Alfred Hitchcock Meilleurs Films, Classé

les Débats sur Alfred Hitchcock ont fait rage pendant des décennies. Était-il un génie cruel qui traitait ses acteurs comme du bétail, torturant les performances de ses blondes glacées? (Certains, comme la star de cinéma établie Grace Kelly, l’ont mieux géré que d’autres.) Certains critiques préfèrent le Hitchcock britannique plus fantaisiste, la langue dans la joue, bien que son premier succès  » The Lodger” (1927) soit un signe des choses à venir.,

de toute évidence, Hitchcock a appris de son mentor hollywoodien David O. Selznick, qui lui a beaucoup appris, souligne David Thomson dans  » The New Biographical Dictionary of Film. »Pendant plus de 50 ans, le cinéaste a toujours eu un flair visuel et un style distinct, et a su impliquer le public dans ses personnages sombres, souvent opaques. Cary Grant, en particulier, excellait à jouer des hommes charismatiques dont les motifs et la vraie nature étaient ouverts à l « interprétation, de” Suspicion « à » notoire., »

Hitchcock était un véritable artiste dans le sens où il poursuivait souvent sa muse même lorsque des projets sans promesse commerciale évidente n’étaient pas soutenus par les studios. Mais il a toujours équilibré le flop expérimental occasionnel avec beaucoup de succès grand public. Il se fichait que son obsession pour les éléments de genre–qui sont si prisés comme commercialement « sûrs” aujourd’hui-n’aient pas été approuvés par l’establishment hollywoodien, qui les considérait comme des films B., Il a prouvé les costumes faux encore et encore, parce qu’il comprenait mieux que tout cinéaste peut-être Jusqu’à Steven Spielberg ce que le public veut vraiment. De toute évidence, il aimait les choquer et les effrayer.

et plus que la plupart des cinéastes, Hitchcock a pris en main le développement et la production de ses histoires, et a adopté la télévision comme médium, ce qui a aidé, avec ses caméos, à créer un personnage reconnaissable par le public. L’un des premiers à comprendre instinctivement le pouvoir de l’image de marque, « Hitch” est devenu le réalisateur le plus célèbre qui ait jamais vécu., Il avait un instinct d’auto-promotion, se mettant dans ses propres bandes-annonces de films. Il a créé un personnage comique ironique – le réalisateur qui fait un clin d’œil au public alors qu’il cherche à effrayer les bejeezus.

– nous défendre Hitchcock utilisation de l’arrière de l’écran de projection jusqu’à la fin amère, quand il n’était plus en vogue? Je me souviens avoir ri des fausses courbes de la route dans  » Family Plot. »Mais dans l’ensemble, cette habitude obstinée était une transgression mineure.,

Alors qu’une version restaurée du classique voyeuriste d’Hitchcock « Rear Window” revient en circulation, the TOH gang se classe parmi les 25 meilleurs films d’Hitchcock. Oui, nous laissons de côté des films incroyables. N’hésitez pas à nous dire où nous nous sommes trompés–en particulier dans notre choix du numéro Un. Allons-nous de pair avec le choix consensuel de Sight and Sound? Lire et pleurer. – Anne Thompson

25. ” L’affaire Paradine  » (1947)
Napoléon avait Waterloo; l’équipe de hockey de l’Armée Rouge avait Lake Placid; Les Beatles avaient « M. Moonlight”; George Clooney a « Monuments Men., »Tout le monde a quelque chose à cacher et, pour Hitchcock, c’est ce thriller psychologique-drame-rencontre-salle d’audience joué par hammily avec Gregory Peck (« Spellbound”), Alida (« The Third Man”) Valli, Ann Todd, Charles Laughton et Leo G. Carroll, tous dirigés par Quelqu’un se faisant appeler Alfred Hitchcock. En réalité, Hitchcock était à la fin de son contrat avec David O. Selznick (qui a fait le tour de la production), et voulait vraiment sortir. Comme tous ceux qui s’assoient pour regarder les résultats.- John Anderson
24., « Lifeboat » (1944)
L’une des expériences d’Hitchcock dans l’utilisation d’un seul décor peut sembler un peu scénique, voire ringarde, de temps en temps lorsque chaque survivant d’un navire en perdition qui est forcé de partager le titre craft doit représenter une tranche d’humanité, de l’homme noir religieux Joe (Canada Lee) et Gus muet de William Bendix à Willi nazi insensible de Walter Slezak à la femme instable de Heather Angel accrochée à son bébé mort., Mais C’est Tallulah Bankhead en journaliste cynique Connie avec ses lectures de lignes merveilleusement profondes (« mourir ensemble est encore plus personnel que vivre ensemble”) et ses accessoires glamour qui flottent un par un qui maintiennent cette plate-forme dramatique à flot. La prémisse de la guerre permet à Hitchcock d’aborder avec franchise la question du rôle de Dieu dans le destin de l’humanité. Pendant ce temps, Connie surprend souvent ses camarades de bateau et le public avec ses actions spontanées, comme quand elle embrasse Gus avant que sa jambe ne soit amputée ou réapplique son rouge à lèvres comme une sorte de conservateur de vie cosmétique.,—Susan Wloszczyna

23. « Frenzy » (1972)
Juste au moment où la plupart des fans avaient abandonné l’espoir de Sir Alfred jamais livrer un autre thriller qui méritait la chair de poule, le long est venu un sombre méchant plaisir de fin de vie-son avant – dernier film. Cette variation sur le thème familier d’un homme (Jon Finch, alors étoile montante) accusé à tort d’un crime alors qu’un soi-disant « Étrangleur de cravate” traque Londres était sa première production britannique depuis des lustres et profitait du relâchement de la retenue graphique de l’époque., Négligez les aspects stodgier du complot et savourez plutôt comment Hitchcock dépeint des appétits tordus à la fois charnels (le vendeur de fruits psychopathe Barry Foster attaque sexuellement sa proie avant de l’étouffer) et culinaires (l’inspecteur de police D’Alec McCowen est obligé de dîner sur les créations gastronomiques horribles non comestibles de sa femme). Il y a de nombreuses scènes brillamment mises en scène employant souvent le silence. Mais la séquence qui me reçoit à chaque fois est quand Foster se rend compte que la victime, il a fourré dans un sac de pommes de terre et jeté sur un camion rempli de spuds est agrippant sa signature épingle à cravate., Sa tentative désespérée de le tirer des griffes d’un cadavre raide qui implique de se casser un doigt est macabre dans un plan parallèle de la femme de McCowen claquant une baguette de pain.- Susan Wloszczyna

22. « The Wrong Man « (1956)
Ce thriller en noir et blanc adapté par Maxwell Anderson de son propre roman” The True Story of Christopher Emmanuel Balestrero  » reflète de près l’histoire réelle d’un innocent accusé à tort de vol à main armée. Hitchcock jure  » chaque mot est vrai., »Bien que cela puisse être vrai, le style audacieux et impressionniste du film donne à « The Wrong Man” la qualité d’un rêve. Henry Fonda transmet des montagnes d’inquiétude et de frustrations en tant que bassiste de cordes pris dans un manège juridique kafkaïen dont le plan désespéré d’emprunter contre L’assurance-vie de sa femme (Vera Miles) va hideusement mal et le met en prison. Les prisons et les salles d’audience d’Hitchcock se baladent d’ombres et de silhouettes, le compositeur Bernard Herrmann reprenant son flair musical habituel pour créer une partition dont la subtilité semble subversive pour un film de 1956., Rétrospectivement, c’était probablement un noir trop sombre et déprimant pour les masses. (Ce fut un flop à l’époque, mais a depuis été réévalué de manière critique.) Mais de loin, son esprit blasé et fatigué du monde se sent à propos de l’ici et maintenant. – Ryan Lattanzio
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21., ”Saboteur  » (1942)
L’une des séquences les plus emblématiques parmi les films D’Hitchcock est la poursuite de ce thriller de guerre au sommet de la Statue de la liberté, avec Norman Lloyd, malfaiteur à l’accent Teutonique, essayant sans succès d’échapper à Robert Cummings. (Et qui peut les blâmer? Cummings est parmi les acteurs les moins convaincants jamais; Lloyd peut avoir pensé la condition contagieuse.) C’est Hitchcock de transition: son premier us., la production, « Rebecca », était vraiment anglaise;” Saboteur », avec une” histoire « du réalisateur (et un scénario coécrit par Dorothy Parker) est vraiment” les 39 étapes » sans les bons mots jetables et l’Air général de sophistication. Au lieu de la Madeleine Carroll relativement énervée et du Grand Robert Donat, Hitchcock a Cummings et Priscilla Lane ainsi qu’un conflit dramatique qu’il revisiterait toute sa carrière – celle des accusés à tort contre une seule force du mal vaguement définie. Dans « Saboteur », tout est un peu évident., – John Anderson

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20. ”L’Homme qui En savait trop  » (1956)
Le remake du thriller britannique de 1934 du maître du suspense mettait en scène l’un de ses collaborateurs préférés, James Stewart, dans le rôle d’un médecin américain en voyage à l’étranger dont le jeune fils est enlevé par un réseau terroriste international impliqué dans un complot d’assassinat. Les méchants étrangers ici sont malheureusement une note. Mais la performance hors concours vient d’une source inattendue: la star de la comédie musicale Doris Day dans un rôle dramatique rare., Elle parvient à briser de manière impressionnante le moule de la blonde hitchcockienne impassible en exprimant nue l’agonie d’une mère dont l’enfant a été arraché. Elle est l’instrument qui anime la pièce maîtresse formidable du film où une cymbale qui s’écrase lors d’un concert est le signal destiné au tueur pour tirer sur sa cible. Et la belle séquence où Day sérénade son enfant alors qu « il se prépare pour le coucher avec la chanson oscarisée” Que Sera, Sera » est bookended par une reprise de l « air qu » elle exécute courageusement dans une ambassade pour alerter son enfant caché qu  » elle est proche., —Susan Wloszczyna
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19. ” Dial M For Murder  » (1954)
Grace Kelly poignardant sa tentative de meurtre avec une paire de ciseaux est là-haut avec le slash de douche « Psycho” comme l’une des séquences les plus impressionnantes techniquement d’Hitchcock. Un thriller d’adultère et de chantage, « Dial M » offre à Kelly le rôle d’une femme mondaine dont le mari jaloux (Ray Milland), apprenant sa liaison avec un écrivain (Robert Cummings), contraint un criminel à la tuer. Mais bien sûr, tout va magnifiquement mal., C’est du pur divertissement, moins chargé avec les indices freudiens et les codes des derniers films d’Hitchcock, mais néanmoins à suspense. – Ryan Lattanzio

18. « Chantage « (1929)
C’est l’un des plus classiques Hitchcockiens des” Hitchcock 9  » récemment publiés dans son cadre criminel, ses motifs et son utilisation du suspense — sans parler de la première utilisation d’une séquence de poursuite autour d’un lieu célèbre, en l’occurrence le British Museum., (« Chantage » existe également dans une version en partie talkie, dans laquelle, bizarrement, l’actrice tchèque Anny Ondra a prononcé des mots prononcés juste hors caméra par l’actrice britannique Joan Barry.) La restauration éclatante du BFI (à partir du négatif original) est une révélation. – Meredith Brody
17. ” Correspondant étranger  » (1938)
Deux des films d’Hitchcock étaient en lice pour le Meilleur film en 1941-le relativement encombrant « Rebecca” (qui a gagné) et ce charmeur, sur un journaliste américain en Europe, trébuchant sur la rampe de lancement de la Seconde Guerre mondiale., C’est drôle comment la star du film, Joel McCrea, a disparu de la conscience publique d’une manière qui, disons, Cary Grant n’a pas: McCrea avait une polyvalence semblable à celle de Grant avec la comédie et le drame, pouvait invoquer la folie D’un Gary Cooper et était aussi viril que n’importe quelle star à Hollywood., Comme Johnny Jones-redubbed « Huntley Haverstock » par un éditeur (Harry Davenport) qui pense que cela sonne mieux – il suggère Tom Sawyer, Agent Secret: quand un diplomate néerlandais (nominé aux Oscars Albert Bassermann) est abattu sur les marches pluvieuses d’une salle de conférence semblable à une cathédrale à Amsterdam, il fournit l’un des moments emblématiques de Hitchcock-un tir de grue qui montre, non pas l’assassin en fuite, mais l’ondulation qu’il provoque à travers une foule de parapluies – et met Huntley sur la piste d’agents désireux de mettre le monde en feu., « Correspondant étranger » n’est peut-être pas meilleur que « Rebecca”, mais dieu que c’est beaucoup plus amusant. —John Anderson

16. « Suspicion « (1941)
Dans le moule de” Notorious « et” Rebecca », cette relation mystère noir (basé sur un roman populaire) repose sur l’idée que le rétrécissement violet Joan Fontaine ne fait pas confiance à son charmant râteau d’un nouveau mari, Cary Grant, qui est ambitieux d’être plus que lui. Est-ce son imagination fantaisiste qui s’enfuit avec elle, alors qu’elle découvre son jeu et d’autres secrets, ou son instinct lui dit-il d’avoir peur, très peur?, Hitchcock nous serpente à travers les flux et les flux de leurs émotions évolutives,nous manipulant à chaque virage. Fontaine a remporté le seul Oscar de la meilleure actrice pour le Hitchcock sous-apprécié, qui a été nominé pour cinq Oscars, mais a dû se contenter de l’Oscar honorifique Irving Thalberg en 1968. – Anne Thompson

15., ” La Dame disparaît  » (1938)
Primo Hitchcock anglais sauf pour un peu de lenteur à bord du train, où Margaret Lockwood tente de retrouver la dame anglaise tweedy qu’elle est sûre d’avoir rencontrée (Dame May Whitty), et qui a partagé son thé avant de disparaître dans la gueule béante de l’espionnage international des chemins de fer. C’est un excellent exemple de ce qui distingue Hitchcock précoce et tardif — Michael Redgrave, d’une part, en tant que musicologue au charme glibly dont le scepticisme à l’égard de l’histoire de Lockwood s’évapore progressivement et qui est motivé autant par la romance que par le mystère., Le rythme, aussi, se sent importé: c’est presque une demi-heure avant que Hitchcock ne se soucie de faire monter tout le monde dans ce train, au cours de laquelle nous connaissons parfaitement les personnages et leur intérêt suprême (qui, plutôt que le mal pur, est la source de malignité à bord). Il convient de noter parmi la distribution sont Naunton Wayne et Basil Radford comme les fans de cricket comiquement effete Caldicott et Charters, qui conspirent pour garder le train mystère en mouvement, de peur qu  » ils manquent leur match à Manchester. —John Anderson

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14., « To Catch a Thief” (1955)
« to Catch a Thief” est Hitchcock en vacances. Face aux panoramas scintillants de la Côte d’Azur, Cary Grant et glam Grace Kelly sont irrésistiblement charmants dans cette câpre romantique aérée et ensoleillée. Grant joue un voleur de bijoux à la retraite impliqué dans une nouvelle série de vols qui cherche à prouver son innocence, tandis que Kelly joue la fille d’une famille américaine fortunée en possession de certains des bijoux les plus convoités de la Riviera., Elle aime un peu le danger, se jetant dans le mystère tout en ayant l’air fabuleuse dans la désormais légendaire robe de mascarade dorée D’Edith Head, entre autres robes knockout. (Le couple badine sur des parties de poulet froides; les feux d’artifice se déclenchent après s’être embrassés.) Le leader fringant Grant avait déjà enregistré des appariements réussis avec Hitchcock sur « Suspicion” et « Notorious” avant ses tours emblématiques dans « To Catch a Thief” et 1959 « North by Northwest. »- Ryan Lattanzio
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13., ” Marnie « (1964)
Bien que les efforts de Richard Brody du New Yorker, entre autres, aient permis de récupérer” Marnie  » du tas de cendres des ratés d’Hitchcock, ce portrait d’un escroc endommagé (Tippi Hedren) et de l’homme (Sean Connery) qui l’épouse reste l’une des œuvres les plus glissantes et difficiles du réalisateur. Avec des éclaboussures sauvages de cramoisi et la partition luxuriante et perçante de Bernard Herrmann, il fait bouillir le mélodrame à quatre mouchoirs-et, par intermittence, lui permet de cailler., Néanmoins, « Marnie », ancré par la performance frappée de Hedren, est une tentative intraitable de rendre le traumatisme psychosexuel dans la syntaxe de la forme cinématographique; même quand il trébuche, le quasi-chef-d’œuvre obsédé de Hitchcock hérisse d’une ferveur expressionniste audacieuse. —Matt Brennan

12. « North by Northwest » (1959)
Hitchcock a donné à plusieurs hommes de premier plan les meilleurs rôles de leur carrière., Cary Grant était à son plus suave comme un homme de publicité pris pour un agent secret qui doit vivre par ses esprits pour survivre à l « assaut de quartiers inattendus, y compris un cropduster dans un champ de maïs, l » un des plus célèbres des pièces de bravoure de Hitchcock. Grant fait également l’amour à Eva Marie Saint dans un train memor et clambers sur craggy presidents au Mont Rushmore., Hitchcock avait toujours voulu tourner là-bas, et a développé le thriller d’Espionnage alambiqué avec le scénariste Ernest Lehman (recommandé par le compositeur Bernard Herrmann, dont la partition commence le film contre les titres emblématiques de Saul Bass), qui a entrepris de livrer le film Hitchcock ultime. Et il l’a fait. Au moins, c’est peut-être le plus divertissant. – Anne Thompson

11. ” The 39 Steps « (1935)
Hitchcock avait déjà produit des efforts aussi louables que  » The Lodger” (1927), « Blackmail” (1929) et « The Man Who Knew Too Much” (1934) lorsqu’il réalisa « The 39 Steps », un acte déséquilibré de premier ordre., Cette caper mousseuse et pleine d’esprit, mettant en vedette Robert Donat et Madeleine Carroll comme des alliés malheureux dans une course pour obtenir des secrets militaires, est essentiellement un long métrage MacGuffin, mais il danse avec une telle intelligence de la flotte que le récit est presque superflu. Plein de retournements sinueux et d’humour rusé—c’est certainement plus drôle que la « comédie noire” du réalisateur, « The Trouble with Harry” (1955)—le film est un exemple précoce de la touche légère D’Hitchcock, construite avec une économie brillante et barbelée., Au moment où Richard Hannay de Donat trébuche dans un discours politique entraînant, dans lequel il aspire à un monde « où tout le monde obtient un accord carré et une chance sportive”, « The 39 Steps” ne semble pas moins significatif qu’une prémonition: il pourrait bien s’agir du premier classique d’Hitchcock. – Matt Brennan

10. « Rebecca » (1940)
Son premier film sous la direction du producteur David O. Selznick, dont la sensibilité de divertissement se heurtait à la série perverse de l’anglais, était ce mélodrame gothique de Daphne du Maurier. Judith Anderson tourne dans une performance méchante comme Mme., Danvers, la jeune femme de ménage obsédée par la femme morte de son maître aristocratique Max de Winter (Laurence Olivier). En passe de devenir la deuxième Mme de Winter, L’héroïne de Joan Fontaine subit la torture psychologique de Danvers et est presque poussée dans la folie (probablement un peu comme les nombreuses muses de Hitch) et le suicide. En noir et blanc, « Rebecca” lance un sort fantomatique même si son côté plus bizarre, y compris les implications de la fixation sexuelle de Danvers sur une femme morte, a été tempéré par le code de Production., Mais l’un des plaisirs de regarder Hitchcock au 21ème siècle est que de telles particularités sournoises survivent de toute façon. —Ryan Lattanzio

9. ” Rope  » (1948)
La première sortie en Technicolor d’Hitchcock met en vedette John Dall et le joli garçon Farley Granger dans le rôle de Brandon et Phillip, deux copains ennuyés et indifférents qui étranglent un ancien camarade de classe dans leur appartement presque comme une alouette, puis organisent une fête dans leur appartement pour les amis et la fiancée de la victime. Pendant ce temps, le cadavre se raidit dans un coffre au centre de la pièce., Entrez dans le quiz Rupert Cadell (Jimmy Stewart), un ancien mentor et philosophe qui leur a donné l’idée de tuer comme un exercice intellectuel. Bien avant que « Birdman” déploie ses ailes, Hitchcock a cousu dix prises pour créer l’illusion du temps réel, poussant l’état de l’art cinématographique à une époque où les caméras ne tenaient que dix minutes de film. Dans les célèbres interviews de Truffaut, Hitchcock a écrit la technique du film comme un « coup » et un « gimmick”—mais nous devrions interpréter cela comme le refus généralement auto-effaçant du réalisateur de laisser le chat sortir du sac., Le sous-texte homosexuel de la relation de Brandon (Dall) et Phillip (Granger) a, depuis le décès de Hays Code-era 1948, été accepté par les cognoscenti comme le véritable texte d’un film qui est tout au sujet de l’anxiété et de l’effroi masculins. – Ryan Lattanzio

8. ” Shadow of a Doubt  » (1943)
Ces jours-ci, les tueries de masse par des assaillants dont les intentions meurtrières passent inaperçues par des amis et des parents sont tragiquement monnaie courante., Alors que les films d’Hitchcock reposaient souvent sur le thème que les apparences sont trompeuses, peu de ses titres frappent aussi près de chez eux et semblent aussi pertinents que ce dévoilement du ventre sombre des États-Unis, une petite ville apparemment saine. Teresa Wright est très relatable comme Charlotte, une adolescente insatisfaite de son existence de classe moyenne qui idolâtre son oncle charismatique et mondain Charlie (charmant monstrueux Joseph Cotten). Elle a l’impression qu’ils sont psychiquement connectés–elle est surnommée Little Charlie en son honneur– et attend sa visite avec impatience., Mais quand il commence à cacher des coupures de journaux sur le « meurtrier de la veuve joyeuse”, elle soupçonne qu’il pourrait être derrière les crimes. Le thriller noir est un peu comme l’histoire policière de Nancy Drew, mais avec un courant sous-jacent d’une attraction incestueuse entre les deux personnages principaux, alors que la jeune Charlie perd son innocence alors qu’elle est amenée à confirmer les terribles actes de son oncle malgré sa mise en péril. Hitchcock lui-même considérait « Shadow of a Doubt” comme l’un de ses favoris, sans doute en partie parce qu’il porte son utilisation du double à un extrême transfigurant., —Susan Wloszczyna

7. « Spellbound » (1945)
Hitchcock de premier ordre et précurseur direct de « Vertigo », un thriller tendu sur la psychologie et le meurtre, encouragé par sa mise en scène dans un hôpital pour aliénés; la performance fragile de Gregory Peck dans le rôle distingué mais profondément troublé du Dr Anthony Edwards; et cette séquence célèbre conçue par Salvador Dali, destinée à illustrer le processus, L’incursion de Hitchcock dans le surréalisme est un chatouillement, bien sûr, mais nous préférons toujours ce coup de pistolet du POV du méchant — tournant, tournant et tirant finalement dans la caméra. – John Anderson
6. ” Strangers on a Train  » (1951)
bordé de séquences foraines du premier et du dernier acte – le premier, avec ses silhouettes lugubres dans le Tunnel de L’amour, est l’une des plus belles pièces du réalisateur-« Strangers on a Train” se précipite vers sa conclusion à la vitesse d’un carrousel en fuite., Entre les deux, le playboy Bruno Anthony (Robert Walker) poursuit le beau joueur de tennis et complice réticent Guy Haines (Farley Granger) avec un abandon lascif, entrecroisant ses désirs refoulés avec son plan pour le meurtre parfait. Si L’instinct de prédation de Bruno suggère parfois la longue histoire de stéréotypes homophobes D’Hollywood, cependant, le frisson d’énergie illicite entre Bruno et Guy électrise un film qui est par ailleurs un modèle de contrôle cool., Jusqu’à ce que le point culminant voit la conspiration dériver de son axe, c’est-à-dire dans une explosion d’action à laquelle n’importe quel studio tentpole ferait bien d’aspirer. – Matt Brennan
5. ” The Birds  » (1963)
personne ne saura jamais à quel point Hitchcock était vraiment cruel pour Tippi Hedren, alors qu’il forçait le mannequin devenu actrice en équilibre mais inexpérimenté à repousser les oiseaux qui attaquent en direct pendant une semaine jusqu’à ce qu’elle s’effondre sous les soins d’un médecin. Elle a accusé le « méchant et déviant” Hitchcock de harcèlement sexuel qui serait contre la loi aujourd’hui, et de faire, puis de ruiner, sa carrière après avoir résisté à ses avances., (Il l’a appelée seulement « la fille »). Melanie Daniels, élégante farceuse de la ville à la française de Hedren dans « The Birds », est la plus effrayante des blondes d’Hitchcock, alors quand des troupeaux de corbeaux, de goélands, de corbeaux, de moineaux et de pigeons se retournent contre les habitants d’un village balnéaire californien, elle cède la place à une vulnérabilité déchirante. Elle fuit une cabine téléphonique en verre et finit par se trouer chez Mitch Brenner (Rod Taylor), un autre homme qui s’en remet à sa mère (Jessica Tandy). Hitchcock a de nouveau enfreint les règles en tournant ce film terrifiant sans score., Nous entendons le vent et le battement des ailes et les sons des becs frappant la chair. Le trope nature vs. man est tout à familier maintenant, mais ce n’était pas alors. – Anne Thompson
Lire un extrait de l’Interview Délicieusement Morbide d’Andy Warhol 1974 Hitchcock

4. « Lunette arrière » (1954)
« Lisa.” Flick. « Carole.” Flick. « Freemont.” Flick. Mes trois mots préférés au cinéma viennent gracieuseté de Grace Kelly, alors que son intrépide mondaine allume les lumières dans les premières minutes de « Rear Window., »En pâmoison et élégant, aussi urbain que la partition hot-to-trot de Franz Waxman, le premier échange de Lisa avec son amant décontracté, le photojournaliste blessé L. B. « Jeff” Jefferies (James Stewart), donne le ton au mystère voyeuriste d’Hitchcock depuis le début. Limité à une seule pièce, le réalisateur façonne un monde en miniature, scrutant les jeunes mariés et les cœurs solitaires avec l’aide de la longue et épaisse lentille de Jeff., Tissant romance, suspense, et même la terreur des images et des sons ambiants de la ville lointaine, tous levés par l « infirmière quippy de Thelma Ritter,” Rear Window » émerge comme un paean à la puissance, et la perversité, de regarder, un rappel de la raison pour laquelle nous sommes tombés pour les films en premier lieu. – Matt Brennan
3. « Psycho »(1960)
” Psycho  » est tellement ancré dans la culture qu’il est difficile d’imaginer à quel point c’était radical et étrange il y a 55 ans. C’était comme si Steven Spielberg était devenu Indie rogue, enfreignant toutes les règles du canon au fur et à mesure., Dans le plan d’ouverture de la caméra comme voyeur se précipite dans une chambre d’hôtel pour regarder une Marion Crane à moitié nue (Janet Leigh) essayer avec un homme marié (John Gavin). Nous suivons Marion avec confiance alors qu’elle vole de l’argent, achète une voiture et vérifie dans le Motel Bates, où nous et le taxidermiste Norman Bates (Anthony Perkins) regardons à travers un trou de serrure pendant que Marion se déshabille. Le compositeur incontournable de Hitchcock, Bernard Herrmann, atteint de nouveaux sommets de terreur hurlante dans la séquence de meurtre ultime à découpage rapide qui sera à jamais connue sous le nom de Scène De La Douche, alors que notre principale dame est tuée avant la mi-chemin du film., Hitchcock manipulait le temps, l’espace et le spectateur, et les critiques ne savaient pas quoi en faire.Des générations de cinéphiles ont étudié ces clichés. De tous les films d’horreur imitatifs qui ont suivi, aucun n’a dépassé « Psycho.” Et ils ne seront pas.- Anne Thompson
2. « Vertigo” (1958)
C’est simple: Si vous n’aimez pas « Vertigo”, » vous n’aimez pas les films., Dans le mystère hypnotique et fantastique de 1958 de Hitchcock – qui trône toujours fièrement au sommet des 50 plus grands films de tous les temps de Sight and Sound, détrônant le « Citizen Kane”de longue date-Kim Novak, blonde et froide, éblouit dans un double rôle de Scottie acrophobe de Jimmy Stewart et la propulse dans l’objet fétiche ultime. Cela reste L’image la plus perverse d’Hitchcock, fourmillant de toutes sortes d’étrangeté que nous ne saisissons jamais tout à fait—comme la dernière image d’une nonne qui sonne les cloches de la tour mission alors que Judy plonge dans son destin., Hitchcock est le pionnier de l’appât narratif qui anime de nombreux thrillers contemporains, en offrant d’abord le fil d’histoire fantôme chintzy de Madeleine est-elle-ou-n’est-elle-pas-possédée, seulement pour déflorer l’histoire et révéler une histoire psychologique plus profonde de déguisement et de désir.- Ryan Lattanzio
1. ” Notorious  » (1946)
Les films D’Hitchcock sont souvent psychologiquement complexes et mordamment drôles, mais ils sont rarement profondément romantiques., « Notorious » est un sombre thriller d’espionnage de la Seconde Guerre mondiale écrit par Ben Hecht dans lequel L’homme de renseignement Devlin (Cary Grant) persuade Alicia Huberman (Ingrid Bergman) d’infiltrer un groupe de Nazis en Amérique du Sud. Alors que le duo tombe amoureux–et profite de l’un des plus longs baisers de l’écran-Alicia se sent bien de servir un but plus élevé. Mais les choses s’embrouillent lorsque le vieil ami de la famille Alexander Sebastian (Claude Rains) demande Alicia en mariage. Elle et Devlin sont tous deux en conflit sur le fait de faire la bonne chose l’un pour l’autre et pour leur pays, et ils envoient des messages mitigés., Alors elle va de l’avant et se met en grand danger. Dans une séquence époustouflante, Devlin vient à une fête somptueuse où lui et Alicia, qui a volé la clé de la cave à vin de son mari, explorent la cave et s’embrassent pour faire croire à Alexander que Devlin ne fait que lui faire des avances. La mère d’Alexandre devine la vérité et commence à empoisonner Alicia. Devlin doit trouver comment la sauver. Grant, Bergman et Rains sont tous au sommet de leurs pouvoirs de persuasion. Et donc, est Hitchcock.–Anne Thompson