Musica afro-americana (Italiano)

xviii secoloModifica

Alla fine del xviii secolo gli spirituals popolari hanno avuto origine tra le persone schiavizzate del Sud, dopo la loro conversione al cristianesimo. La conversione, tuttavia, non ha portato persone schiavizzate ad adottare le tradizioni associate alla pratica del cristianesimo. Invece li hanno reinterpretati in un modo che aveva un significato per loro come africani in America. Spesso cantavano gli spirituals in gruppi mentre lavoravano i campi delle piantagioni.,

Gli spiriti popolari, a differenza di molti gospel bianchi, erano spesso briosi: le persone schiavizzate aggiungevano la danza (in seguito conosciuta come “the shout”) e altre forme di movimenti corporei al canto. Cambiarono anche le melodie e i ritmi di salmi e inni, come accelerare il tempo, aggiungere ripetuti ritornelli e cori, e sostituirono i testi con nuovi che spesso combinavano parole e frasi inglesi e africane., Originariamente tramandata oralmente, gli spirituals popolari sono stati centrali nella vita degli afroamericani per più di tre secoli, servendo funzioni religiose, culturali, sociali, politiche e storiche.

Gli spirituals popolari sono stati creati spontaneamente ed eseguiti in uno stile ripetitivo e improvvisato. Le strutture di canzone più comuni sono il call-and-response (“Blow, Gabriel”) e cori ripetitivi (“He Rised from the Dead”). Il call-and-response è uno scambio alternato tra il solista e gli altri cantanti., Il solista di solito improvvisa una linea a cui gli altri cantanti rispondono, ripetendo la stessa frase. Interpretazione canzone incorpora le interiezioni di gemiti,grida, urla ecc… e cambiando timbri vocali. Il canto è anche accompagnato da applausi a mano e piede-stomping.

19 ° secoloModifica

L’influenza degli afroamericani sulla musica mainstream americana iniziò nel 19 ° secolo, con l’avvento del menestrello blackface., Il banjo, di origine africana, divenne uno strumento popolare e i suoi ritmi di derivazione africana furono incorporati in canzoni popolari di Stephen Foster e altri cantautori. Nel 1830, il Secondo Grande risveglio ha portato ad un aumento di revival cristiani e pietismo, soprattutto tra gli afro-americani. Attingendo canzoni di lavoro tradizionali, schiavi afro-americani origine e ha iniziato l ” esecuzione di una vasta gamma di Spirituals e altra musica cristiana. Alcune di queste canzoni erano messaggi codificati di sovversione contro gli schiavisti, o che segnalavano la fuga.,

Durante il periodo successivo alla guerra civile, la diffusione della musica afro-americana continuò. I Fisk University Jubilee Singers fecero il primo tour nel 1871. Artisti tra cui Jack Delaney hanno contribuito a rivoluzionare la musica afro-americana del dopoguerra nel centro-est degli Stati Uniti. Negli anni successivi, le truppe professionali” giubilari ” si formarono e fecero un tour. La prima compagnia di commedia musicale nera, Hyers Sisters Comic Opera Co., fu organizzato nel 1876. Nell’ultima metà del 19 ° secolo, i barbieri degli Stati Uniti servivano spesso come centri comunitari, dove la maggior parte degli uomini si riuniva., Quartetti Barbershop origine con gli uomini afro-americani socializzare in barbieri; avrebbero armonizzare in attesa del loro turno, vocalizzando in spirituals, canzoni popolari e canzoni popolari. Ciò ha generato un nuovo stile, composto da un canto non accompagnato, in quattro parti, in stretta armonia. Più tardi, i cantanti menestrelli bianchi adottarono lo stile, e nei primi giorni dell’industria discografica le loro esibizioni furono registrate e vendute. Entro la fine del 19 ° secolo, la musica afro-americana era parte integrante della cultura americana mainstream.,

Inizio del 20 ° secolo (1900–1930)Modifica

all’inizio del 20esimo secolo Americano teatro musicale, il primo musical scritto e prodotto da Afro-Americani, ha debuttato a Broadway nel 1898 con un musical di Bob Cole e Billy Johnson. Nel 1901, la prima registrazione di musicisti neri fu di Bert Williams e George Walker, con musica da musical di Broadway., Theodore Drury ha aiutato gli artisti neri a svilupparsi nel campo dell’opera. Ha fondato la Drury Opera Company nel 1900 e, anche se ha usato un’orchestra bianca, ha caratterizzato cantanti neri in ruoli principali e cori. Sebbene questa compagnia fosse attiva solo dal 1900 al 1908, le opportunità dei cantanti neri con Drury segnarono la prima partecipazione nera in compagnie d’opera. Significativa è anche l’opera Treemonisha di Scott Joplin, unica come opera ragtime-folk; fu eseguita per la prima volta nel 1911.

La prima parte del 20 ° secolo vide un aumento della popolarità del blues e del jazz afro-americani., La musica afro-americana in questo momento era classificata come”musica da corsa”. Questo termine ha guadagnato slancio a causa di Ralph Peer, direttore musicale di Okeh Records, che ha messo dischi realizzati da gruppi “stranieri” sotto quell’etichetta. A quel tempo” razza “era un termine comunemente usato dalla stampa afro-americana per parlare della comunità nel suo complesso con un punto di vista che abilita, come una persona di” razza ” era uno coinvolto nella lotta per la parità dei diritti. Inoltre, gli sviluppi nel campo delle arti visive e del Rinascimento di Harlem hanno portato a sviluppi nella musica., Artisti Ragtime come Scott Joplin è diventato popolare e alcuni sono stati associati con il Rinascimento di Harlem e primi attivisti per i diritti civili. Inoltre, erano visibili artisti bianchi e latini della musica afro-americana, radicati nella storia della comunicazione interculturale tra le razze degli Stati Uniti. La musica afro-americana è stata spesso adattata per il pubblico bianco, che non avrebbe accettato facilmente artisti neri, portando a generi come la musica swing, una conseguenza del jazz basata sul pop.,

Inoltre, gli afroamericani stavano diventando parte della musica classica alla fine del 20 ° secolo. Mentre originariamente esclusi dalle principali orchestre sinfoniche, i musicisti neri potevano studiare nei conservatori di musica che erano stati fondati nel 1860, come la Oberlin School of Music, il National Conservatory of Music e il New England Conservatory. I neri formarono anche le proprie orchestre sinfoniche a cavallo del 20 ° secolo nelle principali città come Chicago, New Orleans e Philadelphia., Varie orchestre nere iniziarono ad esibirsi regolarmente alla fine del 1890 e all’inizio del 20 ° secolo. Nel 1906, la prima orchestra nera incorporata fu fondata a Filadelfia. Nei primi anni 1910, le scuole di musica all-black, come la Scuola di musica Settlement for Colored e la Martin-Smith School of Music, furono fondate a New York.

La Scuola di Musica Settlement for Colored divenne sponsor della Clef Club orchestra di New York. La Clef Club Symphony Orchestra attirò sia il pubblico in bianco e nero ai concerti alla Carnegie Hall dal 1912 al 1915., Diretta da James Reese Europe e William H. Tyers, l’orchestra comprendeva banjo, mandolini e corni baritonici. I concerti presentavano musica scritta da compositori neri, in particolare Harry T. Burleigh e Will Marion Cook. Altre serie annuali di concerti neri includono i concerti “All-Colored Composers” di William Hackney a Chicago e i festival di musica colorata di Atlanta.

Il ritorno del musical nero a Broadway avvenne nel 1921 con lo Shuffle di Sissle e Eubie Blake., Nel 1927, alla Carnegie Hall fu eseguito un concerto di musica nera che includeva jazz, spirituals e la musica sinfonica dell’Orchestra di W. C. Handy e dei Jubilee Singers. Il primo grande musical cinematografico con un cast nero fu Hallelujah di King Vidor del 1929. Artisti afro-americani erano presenti nel musical Show Boat (che aveva una parte scritta per Paul Robeson e un coro di Jubilee Singers), e in particolare opere interamente nere come Porgy and Bess e Four Saints in Three Acts di Virgil Thomson del 1934.,

La prima sinfonia di un compositore nero ad essere eseguita da una grande orchestra fu l’Afro-American Symphony di William Grant Still (1930) della New York Philharmonic. La Sinfonia in mi minore di Florence Beatrice Price fu eseguita nel 1933 dalla Chicago Symphony Orchestra. Nel 1934, la Negro Folk Symphony di William Dawson fu eseguita dalla Philadelphia Orchestra.

Gli afroamericani furono i pionieri della musica jazz, attraverso maestri come Jelly Roll Morton, James P. Johnson, Louis Armstrong, Count Basie, Fletcher Henderson e Duke Ellington.,

Mid-20th century (1940s–1960s)Edit

Billboard ha iniziato a fare una lista separata di dischi di successo per la musica afro-americana nell’ottobre 1942 con la “Harlem Hit Parade”, che è stata cambiata nel 1945 in” Race Records”, e poi nel 1949 in”Rhythm and Blues Records”. Dal 1940, cover di canzoni afro-americane erano all’ordine del giorno, e spesso in cima alle classifiche, mentre i musicisti originali hanno trovato successo tra il loro pubblico afro-americano, ma non nel mainstream., Nel 1955, Thurman Ruth persuase un gruppo gospel a cantare in un ambiente laico, l’Apollo Theatre, con un tale successo che in seguito organizzò carovane gospel che viaggiavano in tutto il paese, suonando gli stessi luoghi che i cantanti rhythm and blues avevano reso popolari., Nel frattempo, gli artisti jazz iniziarono a spingere il jazz lontano dallo swing, una musica popolare ballabile, verso arrangiamenti più intricati, improvvisazione e forme tecnicamente impegnative, culminando nel bebop di Charlie Parker e Dizzy Gillespie, i suoni cool e il jazz modale di Miles Davis e il free jazz di Ornette Coleman e John Coltrane.,

Musicisti afro-americani negli anni 1940 e 1950 stavano sviluppando il rhythm and blues in un genere chiamato rock and roll, che presentava un forte backbeat e i cui esponenti di spicco Wynonie Harris. Tuttavia, fu con musicisti bianchi come Bill Haley ed Elvis Presley, suonando una fusione basata sulla chitarra del rock and roll nero con la musica country chiamata rockabilly, che la musica rock and roll divenne un successo commerciale., La musica rock in seguito divenne più associata ai bianchi, anche se alcuni artisti neri come Chuck Berry e Bo Diddley ebbero successo commerciale.

Come il 1940 è venuto alla fine, altri afro-americani hanno cercato di concertizzare come musicisti classici professionalmente preparati nel tentativo di trascendere le barriere razziali e nazionalistiche nell’era post seconda guerra mondiale., Incluso in questo gruppo era Henry Lewis, che è emerso nel 1948 come il primo strumentista afro-americano in una delle principali orchestra sinfonica americana, uno dei primi “ambasciatore musicale” a sostegno della diplomazia culturale in Europa e il primo direttore afro-americano di un importante ensemble sinfonico americano nel 1968.

Il 1950 ha visto anche una maggiore popolarità di hard blues nello stile dalla prima parte del secolo, sia negli Stati Uniti e nel Regno Unito. Il 1950 ha visto anche lo stile doo-wop diventare popolare., Doo-wop era stato sviluppato attraverso l’armonia vocale di gruppo con le qualità musicali di diverse parti vocali, sillabe senza senso, poca o nessuna strumentazione e testi semplici. Di solito coinvolto ensemble singoli artisti che appaiono con un gruppo di supporto. Solo fatturazione è stato dato a cantanti che erano più importanti nella disposizione musicale. Una forma secolarizzata di musica gospel americana chiamata soul si sviluppò anche a metà degli anni 1950, con pionieri come Ray Charles, Jackie Wilson e Sam Cooke a guidare l’onda., Soul e R&B divennero una grande influenza sul surf, così come i gruppi femminili in cima alle classifiche tra cui Gli Angels e gli Shangri-Las, solo alcuni dei quali erano bianchi. Nel 1959, Hank Ballard pubblicò una canzone per il nuovo stile dance “The Twist” che divenne il nuovo dance crave dai primi anni ’60 agli anni’ 70.

Nel 1959, Berry Gordy fondò la Motown Records, la prima etichetta discografica a presentare principalmente artisti afro-americani volti a raggiungere il successo crossover. L’etichetta ha sviluppato uno stile innovativo—e di successo commerciale-di musica soul con elementi pop distintivi., Il suo roster iniziale comprendeva The Miracles, Martha and the Vandellas, Marvin Gaye, The Temptations, The Supremes e altri. Dive nere come Aretha Franklin divennero stelle crossover degli anni ‘ 60. Nel Regno Unito, il British blues divenne gradualmente un fenomeno mainstream, tornando negli Stati Uniti sotto forma di The British Invasion, un gruppo di gruppi guidati dai Beatles e dai Rolling Stones che eseguivano blues e R&Pop di ispirazione B, con aspetti sia tradizionali che modernizzati., WGIV a Charlotte, Carolina del Nord è stato tra alcune stazioni radio dedicate alla musica afro-americana che ha iniziato durante questo periodo.

La British Invasion ha eliminato molti artisti neri dalle classifiche pop statunitensi, anche se alcuni, tra cui Otis Redding, Wilson Pickett e Aretha Franklin e un certo numero di artisti Motown, hanno continuato a fare bene. La musica soul, tuttavia, rimase popolare tra i neri attraverso forme altamente evolute come il funk, sviluppato dalle innovazioni di James Brown., Nel 1961, un giovane ragazzo di nome Stevland Hardaway Morris registrò il suo primo disco sotto il Tamla record della Motown all’età di 11 anni come Stevie Wonder e quello fu l’inizio della sua grande carriera.

Nel 1964, il Civil Rights Act mise fuori legge le principali forme di discriminazione nei confronti degli afroamericani e delle donne. Come le tensioni hanno cominciato a morire giù, più musicisti afro-americani attraversato nel gusto mainstream. Alcuni artisti che hanno attraversato con successo sono stati Aretha Franklin, James Brown ed Ella Fitzgerald nel mondo pop e jazz, e Leontyne Price e Kathleen Battle nel regno della musica classica.,

Alla fine del decennio, i neri facevano parte della psichedelia e delle prime tendenze heavy metal, in particolare attraverso l’onnipresente influenza dei Beatles e le innovazioni della chitarra elettrica di Jimi Hendrix. Hendrix è stato tra i primi chitarristi ad utilizzare feedback audio, fuzz e altri pedali di effetti come il pedale wah wah per creare un suono unico di chitarra solista. Soul psichedelico, un mix di rock psichedelico e anima ha cominciato a fiorire con la cultura 1960., Ancora più popolare tra i neri, e con più appeal crossover, era l’anima orientata all’album alla fine degli anni 1960 e all’inizio degli anni 1970, che rivoluzionò la musica afro-americana. I testi intelligenti e introspettivi del genere, spesso con un tono socialmente consapevole, sono stati creati da artisti come Marvin Gaye in What’s Going On e Stevie Wonder in Songs in the Key of Life.

1970modifica

Il 1970 è stato un grande decennio per le band nere che suonavano musica melodica., Album-oriented soul ha continuato la sua popolarità, mentre musicisti come Smokey Robinson ha contribuito a trasformarlo in musica Tempesta tranquilla. Il Funk si è evoluto in due filoni, uno una fusione pop-soul-jazz-bass introdotta da Sly & the Family Stone, e l’altro una fusione più psichedelica incarnata da George Clinton e dal suo P-Funk ensemble. Il suono della Discoteca si è evoluto dai musicisti neri creando musica Soul con una melodia up-tempo. Isaac Hayes, Barry White, Donna Summer e tra gli altri aiutano la musica da discoteca popolare., Tuttavia, questa musica è stata integrata nella musica popolare ottenendo il successo mainstream.

I musicisti neri hanno ottenuto un certo successo mainstream, anche se alcuni artisti afro-americani tra cui The Jackson 5, Roberta Flack, Dionne Warwick, Stevie Wonder, The O’Jays, Gladys Knight& i Pips hanno trovato un pubblico crossover. Gli ascoltatori bianchi preferivano il country rock, i cantautori, il rock da stadio, il soft rock, il glam rock e, in alcune sottoculture, l’heavy metal e il punk rock., Durante il 1970, The Dozens, una tradizione urbana afro-americana di usare il ridicolo giocoso in rima, si sviluppò in street jive nei primi anni ‘ 70, che a sua volta ispirò una nuova forma di musica alla fine del 1970: hip-hop. Artisti parlati come The Last Poets, Gil Scott-Heron e Melvin Van Peebles sono anche citati come i principali innovatori nei primi anni dell’hip-hop. A partire dalle feste di blocco nel Bronx, la musica hip-hop è nata come un aspetto di una grande sottocultura con elementi ribelli e progressisti. I DJ giravano dischi, più tipicamente funk, mentre gli MC introducevano brani al pubblico danzante., Nel corso del tempo, i DJ, in particolare l’immigrato giamaicano DJ Kool Herc, ad esempio, hanno iniziato a isolare e ripetere le pause delle percussioni, producendo un ritmo costante ed eminentemente ballabile, che loro o MCS hanno iniziato a rappare, attraverso rime e testi alla fine sostenuti. L’Hip Hop sarebbe diventato un movimento multiculturale nella giovane America nera, guidato da artisti come Kurtis Blow e Run-DMC.,

1980modifica

Negli anni 1980, Michael Jackson ha avuto un successo da record con i suoi album Off the Wall, Bad e Thriller-quest’ultimo rimanendo l’album più venduto di tutti i tempi – trasformando la musica popolare e unendo razze, età e generi, e alla fine avrebbe portato al successo crossover artisti neri solisti, tra cui Prince, Lionel Richie, Luther Vandross, Tina Turner, Whitney Houston e Janet Jackson. Pop e dance-anima di questa epoca ispirato new jack swing entro la fine del decennio.

Hip-hop diffuso in tutto il paese e diversificato., Techno, Dance, Miami bass, post-disco, Chicago house, Los Angeles hardcore e Washington, DC Go-go si sono sviluppati durante questo periodo, con solo Miami bass che ha raggiunto il successo mainstream. Ma, in poco tempo, Miami bass fu relegato principalmente nel sud-est degli Stati Uniti, mentre Chicago house aveva fatto forti progressi nei campus universitari e nelle arene di danza (cioè il warehouse sound, il rave). Il suono DC go-go di Miami bass era essenzialmente un suono regionale che non raccoglieva molto appeal di massa., Il Chicago house sound si era espanso nell’ambiente musicale di Detroit e mutato in suoni più elettronici e industriali creando Detroit techno, acid, jungle. L’accoppiamento di questi suoni sperimentali, solitamente orientati al DJ, con la prevalenza del suono multietnico della discoteca newyorkese degli anni ’70 e’ 80 ha creato un marchio di musica che è stato più apprezzato nelle grandi discoteche che si trovano in città come Chicago, New York, Los Angeles, Detroit, Boston, ecc., Alla fine, il pubblico europeo ha abbracciato questo tipo di musica dance elettronica con più entusiasmo rispetto alle loro controparti nordamericane. Questi suoni variabili consentono agli ascoltatori di dare la priorità alla loro esposizione a nuova musica e ritmi mentre si godono un’esperienza di danza gigantesca.

Nella seconda metà del decennio, a partire dal 1986 circa, il rap è decollato nel mainstream con Raising Hell dei Run-D. M. C. e Licensed to Ill dei Beastie Boys, quest’ultimo diventando il primo album rap ad entrare al numero 1 della Billboard 200 e aiutando ad abbattere le porte per gli artisti bianchi a fare rap., Entrambi questi gruppi hanno mescolato rap e rock insieme, che ha fatto appello al pubblico rock e rap. L’hip-hop è decollato dalle sue radici e l’hip hop dell’età dell’oro è fiorito, con artisti come Eric B.& Rakim, Public Enemy, LL Cool J, Queen Latifah, Big Daddy Kane e Salt-N-Pepa. Hip Hop è diventato popolare in America fino alla fine del 1990, quando è andato in tutto il mondo. La scena dell’età dell’oro si estinse nei primi anni 1990 quando il gangsta rap e il g-funk presero il sopravvento, con gli artisti della costa occidentale Dr. Dre, Snoop Dogg, Warren G e Ice Cube, gli artisti della costa orientale Notorious B. I. G.,, Wu-Tang Clan e Mobb Deep, e i suoni della spavalderia maschile nera urbana, della compassione e della consapevolezza sociale meglio rappresentati dal rapper Tupac Shakur.

Mentre la musica heavy metal è stato quasi esclusivamente creato da artisti bianchi nel 1970 e 1980, ci sono state alcune eccezioni. Nel 1988, la band heavy metal all-black Living Colour raggiunse il successo mainstream con il loro album di debutto Vivid, raggiungendo la posizione numero 6 della Billboard 200, grazie al loro singolo Top 20 “Cult of Personality”. La musica della band conteneva testi che attaccano ciò che percepivano come l’eurocentrismo e il razzismo dell’America., Un decennio dopo, altri artisti neri come Lenny Kravitz, Body Count, Ben Harper e innumerevoli altri avrebbero ricominciato a suonare rock.

1990, 2000 e 2010modifica

Contemporary R&B, come nella versione post-disco della musica soul, rimase popolare per tutto il 1980 e 1990. Gruppi vocali maschili nello stile di gruppi soul come The Temptations e The O’Jays erano particolarmente popolari, tra cui New Edition, Boyz II Men, Jodeci, Dru Hill, Blackstreet e Jagged Edge., Gruppi di ragazze, tra cui TLC, Destiny’s Child, SWV e En Vogue, hanno avuto anche un grande successo.

Cantautori come R. Kelly, Mariah Carey, Montell Jordan, D’Angelo, Aaliyah e Raphael Saadiq di Tony! Toni! Toné! sono stati anche significativamente popolare durante il 1990, e artisti tra cui Mary J. Blige, Faith Evans, e BLACKstreet reso popolare una miscela di fusione noto come hip-hop soul. Il movimento neo soul degli anni 1990 guardava alle influenze soul più classiche ed è stato reso popolare alla fine degli anni 1990/primi anni 2000 da artisti come D’Angelo, Erykah Badu, Maxwell, Lauryn Hill, India.,Il film è stato girato in Giappone e negli Stati Uniti. Secondo uno scrittore musicale, l’acclamato album di D’Angelo Voodoo (2000) “rappresenta la musica afroamericana a un bivio … Per chiamare semplicemente l’anima neoclassica … sarebbe ignorare gli elementi di vaudeville jazz, Memphis horns, ragtime blues, funk e groove di basso, per non parlare di hip-hop, che scivolare fuori da ogni poro di queste canzoni infestate.,”Blue-eyed soul è un’influenza della musica afro-americana eseguita da artisti bianchi, tra cui Michael McDonald, Christina Aguilera, Amy Winehouse, Robin Thicke, Michael Bolton, Jon B., Lisa Stansfield, Teena Marie, Justin Timberlake, Joss Stone, George Michael e Anastacia.

Nel primo decennio del 21 ° secolo, R& B si era spostato verso un’enfasi sugli artisti solisti con appeal pop, con Usher, Rihanna e Beyoncé come esempi più importanti. Inoltre, la musica è stata accompagnata da video musicali esteticamente creativi e unici., Esempi di questi tipi di video musicali includono, ma non sono limitati a: “Crazy in Love” di Beyoncé, “Pon de Replay” di Rihanna e “Caught Up”di Usher. Questi video musicali aiutato R&B a diventare più redditizi e più popolare di quanto lo era stato nel 1990. La linea tra hip-hop e R&B e pop è stato notevolmente offuscata dai produttori come Timbaland e Lil Jon e artisti come Missy Elliott, T-Pain, Nelly, Akon e OutKast.,

“Urban music” e “urban radio” sono oggi in gran parte neutrali dalla razza, termini che sono sinonimi di hip hop e R& B e la cultura hip-hop associata che ha avuto origine a New York City. Il termine riflette anche il fatto che sono popolari nelle aree urbane, sia all’interno dei centri abitati neri che tra la popolazione generale (specialmente il pubblico più giovane).

Il movimento hip-hop è diventato sempre più mainstream come l’industria musicale ha preso il controllo di esso., In sostanza, “dal momento in cui’ Rapper’s Delight ‘ è diventato disco di platino, hiphop la cultura popolare è diventata hiphop il sideshow americano dell’industria dell’intrattenimento.”

Nel giugno 2009, Michael Jackson è morto inaspettatamente per un arresto cardiaco, innescando un’effusione globale di dolore. Entro un anno dalla sua morte, la sua tenuta aveva generato revenues 1,4 miliardi di ricavi. Il 28 ottobre 2009 è stato pubblicato un film documentario composto da filmati di prova per il tour This Is It di Jackson, intitolato Michael Jackson This Is It, che è diventato il film concerto di maggior incasso della storia.,

Nel 2013, nessun musicista afro-americano ha avuto un Billboard Hot 100 numero uno. Questa è stata la prima volta che non c’era il numero uno in un anno da un afroamericano nella storia di 55 anni del grafico.

I piani per un Museo di musica afro-americana affiliato allo Smithsonian da costruire a Newark, New Jersey, e un R&B museum / hall of fame sono stati discussi.

Le ragazze bianche come Cher Lloyd usavano l’inglese vernacolare afroamericano nella loro musica.,

Alla fine degli anni 2010, la musica trap divenne estremamente popolare e si diffuse da Atlanta in paesi africani come Ghana, Sud Africa e Camerun.

Drake che è per metà afroamericano e si considera nero ha battuto il record dei Beatles per avere sette singoli simultanei sui cartelloni Top 10. Altri famosi afroamericani nell’Hip-Hop negli anni 2000 e negli anni 2010 sono Lil Wayne, Kanye West, Kendrick Lamar, 50 Cent, Snoop Dogg e Jay-Z.

La musica di Drill che è stata resa popolare dal rapper di Chicago Chief Keef negli anni 2010 è stata criticata per aumentare il tasso di criminalità afroamericana a Chicago., Altri famosi artisti afro-americani trapano sono Lil Durk, Lil Reese, Lil Bibby, Polo G e G Herbo.

Trey Songz, Jeremih e Chris Brown sono popolari cantanti afroamericani R&B degli anni 2000 e 2010.

Un altro genere popolare interpretato dagli afroamericani è il gangsta rap. I rapper gangsta afroamericani includono YG, Jay Rock e The Game.

Il Mumble rap è stato introdotto da parlanti dell’inglese vernacolare afroamericano.

Rapper bianchi come Post Malone e Azy Azalea sono stati accusati di appropriarsi della musica afroamericana.,

Recentemente, il latin trap e il chicano rap messicano sono stati influenzati dalla musica afroamericana.

Nel 2019, il rapper country nero Lil Nas X ha raggiunto il successo nelle classifiche con il suo singolo “Old Town Road” con Billy Ray Cyrus, anche se gli afroamericani hanno suonato musica country per anni e influenzato il genere. È diventato il primo artista nero apertamente gay a vincere un premio di musica country ai CMA Awards.

Nel 2015, Jay-Z ha lanciato TIDAL, un servizio di streaming musicale.

Rapper come Kendrick Lamar hanno usato l’hip hop come piattaforma politica per gli afroamericani.