solo unos pocos meses de lecciones, y las técnicas generales de composición utilizadas en ese momento. Mason sintió que la música, incluyendo el trabajo de compositores como Billings, era «grosera y cruda.,»Para cambiar esto, promovió simplificado armonías que hizo la melodía el aspecto más prominente de la música, y rebajó la importancia de las otras partes vocales para apoyar la melodía. Logró esto a través del establecimiento de escuelas de canto shape note, que llevaron a cabo su visión musical. El resultado fue que el estilo original de los himnos se convirtió en el ámbito de las escuelas de canto shape note, principalmente en el sur, donde florecieron durante muchos años. El libro de notas de forma más famoso se llama Arpa Sagrada.
Alojado en los estados UNIDOS, Biblioteca del Congreso (U. S Library of Congress and ) , a través de WikiCommons
bajo el título «New Britain», «Amazing Grace» aparece en una publicación de 1847 de Southern Harmony in shape notes
Las canciones en Arpa sagrada eran himnos religiosos. «Amazing Grace» fue una de las canciones publicadas en este libro.,
Amazing Grace
John Newton (1779), Sacred Harp Songbook (1844)
n 1833, Lowell Mason y otros comenzaron a introducir la idea de la educación musical en las escuelas. Mason, junto con Thomas Hastings, estableció el primer programa de música de escuela pública en Boston, comenzando con la Escuela de canto de Boston, que enseñaba a los niños a cantar bajo su metodología., Finalmente, los maestros de aula regulares fueron educados en escuelas normales (más tarde llamadas escuelas de maestros), desarrolladas a mediados del siglo XIX, donde se les enseñaban las materias generales y se esperaba que enseñaran las artes también (Brown, 1919).
la escuela primaria actualizada, al darse cuenta de las limitaciones del plan de estudios de las 3 R, ha enriquecido su programa agregando actividades como canto, dibujo, ocupaciones constructivas, narración de cuentos y juegos, y se ha esforzado por organizar su trabajo en términos de niños en lugar de la materia (Temple, 1920, 499).,
la música y la Escuela normal
Las Escuelas Normales en el siglo XIX surgieron de la necesidad de educar a una creciente población joven estadounidense. Estas escuelas eran cursos de preparación de maestros, generalmente con acceso a escuelas modelo donde los maestros en formación podían observar y practicar la enseñanza. La música era una parte importante de la educación. La Escuela Normal Del Estado de Missouri en Warrensburg destacó la importancia de la música en su catálogo de 1873-74:
Música Vocal—la importancia de la música como una de las ramas de la educación es plenamente reconocida., La música Vocal se enseña durante todo el curso entire y se aconseja a los maestros que la hagan parte del curso de instrucción en cada escuela con la que puedan estar conectados (Keene, 1982, p. 204).
Music and education in America: 20th century
Los supervisores de música, que supervisaban el trabajo de los maestros de aula, recibieron capacitación adicional en música. La educación musical a principios del siglo 20 continuó bajo el ámbito del supervisor de música, mientras que los maestros de aula fueron entrenados para enseñar música a sus estudiantes., Poco a poco, comenzó un proceso de especialización y la música se convirtió en una asignatura regular con certificación propia, una tradición educativa que continúa hasta nuestros días. En la década de 1920, las instituciones en los Estados Unidos comenzaron a otorgar títulos en educación musical y, junto con grupos como la Conferencia de Supervisores de música (más tarde la Conferencia Nacional de Educadores de música y actualmente la Asociación Nacional de Educadores de música o NAfME), apoyaron el uso de maestros de música calificados en las escuelas., Con el tiempo, las artes se dividieron en diferentes especialidades, y se creó el papel separado de profesor de música como lo conocemos.
irónicamente, había una gran preocupación en ese momento con respecto a estos maestros de música especiales. Debido a que la música ya no estaba en manos de los maestros de clase, se hizo un gran esfuerzo para «traer la música en una relación tan cercana a la otra obra como sea posible bajo el arreglo actual de un maestro de música especial» (Goodrich, 1901, p. 133).
educación musical contemporánea
métodos de instrucción
el papel de la música en los EE.UU., el sistema educativo está siempre en discusión. Por un lado, muchos ven problemas estructurales inherentes a la conexión de la música con su historia y la distinción evidente entre la prevalencia, importancia y función del papel de la música en la vida cotidiana y su papel asediado en el aula Sloboda (2001). Por otro lado, se requiere una mayor promoción para justificar la existencia de la música y los Términos de los beneficios para el niño en medio de la amenaza de constantes recortes presupuestarios. Ante esto, es importante recordar la historia, el origen y las raíces profundas de la educación musical en la experiencia educativa estadounidense.,
el comienzo del siglo XX fue un momento emocionante para la educación musical, con varios métodos de instrucción significativos que se desarrollaron y se afianzaron. En los Estados Unidos, la educación musical se desarrolló alrededor de un método de instrucción, el curso de música Normal, cuyos restos se adhieren incluso hoy en día en las aulas de música. Los libros utilizaron un plan de estudios» gradual » con canciones y ejercicios sucesivamente más complejos, y combinaron canciones compuestas por el autor en estos libros con material folclórico y clásico., Una copia en línea del nuevo curso de música Normal (1911) para estudiantes de cuarto y quinto grado es accesible a través de Google Books.
en Europa y Asia, se desarrollaron cuatro métodos de instrucción musical sobresalientes y muy diferentes: el método Kodály, Orff Schulwerk, Suzuki y Dalcroze, todos jugaron un papel importante en la promoción de la educación musical en el extranjero y en los Estados Unidos, y fueron métodos basados en géneros folclóricos y clásicos (ver capítulo 4 para más discusión sobre estos métodos)., En contraste con los primeros libros de música para la Escuela Normal, para los cuales había «una escasez de material de canciones que impulsó a los autores del curso original a usar principalmente su propio material de canciones» (Tufts & Holt, 1911, p. 3), Kodály y Orff en particular usaron música auténtica en sus métodos, y música auténtica directamente relacionada con la vida de los niños (Ver capítulo 4 para más sobre esto).
recursos
- Niños de cuatro y cinco años de edad fueron capaces de retratar el significado emocional en la música a través del movimiento expresivo.
Metz, E. R. (1989)., El movimiento como respuesta musical entre los niños en edad preescolar. Journal of Research in Music Education 37, 48-60.
- El resultado principal de «El movimiento como respuesta Musical entre niños preescolares» fue la generación de una teoría sustantiva de las respuestas del movimiento de los niños a la música. El autor también derivó implicaciones de las siete proposiciones de la educación infantil temprana y las respuestas del movimiento a la música.,
- Las actitudes y respuestas musicales de los niños pequeños no parecen basarse en características musicales específicas; los niños pueden tener respuestas y estilos de escucha muy idiosincrásicos.
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vocabulario
articulación: la manera en que se tocan las notas o se pronuncian las palabras; por ejemplo, larga o corta, acentuada o no acentuada
contrapunto: el arte de combinar melodías
dinámica: indica el volumen del sonido, y los cambios en el volumen (P., sonoridad, suavidad, crescendo, decrescendo).
armonía: la combinación simultánea de tonos, especialmente cuando se mezclan en acordes agradables al oído; estructura de acordes, a diferencia de la melodía y el ritmo
homofonía: una melodía con un acompañamiento; e. g.,, un cantante y una banda
grupos indígenas: personas asociadas con un área determinada que formulan su propia cultura
melodía: sonidos musicales en una sucesión o arreglo agradable
metro: la organización de tiempos fuertes y débiles; unidad de medida en términos de número de tiempos en un compás
monofonía: una sola capa o sonido; por ejemplo; un solista
Notación: cómo se escriben las notas en la página
la vibración de una nota
polifonía: dos o más voces independientes; e. g.,, a round of a fugue
salmos e himnos: ejemplos de música de Iglesia
recitación: lectura de un texto usando un discurso elevado, similar al canto
ritmo: el patrón de pulsos regulares o irregulares causados en la música por las ocurrencias de ritmos melódicos y armónicos fuertes o débiles
método de memoria: técnica de memorización basada en la repetición, especialmente cuando el material se aprende rápidamente
notas de forma: estilo de notación utilizado en las primeras escuelas de canto en los Estados Unidos., donde cada nota tenía una forma única por la cual se identificaba
silencio: la ausencia de sonido
solfege: un método de educación musical para enseñar lectura de tono y vista, asignando Sílabas a las notas de una escala; es decir, Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Ti, Do se asignaría para representar y ayudar a escuchar las notas principales de la escala
sonido: vibraciones que viajan a través del aire, agua, gas u otros medios que son captados por el tímpano humano
tempo: relativa rapidez o velocidad de movimiento, generalmente indicada por términos como Adagio, Allegro, etc., o por referencia al metrónomo., Además, el número de latidos por minuto
textura: la forma en que la melodía, la armonía y el ritmo se combinan en una pieza; la densidad, el grosor o la delgadez o las capas de una pieza
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