Insegnamento della musica antica
18 ° secolo: scuole di canto e loro libri di melodia
Prima che ci fosse l’educazione musicale formale negli Stati Uniti, c’era la musica e l’educazione, L’educazione musicale negli Stati Uniti iniziò dopo l’arrivo dei Pellegrini e dei Puritani, quando i ministri si resero conto che la loro congregazione aveva bisogno di aiuto per cantare e leggere musica., Diversi ministri hanno sviluppato tune books che hanno usato quattro note di solfeggio (Mi, Fa, Sol, La) e note di forma per addestrare le persone a cantare i salmi e gli inni necessari per il corretto canto in chiesa. Nel 1830, le scuole di canto basate sulle tecniche trovate in questi libri iniziarono a spuntare in tutto il New England, con alcune persone che frequentavano lezioni di canto ogni giorno (Keene, 1982). Fu loro promesso che avrebbero imparato a cantare in un mese o sarebbero diventati insegnanti di musica in tre mesi.,
Alcuni considerano la musica degli inni di questo tempo unicamente americana—prendendo in prestito stili da Irlanda, Inghilterra ed Europa, ma usando ritmi di danza, regole armoniche sciolte e parti vocali complesse (contrappunto) in cui ogni voce (soprano, contralto, tenore e basso) cantava la propria melodia unica e nessuno aveva la melodia principale. Compositori americani originali come William Billings hanno scritto centinaia di inni in questo stile.
19 ° secolo
Johann H. Pestalozzi (1746-1827)
Pestalozzi è stato un riformatore educativo e filosofo svizzero nato nel 1746., È conosciuto come il padre dell’educazione moderna. Anche se le sue filosofie sono più di 200 anni, si può riconoscere le sue idee come suono abbastanza contemporaneo. Credeva in un’educazione centrata sul bambino che promuovesse la comprensione del mondo dal livello del bambino, tenendo conto dello sviluppo individuale e di esperienze concrete e tattili come lavorare direttamente con piante, minerali per la scienza, ecc. Ha sostenuto l’insegnamento poveri così come i bambini ricchi, abbattere un soggetto ai suoi elementi, e una vasta, educazione liberale insieme con la formazione degli insegnanti. Negli Stati Uniti.,, scuole normali sarebbe decollare entro la fine del 19 ° secolo, e sostenitori della riforma educativa Pestalozzi avrebbe messo in atto un sistema di formazione degli insegnanti che ci influenza fino ad oggi.
Lowell Mason (1792-1872) e il movimento “Better Music”
Lowell Mason, considerato il fondatore dell’educazione musicale in America, fu un sostenitore delle idee di Pestalozzi, in particolare del metodo rote di insegnamento della musica, dove le canzoni venivano sperimentate e ripetute prima e i concetti venivano insegnati in seguito. Mason ha scritto il primo libro della serie basato sul metodo rote nel 1864 chiamato The Song Garden.,
Mason è stato molto critico sia delle scuole di canto del giorno e lo stile compositivo. Era inorridito dalle promesse che le scuole di canto facevano ai loro studenti-vale a dire che potevano essere qualificati per insegnare dopo solo pochi mesi di lezioni, e le tecniche generali di composizione utilizzate all’epoca. Mason ha ritenuto che la musica, compreso il lavoro di compositori come Billings, era “rude e rozzo.,”Per cambiare questo, ha promosso armonie semplificate che hanno reso la melodia l’aspetto più importante della musica, e declassato l’importanza delle altre parti vocali per supportare la melodia. Ha compiuto questo attraverso la creazione di shape note scuole di canto, che ha effettuato la sua visione musicale. Il risultato fu che lo stile originale dell’inno divenne di competenza delle scuole di canto shape note, principalmente nel Sud, dove fiorirono per molti anni. Il più famoso libro di note di forma si chiama Arpa Sacra.
Ospitato negli Stati Uniti., Library of Congress (U. S Library of Congress and), tramite WikiCommons
Sotto il titolo “New Britain”, “Amazing Grace” appare in una pubblicazione del 1847 di Southern Harmony in shape notes
Le canzoni in Arpa sacra erano inni religiosi. “Amazing Grace” è stata una delle canzoni pubblicate in questo libro.,
Amazing Grace
John Newton (1779), Sacra Arpa Songbook (1844)
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Nel 1833, Lowell Mason e altri hanno cominciato a introdurre l’idea di educazione musicale nelle scuole. Mason, insieme a Thomas Hastings, ha continuato a stabilire il primo programma di musica della scuola pubblica a Boston, a cominciare dalla Boston Singing School, che insegnava ai bambini a cantare sotto la sua metodologia., Alla fine, gli insegnanti di classe regolari furono educati in scuole normali (in seguito chiamate collegi degli insegnanti), sviluppate a metà del 19 ° secolo, dove venivano insegnate le materie generali e ci si aspettava che insegnassero anche le arti (Brown, 1919).
La scuola elementare aggiornata, comprendendo i limiti del curriculum del 3 R, ha arricchito il suo programma aggiungendo attività come canto, disegno, occupazioni costruttive, narrazione e giochi, e ha cercato di organizzare il suo lavoro in termini di bambini piuttosto che in materia (Temple, 1920, 499).,
La musica e la scuola normale
Le scuole normali nel 19 ° secolo sono nate dalla necessità di educare una giovane popolazione americana in crescita. Queste scuole erano corsi di preparazione degli insegnanti, di solito con accesso a scuole modello in cui gli insegnanti in formazione potevano osservare e praticare insegnare. La musica era una parte significativa dell’educazione. La Missouri State Normal School di Warrensburg ha sottolineato l’importanza della musica nel loro catalogo da 1873-74:
Musica vocale—l’importanza della musica come uno dei rami dell’istruzione è pienamente riconosciuta., La musica vocale viene insegnata durante l’intero corso…e gli insegnanti sono invitati a farne parte del corso di istruzione in ogni scuola con cui possono essere collegati (Keene, 1982, p. 204).
Musica e istruzione in America: 20th century
I supervisori musicali, che hanno supervisionato il lavoro degli insegnanti in classe, hanno ricevuto una formazione aggiuntiva in musica. Educazione musicale nei primi anni del 20 ° secolo ha continuato sotto la competenza del supervisore di musica, mentre gli insegnanti di classe sono stati addestrati per insegnare musica ai loro studenti., A poco a poco, cominciò a verificarsi un processo di specializzazione e la musica divenne un soggetto regolare con una propria certificazione, una tradizione educativa che continua fino ad oggi. Dal 1920, le istituzioni negli Stati Uniti hanno iniziato la concessione di gradi in educazione musicale e, insieme a gruppi come la Conferenza del Supervisore musicale (in seguito la Conferenza nazionale dell’educatore musicale e attualmente l’Associazione nazionale per gli educatori musicali o NAfME), ha sostenuto l’uso di insegnanti di musica qualificati nelle scuole., Alla fine, le arti si sono divise in diverse specialità e il ruolo separato di insegnante di musica come lo conosciamo è stato creato.
Ironia della sorte, c’era grande preoccupazione al momento per questi insegnanti di musica speciali. Poiché la musica non era più nelle mani degli insegnanti della classe, fu fatto un grande sforzo per “portare la musica il più vicino possibile all’altro lavoro sotto l’attuale disposizione di un insegnante di musica speciale” (Goodrich, 1901, p. 133).
Educazione musicale contemporanea
Metodi didattici
Il ruolo della musica negli Stati Uniti, il sistema educativo è perennemente in discussione. Da un lato, molti vedono problemi strutturali inerenti alla connessione della musica con la sua storia e la chiara distinzione tra la prevalenza, l’importanza e la funzione del ruolo della musica nella vita quotidiana e il suo ruolo merlato in aula Sloboda (2001). Dall’altro, è necessaria una maggiore difesa per giustificare l’esistenza della musica e i termini dei benefici per il bambino in mezzo alla minaccia di tagli di bilancio costanti. Detto questo, è importante ricordare la storia dell’educazione musicale, l’origine e le radici profonde nell’esperienza educativa americana.,
L’inizio del 20 ° secolo è stato un momento emozionante per l’educazione musicale, con diversi metodi didattici significativi in fase di sviluppo e presa in considerazione. Negli Stati Uniti, l’educazione musicale si è sviluppata attorno a un metodo di istruzione, il Normale corso di musica, i cui resti sono rispettati anche oggi nelle aule di musica. I libri utilizzavano un curriculum “classificato” con canzoni ed esercizi successivamente più complessi, e combinavano canzoni composte dall’autore in questi libri con materiale folk e classico., Una copia online del Nuovo corso di musica normale (1911) per i bambini di quarta e quinta elementare è accessibile tramite Google Books.
In Europa e in Asia, si svilupparono quattro metodi di istruzione musicale eccezionali e molto diversi: il Metodo Kodály, Orff Schulwerk, Suzuki e Dalcroze ebbero tutti un ruolo significativo nel promuovere l’educazione musicale all’estero e negli Stati Uniti, ed erano metodi basati su generi folk e classici (vedi Capitolo 4 per ulteriori discussioni su questi metodi)., In contrasto con i primi libri di musica per la Scuola Normale, per cui non c’è stata “una scarsità di materiale canzone spingendo gli autori dell’originale corso di prevalentemente la loro propria canzone materiale” (Ciuffi & Holt, 1911, p. 3), Kodály e Orff, in particolare, utilizzato autentica musica nei loro metodi, e autentica musica direttamente correlati con la vita dei bambini (vedere il Capitolo 4 per ulteriori informazioni su questo).
Risorse
- I bambini di quattro e cinque anni sono stati in grado di ritrarre il significato emotivo nella musica attraverso il movimento espressivo.
Metz, E. R. (1989)., Movimento come risposta musicale tra i bambini in età prescolare. Journal of Research in Music Education 37, 48-60.
- Il risultato principale del “Movimento come risposta musicale tra i bambini in età prescolare” è stata la generazione di una teoria sostanziale delle risposte del movimento dei bambini alla musica. L’autore ha anche derivato implicazioni delle sette proposizioni di educazione dei primi bambini e le risposte di movimento alla musica.,
- Gli atteggiamenti e le risposte musicali dei bambini non sembrano essere basati su caratteristiche musicali specifiche; i bambini possono avere risposte e stili di ascolto molto idiosincratici.
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Vocabolario
articolazione: il modo in cui le note vengono suonate o le parole pronunciate; ad esempio, lunghe o corte, accentate o non accentate
contrappunto: l’arte di combinare melodie
dinamica: indica il volume del suono e le variazioni di volume (ad esempio, volume, morbidezza, crescendo, decrescendo).
armonia: la combinazione simultanea di toni, specialmente quando miscelati in accordi gradevoli all’orecchio; struttura cordale, distinta dalla melodia e dal ritmo
omofonia: una melodia con un accompagnamento; ad esempio,, un cantante, una band
gruppi indigeni: persone legate ad un determinato territorio, per la formulazione della propria cultura
melodia: suoni musicali in gradevole successione o la disposizione
metro: l’organizzazione di forti e tempi deboli; l’unità di misura in termini di numero di battute in una misura
la monofonia: a strato singolo o suono; ad esempio; un solista
la notazione: come note sono scritte sulla pagina
passo: la frequenza di una nota di vibrazione
polifonia: due o più voci indipendenti; ad esempio, un turno di fuga
salmi e inni: esempi di musica da chiesa
recita: la lettura di un testo utilizzando l’accresciuta discorso, simile al canto
il ritmo: il modello di regolari o irregolari impulsi causati in musica da fenomeni di forte o debole armonica e melodica beats
rote metodo: tecnica di memorizzazione basato sulla ripetizione, soprattutto quando il materiale è di essere imparato in fretta
forma note: notazione stile usato nei primi mesi del canto scuole negli USA, dove ogni nota aveva una forma unica con cui è stato identificato
silenzio: l’assenza di suono
solfeggio: una educazione musicale metodo per insegnare l’intonazione e lettura a prima vista, l’assegnazione di sillabe per le note di una scala; cioè, Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Ti, sarebbe incaricato di rappresentare e di aiuto sentire la scala maggiore piazzole
il suono: le vibrazioni che viaggiano attraverso l’aria, l’acqua, gas, o altri supporti che vengono prelevati dall’orecchio umano tamburo
tempo: relativa rapidità e velocità di movimento, di solito indicato con termini come adagio, allegro, etc., o facendo riferimento al metronomo., Inoltre, il numero di battiti al minuto
texture: il modo in cui melodia, armonia e ritmo sono combinati in un pezzo; la densità, lo spessore o la magrezza o gli strati di un pezzo
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