Musique afro-américaine

18e siècleModifier

à la fin du 18e siècle, les spirituals folkloriques sont nés parmi les esclaves du Sud, après leur conversion au christianisme. La Conversion, cependant, n’a pas abouti à ce que les personnes asservies adoptent les traditions associées à la pratique du christianisme. Au lieu de cela, ils les ont réinterprétés d’une manière qui avait un sens pour eux en tant qu’africains en Amérique. Ils chantaient souvent les spirituals en groupe alors qu’ils travaillaient dans les champs de plantation.,

Les spirituals folkloriques, contrairement à beaucoup de gospel blanc, étaient souvent animés: les esclaves ajoutaient la danse (plus tard connue sous le nom de « The shout ») et d’autres formes de mouvements corporels au chant. Ils ont également changé les mélodies et les rythmes des psaumes et des hymnes, tels que l’accélération du tempo, l’ajout de refrains et de refrains répétés, et remplacé les textes par de nouveaux qui combinaient souvent des mots et des phrases anglais et africains., À l  » origine transmis oralement, spirituals folkloriques ont été au centre de la vie des Afro-Américains depuis plus de trois siècles, servir religieux, culturel, social, politique, et fonctions historiques.

Les spirituals folkloriques ont été spontanément créés et joués dans un style répétitif et improvisé. Les structures de chansons les plus courantes sont l’appel et la réponse (« Blow, Gabriel ») et les refrains répétitifs (« He Rose from the Dead »). L’appel-réponse est un échange alterné entre le soliste et les autres chanteurs., Le soliste improvise généralement une ligne à laquelle les autres chanteurs répondent, répétant la même phrase. L’interprétation de la chanson incorpore les interjections de gémissements, de cris, de cris, etc… et changer les timbres vocaux. Le chant s’accompagne également de coups de mains et de piétinements.

19e siècleModifier

l’influence des Afro-américains sur la musique traditionnelle américaine a commencé au 19e siècle, avec l’avènement de blackface minstrelsy., Le banjo, D’origine africaine, est devenu un instrument populaire, et ses rythmes D’origine africaine ont été incorporés dans des chansons populaires par Stephen Foster et d’autres auteurs-compositeurs. Dans les années 1830, le deuxième Grand Réveil a conduit à une augmentation des réveils chrétiens et du piétisme, en particulier chez les Afro-Américains. S’appuyant sur des chansons de travail traditionnelles, les Afro-Américains asservis sont originaires et ont commencé à interpréter une grande variété de Spirituals et d’autres musiques chrétiennes. Certaines de ces chansons étaient des messages codés de subversion contre les esclaves, ou qui signalaient la fuite.,

pendant la période qui a suivi la guerre de Sécession, la diffusion de la musique afro-américaine a continué. Les Fisk University Jubilee Singers tournent pour la première fois en 1871. Des artistes comme Jack Delaney ont contribué à révolutionner la musique afro-américaine d’après-guerre dans le Centre-Est des États-Unis. Dans les années suivantes, des troupes professionnelles « jubilaires » se sont formées et ont fait des tournées. La première troupe de comédie musicale noire, Hyers Sisters Comic Opera Co. a été organisé en 1876. Dans la dernière moitié du 19ème siècle, les salons de coiffure américains servaient souvent de centres communautaires, où la plupart des hommes se réunissaient., Les quatuors de Barbershop sont nés avec des hommes Afro-Américains socialisant dans les salons de coiffure; ils s’harmonisaient en attendant leur tour, vocalisant dans les spirituals, les chansons folkloriques et les chansons populaires. Cela a généré un nouveau style, composé de chant non accompagné, en quatre parties, en harmonie étroite. Plus tard, les chanteurs de ménestrels blancs ont adopté le style, et dans les premiers jours de l’industrie du disque, leurs performances ont été enregistrées et vendues. À la fin du 19ème siècle, la musique afro-américaine faisait partie intégrante de la culture américaine dominante.,

début du 20e siècle (années 1900-1930)modifier

Au début du théâtre musical américain du 20e siècle, les premières comédies musicales écrites et produites par des Afro–Américains ont fait leurs débuts à Broadway en 1898 avec une comédie musicale de Bob Cole et Billy Johnson. En 1901, le premier enregistrement de musiciens noirs était de Bert Williams et George Walker, avec de la musique de comédies musicales de Broadway., Theodore Drury a aidé les artistes noirs à se développer dans le domaine de l’Opéra. Il a fondé la Drury Opera Company en 1900 et, bien qu’il ait utilisé un orchestre blanc, il a présenté des chanteurs noirs dans les rôles principaux et les chœurs. Bien que cette compagnie n’ait été active que de 1900 à 1908, les opportunités de chanteurs noirs avec Drury ont marqué la première participation noire dans des compagnies d’Opéra. L’Opéra Treemonisha de Scott Joplin, unique en tant qu’Opéra ragtime-folk, a également été joué pour la première fois en 1911.

le début du 20e siècle a vu une augmentation de la popularité du blues et du jazz afro-américains., La musique afro-américaine à cette époque était classée comme « musique de race ». Ce terme a pris de l’ampleur grâce à Ralph Peer, directeur musical D’Okeh Records, qui a placé sous ce label des disques réalisés par des groupes « étrangers ». À l’époque,  » race « était un terme couramment utilisé par la presse Afro-Américaine pour parler de la communauté dans son ensemble avec un point de vue autonomisant, car une personne de » race  » était impliquée dans la lutte pour l’égalité des droits. En outre, les développements dans les domaines des arts visuels et de la Renaissance de Harlem ont conduit à des développements dans la musique., Des artistes de Ragtime tels que Scott Joplin sont devenus populaires et certains ont été associés à la Renaissance de Harlem et aux premiers militants des droits civiques. En outre, les interprètes blancs et latinos de la musique afro-américaine étaient visibles, enracinés dans l’histoire de la communication interculturelle entre les races des États-Unis. La musique afro-américaine a souvent été adaptée pour un public blanc, qui n’aurait pas accepté aussi facilement les artistes noirs, conduisant à des genres comme la musique swing, une excroissance pop du jazz.,

En outre, les Afro-Américains faisaient partie de la musique classique au tournant du 20ème siècle. À l’origine exclus des grands orchestres symphoniques, les musiciens noirs pouvaient étudier dans des conservatoires de musique fondés dans les années 1860, tels que L’Oberlin School of Music, Le National Conservatory of Music et le New England Conservatory. Les noirs ont également formé leurs propres orchestres symphoniques au tournant du 20e siècle dans les grandes villes telles que Chicago, La Nouvelle-Orléans et Philadelphie., Divers orchestres noirs ont commencé à se produire régulièrement à la fin des années 1890 et au début du 20e siècle. En 1906, le premier orchestre noir incorporé a été établi à Philadelphie. Au début des années 1910, des écoles de musique entièrement noires, telles que la Music School Settlement for Colored et la Martin-Smith School of Music, sont fondées à New York.

L’école de musique Settlement for Colored est devenue un sponsor du Clef Club orchestra à New York. De 1912 à 1915, L’Orchestre symphonique du Clef Club attira le public noir et blanc aux concerts du Carnegie Hall., Dirigé par James Reese Europe et William H. Tyers, l’orchestre comprenait des banjos, des mandolines et des cors de baryton. Les Concerts ont présenté de la musique écrite par des compositeurs noirs, notamment Harry T. Burleigh et Will Marion Cook. D’autres séries annuelles de concerts noirs incluent les concerts « all-Colored Composers » de William Hackney à Chicago et les Atlanta Colored Music Festivals.

Le Retour de la comédie musicale noire à Broadway a eu lieu en 1921 avec Shuffle Along De Sissle et Eubie Blake., En 1927, un concert survey of black music a été donné au Carnegie Hall, y compris le jazz, les spirituals et la musique symphonique de L’Orchestre de W. C. Handy et des Jubilee Singers. La première grande comédie musicale avec un casting noir était Hallelujah du Roi Vidor de 1929. Des artistes afro-américains ont été présentés dans le spectacle musical Boat (dont une partie a été écrite pour Paul Robeson et un chœur de Jubilee Singers), et en particulier des opéras entièrement noirs tels que Porgy and Bess et les quatre Saints en trois actes de Virgil Thomson de 1934.,

la première symphonie d’un compositeur noir à être interprétée par un grand orchestre est L’Afro-American Symphony (1930) de William Grant Still par L’Orchestre Philharmonique de New York. La Symphonie en mi mineur de Florence Beatrice Price a été jouée en 1933 par L’Orchestre symphonique de Chicago. En 1934, La Negro Folk Symphony de William Dawson est interprétée par L’Orchestre de Philadelphie.

les Afro-Américains ont été les pionniers de la musique jazz, à travers des maîtres tels que Jelly Roll Morton, James P. Johnson, Louis Armstrong, Count Basie, Fletcher Henderson et Duke Ellington.,

Mid-20th century (1940s–1960s)Edit

Billboard a commencé à faire une liste distincte de disques à succès pour la musique afro-américaine en octobre 1942 avec le « Harlem Hit Parade », qui a été changé en 1945 en « Race Records », puis en 1949 en « Rhythm And Blues Records ». Dans les années 1940, les reprises de chansons afro-américaines étaient monnaie courante, et souvent en tête des charts, tandis que les musiciens originaux ont trouvé le succès auprès de leur public Afro-Américain, mais pas dans le courant dominant., En 1955, Thurman Ruth persuade un groupe de gospel de chanter dans un cadre laïque, L’Apollo Theater, avec un tel succès qu’il organise par la suite des caravanes de gospel qui parcourent le pays, jouant les mêmes lieux que les chanteurs de rhythm and blues avaient popularisés., Pendant ce temps, les artistes de jazz ont commencé à repousser le jazz loin du swing, une musique populaire dansante, vers des arrangements plus complexes, de l’improvisation et des formes techniquement difficiles, culminant dans le bebop de Charlie Parker et Dizzy Gillespie, les sons cool et le jazz modal de Miles Davis, et le free jazz D’Ornette Coleman et John Coltrane.,

Les musiciens afro-américains dans les années 1940 et 1950 développaient le rhythm and blues dans un genre appelé rock and roll, qui comportait un backbeat fort et dont les Wynonie Harris. Cependant, c’est avec des musiciens blancs tels que Bill Haley et Elvis Presley, jouant une fusion à base de guitare de rock and roll noir avec de la musique country appelée rockabilly, que le rock and roll a connu un succès commercial., Par la suite, la musique Rock est devenue plus associée aux blancs, bien que certains artistes noirs tels que Chuck Berry et Bo Diddley aient eu un succès commercial.

à la fin des années 1940, d’autres Afro-Américains se sont efforcés de concertiser en tant que musiciens classiques formés professionnellement dans le but de transcender les barrières raciales et nationalistes de l’après-Seconde Guerre mondiale., Henry Lewis fait partie de ce groupe, qui devient en 1948 le premier instrumentiste Afro-Américain d’un grand orchestre symphonique américain, un « ambassadeur musical » précoce en faveur de la diplomatie culturelle en Europe et le premier chef Afro-Américain d’un grand ensemble Symphonique américain en 1968.

Les années 1950 ont également vu une popularité accrue du blues dur dans le style de la première partie du siècle, à la fois aux États-Unis et au Royaume-Uni. Les années 1950 ont également vu le style doo-wop devenir populaire., Doo-wop avait été développé à travers l’harmonie de groupe vocal avec les qualités musicales de différentes parties vocales, Syllabes absurdes, peu ou pas d’instrumentation, et des paroles simples. Il impliquait généralement des artistes individuels d’ensemble apparaissant avec un groupe de soutien. La facturation Solo a été donnée aux chanteurs principaux qui étaient plus importants dans l’arrangement musical. Une forme sécularisée de la musique gospel américaine appelée soul s’est également développée au milieu des années 1950, avec des pionniers comme Ray Charles, Jackie Wilson et Sam Cooke en tête., Soul and R&b est devenu une influence majeure sur le surf, ainsi que les groupes de filles en tête des charts, y compris les Angels et les Shangri-Las, dont certaines seulement étaient blanches. En 1959, Hank Ballard sort une chanson pour le nouveau style de danse « The Twist » qui est devenu la nouvelle envie de danse du début des années 60 dans les années 70.

en 1959, Berry Gordy a fondé Motown Records, le premier label discographique à présenter principalement des artistes afro-américains visant à atteindre le succès crossover. Le label a développé un style de musique soul innovant—et commercialement réussi—avec des éléments pop distinctifs., Sa première liste comprenait The Miracles, Martha and the Vandellas, Marvin Gaye, The Temptations, The Supremes, et d’autres. Des divas noires comme Aretha Franklin sont devenues des stars du crossover des années 60. Au Royaume-Uni, le blues britannique est devenu un phénomène progressivement mainstream, revenant aux États-Unis sous la forme de The British Invasion, un groupe de groupes menés par les Beatles et les Rolling Stones qui ont joué du blues et de la pop D’inspiration B&, avec des aspects traditionnels et modernisés., WGIV à Charlotte, Caroline du Nord était parmi quelques stations de radio dédiées à la musique afro-américaine qui a commencé pendant cette période.

L’Invasion britannique a éliminé de nombreux artistes noirs des charts pop américains, bien que certains, parmi lesquels Otis Redding, Wilson Pickett et Aretha Franklin et un certain nombre d’artistes Motown, aient continué à bien faire. La musique Soul, cependant, est restée populaire parmi les noirs à travers des formes très évoluées telles que le funk, développé à partir des innovations de James Brown., En 1961, un jeune garçon nommé Stevland Hardaway Morris a enregistré son premier disque sous Tamla record de Motown à l’âge de 11 ans sous le nom de Stevie Wonder et ce fut le début de sa grande carrière.

en 1964, la Loi sur les droits civils a interdit les principales formes de discrimination envers les Afro-Américains et les femmes. Alors que les tensions commençaient à s’éteindre, de plus en plus de musiciens afro-américains se sont croisés dans le goût grand public. Aretha Franklin, James Brown et Ella Fitzgerald sont parmi les artistes qui se sont croisés avec succès dans le monde de la pop et du jazz, et Leontyne Price et Kathleen Battle dans le domaine de la musique classique.,

à la fin de la décennie, les noirs font partie du psychédélisme et des premières tendances heavy metal, en particulier grâce à l’influence omniprésente des Beatles et aux innovations de la guitare électrique de Jimi Hendrix. Hendrix a été parmi les premiers guitaristes à utiliser le feedback audio, le fuzz et d’autres pédales d’effets telles que la pédale wah wah pour créer un son solo de guitare unique. La soul psychédélique, un mélange de rock psychédélique et de soul a commencé à s’épanouir avec la culture des années 1960., Encore plus populaire parmi les noirs, et avec plus d’attrait crossover, était orienté album soul à la fin des années 1960 et au début des années 1970, qui a révolutionné la musique afro-américaine. Les paroles intelligentes et introspectives du genre, souvent avec un ton socialement conscient, ont été créées par des artistes tels que Marvin Gaye dans What’s Going On, et Stevie Wonder dans Songs in the Key of Life.

années 1970Modifier

Les années 1970 ont été une grande décennie pour les groupes noirs jouant de la musique mélodique., La soul orientée Album a continué sa popularité, tandis que des musiciens tels que Smokey Robinson ont aidé à la transformer en musique de tempête tranquille. Le Funk a évolué en deux volets, l’un une fusion pop-soul-jazz-basse initiée par Sly & The Family Stone, et L’autre une fusion plus psychédélique incarnée par George Clinton et son ensemble P-Funk. Le son du Disco a évolué à partir de musiciens noirs créant de la musique Soul avec une mélodie up-tempo. Isaac Hayes, Barry White, Donna Summer et entre autres aident à populariser la musique disco., Cependant, cette musique a été intégrée dans la musique populaire atteignant le succès grand public.

Les musiciens noirs ont obtenu un certain succès grand public, bien que certains artistes afro-américains, y compris les Jackson 5, Roberta Flack, Dionne Warwick, Stevie Wonder, The O’Jays, Gladys Knight& les Pips ont trouvé un public croisé. Les auditeurs blancs préféraient le country rock, les auteurs-compositeurs-interprètes, le stade rock, le soft rock, le glam rock et, dans certaines sous-cultures, le heavy metal et le punk rock., Au cours des années 1970, The Dozens, une tradition urbaine Afro-Américaine d’utiliser le ridicule rime ludique, s’est développé en street jive au début des années 70, qui à son tour a inspiré une nouvelle forme de musique à la fin des années 1970: le hip-hop. Des artistes de Spoken-word tels que The Last Poets, Gil Scott-Heron et Melvin Van Peebles sont également cités comme les principaux innovateurs du début du hip-hop. À partir des block parties dans le Bronx, la musique hip-hop est apparue comme une facette d’une grande sous-culture avec des éléments rebelles et progressistes. Les DJ ont fait tourner des disques, le plus souvent du funk, tandis que les MC ont présenté des morceaux au public dansant., Au fil du temps, les DJ, en particulier l’immigrant Jamaïcain DJ Kool Herc par exemple, ont commencé à isoler et à répéter les pauses de percussion, produisant un rythme constant et éminemment dansant, qu’ils ou les MC ont commencé à rapper, à travers des rimes et des paroles finalement soutenues. Le Hip Hop deviendrait un mouvement multiculturel dans la jeune Amérique noire, dirigé par des artistes tels que Kurtis Blow et Run-DMC.,

années 1980Modifier

dans les années 1980, Michael Jackson a connu un succès record avec ses albums Off The Wall, Bad et Thriller-ce dernier restant l’album le plus vendu de tous les temps – transformant la musique populaire et unissant les races, les âges et les sexes, et finirait par mener à des artistes solo noirs crossover Pop et dance-soul de cette époque ont inspiré new jack swing à la fin de la décennie.

Le Hip-hop s’est répandu à travers le pays et s’est diversifié., Techno, Dance, Miami bass, post-disco, Chicago house, Los Angeles hardcore et Washington, D. C. Go-go se sont développés au cours de cette période, Avec seulement Miami bass atteindre le succès grand public. Mais, avant longtemps, Miami bass a été relégué principalement dans le Sud-Est des États-Unis, tandis que Chicago house avait fait de fortes avancées sur les campus universitaires et les arènes de danse (c.-À-D. The warehouse sound, The rave). Le son DC go-go de Miami bass était essentiellement un son régional qui n’a pas suscité beaucoup d’attrait de masse., Chicago house sound s’était étendu dans L’environnement musical de Detroit et avait muté dans des sons plus électroniques et industriels créant Detroit techno, acid, jungle. L’accouplement de ces sons expérimentaux, généralement orientés DJ, avec la prévalence du son disco multiethnique de New York City des années 1970 et 1980 a créé une marque de musique qui était la plus appréciée dans les énormes discothèques situées dans des villes comme Chicago, New York, Los Angeles, Detroit, Boston, etc., Finalement, le public européen a adopté ce genre de musique de danse électronique avec plus d’enthousiasme que ses homologues Nord-Américains. Ces sons variables permettent aux auditeurs de prioriser leur exposition à de nouvelles musiques et rythmes tout en profitant d’une expérience de danse gigantesque.

dans la dernière moitié de la décennie, à partir d’environ 1986, le rap a pris son envol dans le courant dominant avec Raising Hell De Run-D. M. C., et Licensed to Ill des Beastie Boys, ce dernier devenant le premier album de rap à entrer numéro 1 au Billboard 200 et à aider les artistes blancs à faire du rap., Ces deux groupes mélangeaient le rap et le rock ensemble, ce qui a séduit le public du rock et du rap. Le Hip-hop a décollé de ses racines et le hip-hop de l’âge d’or a prospéré, avec des artistes tels que Eric B. & Rakim, Public Enemy, LL Cool J, Queen Latifah, Big Daddy Kane et Salt-N-Pepa. Le Hip Hop est devenu populaire en Amérique jusqu’à la fin des années 1990, quand il est allé dans le monde entier. La scène de l’âge d’or s’éteindra au début des années 1990 lorsque le gangsta rap et le G-funk prendront le relais, avec les artistes de la côte ouest Dr. Dre, Snoop Dogg, Warren G et Ice Cube, artistes de la côte est Notorious B. I. G.,, Wu-Tang Clan, et Mobb Deep, et les sons de la bravade masculine noire urbaine, de la compassion et de la conscience sociale mieux représentés par le rappeur Tupac Shakur.

alors que la musique heavy metal a été presque exclusivement créée par des artistes blancs dans les années 1970 et 1980, il y avait quelques exceptions. En 1988, le groupe de heavy metal entièrement noir Living Colour a connu un succès grand public avec son premier album Vivid, atteignant la 6e place du Billboard 200, grâce à son top 20 single « Cult of Personality ». La musique du groupe contient des paroles qui attaquent ce qu’ils perçoivent comme L’eurocentrisme et le racisme de l’Amérique., Une décennie plus tard, plus d’artistes noirs comme Lenny Kravitz, Body Count, Ben Harper et d’innombrables autres recommenceraient à jouer du rock.

années 1990, 2000 et 2010Modifier

Contemporary R&B, comme dans la version post-disco de la musique soul, est resté populaire tout au long des années 1980 et 1990. les groupes vocaux masculins dans le style des groupes soul tels que The Temptations et The O’Jays ont Dru Hill, Blackstreet et Jagged Edge., Les groupes de filles, y compris TLC, Destiny’s Child, SWV et en Vogue, ont également connu un grand succès.

des auteurs-compositeurs tels que R. Kelly, Mariah Carey, Montell Jordan, D’Angelo, Aaliyah et Raphael Saadiq de Tony! Toni! Toné! ont également été considérablement populaires au cours des années 1990, et des artistes tels que Mary J. Blige, Faith Evans et BLACKstreet ont popularisé un mélange de fusion connu sous le nom de hip-hop soul. Le mouvement neo soul des années 1990 a repris des influences soul plus classiques et a été popularisé à la fin des années 1990/début des années 2000 par des artistes tels que D’Angelo, Erykah Badu, Maxwell, Lauryn Hill, India.,Arie, Alicia Keys, Jill Scott, Angie Stone, Bilal et Musiq Soulchild. Selon un auteur musical, L’album Voodoo (2000) de D’Angelo, acclamé par la critique, « représente la musique afro-américaine à la croisée des chemins … Pour appeler simplement l’âme néo-classique … serait ignorer les éléments de jazz vaudeville, Memphis horns, ragtime blues, funk et grooves de basse, sans parler du hip-hop, qui glissent hors de chaque pore de ces chansons hantées., »Blue-eyed soul est une influence de la musique afro-américaine interprétée par des artistes blancs, notamment Michael McDonald, Christina Aguilera, Amy Winehouse, Robin Thicke, Michael Bolton, Jon B., Lisa Stansfield, Teena Marie, Justin Timberlake, Joss Stone, George Michael et Anastacia.

Au cours de la première décennie du 21e siècle, R&B avait mis l’accent sur les artistes solos à l’attrait pop, Usher, Rihanna et Beyoncé en étant les exemples les plus importants. De plus, la musique était accompagnée de vidéos musicales esthétiquement créatives et uniques., Des exemples de ces types de clips incluent, sans s’y limiter: « Crazy In Love » de Beyoncé, « Pon de Replay » de Rihanna et « Caught Up »d’Usher. Ces clips ont aidé R &B à devenir plus rentable et plus populaire que dans les années 1990. la frontière entre hip-hop et R&b et pop a été considérablement brouillée par des producteurs tels que Timbaland et Lil Jon et des artistes tels que Missy Elliott, T-Pain, Nelly, Akon et OutKast.,

 » musique urbaine « et » radio urbaine »sont aujourd’hui largement neutres sur le plan racial, termes synonymes de hip hop et de R& B et de la culture hip-hop associée originaire de New York. Le terme reflète également le fait qu’ils sont populaires dans les zones urbaines, à la fois dans les centres de population noire et parmi la population générale (en particulier les jeunes publics).

le mouvement hip-hop est devenu de plus en plus courant à mesure que l’industrie de la musique en a pris le contrôle., Essentiellement, « à partir du moment où » Rapper’s Delight  » est devenu platine, hiphop la culture populaire est devenue hiphop le spectacle de l’industrie du divertissement américaine. »

en juin 2009, Michael Jackson est décédé subitement d’un arrêt cardiaque, déclenchant une effusion mondiale de chagrin. Moins d’un an après sa mort, sa succession avait généré des revenus de 1,4 milliard de dollars. Un film documentaire composé de séquences de répétition pour la tournée This Is It prévue par Jackson, intitulé This Is It DE Michael Jackson, est sorti le 28 octobre 2009 et est devenu le film de concert le plus rentable de l’histoire.,

en 2013, aucun musicien Afro-Américain n’avait un numéro un du Billboard Hot 100. C’était la première fois qu’il n’y avait pas de numéro un en un an par un Afro-Américain dans l’histoire de 55 ans du graphique.

Les Plans d’un musée de musique afro-américaine affilié au Smithsonian à Newark, New Jersey, et d’un r& b museum/hall of fame ont été discutés.

des filles blanches comme Cher Lloyd utilisaient L’anglais vernaculaire Afro-Américain dans leur musique.,

à la fin des années 2010, la musique trap est devenue extrêmement populaire et s’est répandue d’Atlanta vers des pays africains tels que le Ghana, L’Afrique du Sud et le Cameroun.

Drake qui est à moitié Afro-Américain et se considère noir a battu le record des Beatles pour avoir sept singles simultanés sur les panneaux D’affichage Top 10. D’autres afro-américains célèbres dans le Hip-Hop dans les années 2000 et 2010 sont Lil Wayne, Kanye West, Kendrick Lamar, 50 Cent, Snoop Dogg et Jay-Z.

Drill music qui a été popularisé par le rappeur de Chicago Chief Keef dans les années 2010 a été critiqué pour augmenter le taux de criminalité Afro-Américain à Chicago., D’autres artistes afro-américains célèbres sont Lil Durk, Lil Reese, Lil Bibby, Polo G et G Herbo.

Trey Songz, Jeremih et Chris Brown sont des chanteurs Afro-Américains populaires de R&B des années 2000 et 2010.

un autre genre populaire interprété par les Afro-Américains est le gangsta rap. Les rappeurs gangsta Afro-Américains incluent YG, Jay Rock et The Game.

le Mumble rap a été introduit par des locuteurs de L’anglais vernaculaire Afro-Américain.

des rappeurs blancs comme Post Malone et Iggy Azalea ont été accusés de s’approprier la musique afro-américaine.,

récemment, le rap Latin trap et Chicano mexicain a été influencé par la musique afro-américaine.

en 2019, le rappeur de country noir Lil Nas X a connu le succès avec son single « Old Town Road » avec Billy Ray Cyrus bien que les Afro-Américains jouent de la musique country depuis des années et ont influencé le genre. Il est devenu le premier artiste noir ouvertement gay à remporter un prix de musique country aux CMA Awards.

en 2015, Jay-Z a lancé TIDAL, un service de streaming musical.

des rappeurs tels que Kendrick Lamar ont utilisé le hip hop comme plate-forme politique pour les Afro-Américains.