XVIII wiekEdytuj
pod koniec XVIII wieku ludowe spirytuały powstały wśród zniewolonych na południu ludzi, po ich nawróceniu na chrześcijaństwo. Nawrócenie nie spowodowało jednak przyjęcia przez zniewolonych tradycji związanych z praktyką chrześcijaństwa. Zamiast tego reinterpretowali je w sposób, który miał dla nich znaczenie jako Afrykanie w Ameryce. Często śpiewali spirituals w grupach, gdy pracowali na polach plantacji.,
Folk spirituals, w przeciwieństwie do większości białych gospel, były często porywane: Zniewoleni ludzie dodawali taniec (później znany jako „krzyk”) i inne formy ruchów ciała do śpiewu. Zmienili również melodie i rytmy Psalmów i hymnów, przyspieszając tempo, dodając powtarzające się refreny i chóry, a także zastępowali teksty nowymi, które często łączyły angielskie i afrykańskie słowa i frazy., Pierwotnie przekazywany ustnie, spirytualiści ludowi odgrywali kluczową rolę w życiu Afroamerykanów przez ponad trzy wieki, pełniąc funkcje religijne, kulturowe, społeczne, polityczne i historyczne.
Folk spirituals powstały spontanicznie i wykonywane w powtarzalnym, improwizowanym stylu. Najczęściej spotykanymi strukturami pieśni są ” call-and-response „(„Blow, Gabriel”) i refreny powtarzalne („He Rose from the Dead”). Call-and-response jest naprzemienną wymianą między solistą a innymi śpiewakami., Solista zazwyczaj improwizuje linijkę, na którą odpowiadają inni śpiewacy, powtarzając tę samą frazę. Interpretacja pieśni obejmuje wtrącenia jęków, krzyków, krzyków itp… i zmiana barwy wokalu. Śpiewowi towarzyszą również klaskanie rąk i deptanie stóp.
XIX w.
wpływ Afroamerykanów na główny nurt muzyki amerykańskiej rozpoczął się w XIX w. wraz z pojawieniem się blackface minstrelsy., Banjo, Pochodzenia afrykańskiego, stało się popularnym instrumentem, a jego afrykańskie rytmy zostały włączone do popularnych piosenek przez Stephena Fostera i innych autorów piosenek. W 1830 roku, drugie wielkie przebudzenie doprowadziło do wzrostu chrześcijańskich przebudzeń i pietyzmu, zwłaszcza wśród Afroamerykanów. Czerpiąc z tradycyjnych pieśni roboczych, zniewoleni Afroamerykanie zaczęli wykonywać szeroką gamę Spiritualiów i innej muzyki chrześcijańskiej. Niektóre z tych piosenek były zakodowanymi wiadomościami o wywrotach przeciwko zniewolonym lub sygnalizującymi ucieczkę.,
w okresie po wojnie secesyjnej kontynuowano rozprzestrzenianie się muzyki afroamerykańskiej. Po raz pierwszy w 1871 roku odbył się Koncert Jubileuszowy Fisk University Singers. Artyści, w tym Jack Delaney, pomogli zrewolucjonizować powojenną muzykę afroamerykańską w środkowo-wschodniej części Stanów Zjednoczonych. W następnych latach formowały się profesjonalne oddziały „jubileuszowe” i koncertowały. Pierwsza czarna trupa musicalowo-komediowa, Hyers Sisters Comic Opera Co., została zorganizowana w 1876 roku. W ostatniej połowie XIX wieku Amerykańskie salony fryzjerskie często służyły jako ośrodki kultury, w których zbierała się większość mężczyzn., Kwartety fryzjerskie powstały z afroamerykańskich mężczyzn towarzyskich w salonach fryzjerskich; harmonizowali w oczekiwaniu na swoją kolej, wokalizując w duchu, pieśniach ludowych i popularnych pieśniach. W ten sposób powstał nowy styl, składający się z beztroskiego, czteroczęściowego śpiewu o bliskiej harmonii. Później white minstrel singers zaadoptowali ten styl, a w początkach przemysłu nagraniowego ich występy były nagrywane i sprzedawane. Pod koniec XIX wieku muzyka afroamerykańska była integralną częścią głównego nurtu kultury amerykańskiej.,
początek XX wieku (1900–1930)Edycja
Slayton Jubilee Singers bawi pracowników starej fabryki inkubatorów, Clay Center, około 1910
w początku XX wieku amerykański Teatr Muzyczny pierwsze musicale napisane i wyprodukowane przez Afroamerykanów zadebiutowały na Broadwayu w 1898 roku musicalem Boba Cole 'a i Billy' ego Johnsona. W 1901 roku ukazało się pierwsze nagranie czarnoskórych muzyków Berta Williamsa i George ' a Walkera, zawierające muzykę z broadwayowskich musicali., Theodore Drury pomagał czarnoskórym artystom rozwijać się w dziedzinie opery. W 1900 r. założył Drury Opera Company i chociaż używał białej orkiestry, występował z czarnymi śpiewakami w głównych rolach i chórach. Mimo że firma ta była aktywna dopiero w latach 1900-1908, możliwości czarnych śpiewaków z Drury ' m oznaczały pierwszy czarny udział w operach. Na uwagę zasługuje również Opera Scotta Joplina Treemonisha, która jest wyjątkowa jako opera ragtime-folkowa; została po raz pierwszy wykonana w 1911 roku.
na początku XX wieku nastąpił wzrost popularności afroamerykańskiego bluesa i jazzu., Muzyka afroamerykańska w tym czasie była klasyfikowana jako „muzyka rasowa”. Termin ten nabrał rozpędu dzięki Ralphowi Peerowi, dyrektorowi muzycznemu w Okeh Records, który umieścił pod tą wytwórnią płyty wykonane przez „zagraniczne” grupy. W tym czasie „rasa” była terminem powszechnie używanym przez afroamerykańską prasę, aby mówić o społeczności jako całości z uprawniającym punktem widzenia, ponieważ osoba „rasy” była zaangażowana w walkę o równe prawa. Również rozwój sztuk wizualnych i renesansu Harlemu doprowadził do rozwoju muzyki., Ragtime wykonawców, takich jak Scott Joplin stał się popularny, a niektóre były związane z Harlem Renaissance i wczesnych aktywistów praw obywatelskich. Ponadto widoczne były białe i latynoskie wykonawcy muzyki afroamerykańskiej, zakorzenione w historii międzykulturowej komunikacji między rasami Stanów Zjednoczonych. Muzyka afroamerykańska była często adaptowana dla białej publiczności, która nie przyjmowała tak chętnie czarnych wykonawców, co prowadziło do takich gatunków jak swing, wyrastający z popu jazz.,
ponadto Afroamerykanie stali się częścią muzyki klasycznej na przełomie XX i XXI wieku. Chociaż początkowo wykluczeni z głównych orkiestr symfonicznych, Czarni muzycy mogli studiować w konserwatoriach muzycznych, które zostały założone w 1860, takich jak Oberlin School of Music, National Conservatory of Music i New England Conservatory. Czarni utworzyli również własne orkiestry symfoniczne na przełomie XX i XXI wieku w dużych miastach, takich jak Chicago, Nowy Orlean i Filadelfia., Różne czarne orkiestry zaczęły regularnie występować pod koniec lat 90. i na początku XX wieku. W 1906 roku w Filadelfii powstała pierwsza incorporated black orchestra. Na początku 1910 roku w Nowym Jorku powstały szkoły muzyczne all-black, takie jak The Music School Settlement for Colored i Martin-Smith School of Music.
Zespół Szkół Muzycznych Colored został sponsorem Orkiestry Clef Club w Nowym Jorku. Clef Club Symphony Orchestra przyciągała zarówno czarno-białą publiczność na koncerty w Carnegie Hall w latach 1912-1915., Orkiestra pod batutą Jamesa Reese 'a Europe' a i Williama H. Tyersa składała się z banjo, mandolin i rogów barytonowych. Na koncertach znalazły się utwory napisane przez czarnych kompozytorów, m.in. Harry ' ego T. Burleigha i Willa Marion Cooka. Inne coroczne koncerty black concert series obejmują koncerty Williama Hackneya „All-Colored Composers” w Chicago i festiwale muzyki kolorowej w Atlancie.
powrót czarnego musicalu na Broadway nastąpił w 1921 roku wraz z Shuffle Sissle i Eubie Blake., W 1927 roku w Carnegie Hall odbył się koncert muzyki czarnej, w tym jazzu, spirituals oraz muzyki symfonicznej orkiestry W. C. Handy ' ego i The Jubilee Singers. Pierwszym dużym musicalem filmowym z czarną obsadą był Hallelujah Króla Vidora z 1929 roku. Afroamerykańscy wykonawcy pojawili się w musicalu Show Boat (który miał partię napisaną dla Paula Robesona i chór śpiewaków jubileuszowych), a zwłaszcza czarne opery, takie jak Porgy and Bess i Virgil Thomson ' s Four Saints in Three Acts z 1934 roku.,
pierwszą symfonią czarnego kompozytora wykonaną przez Wielką Orkiestrę była Afro-American Symphony Williama Granta Stilla (1930) autorstwa New York Philharmonic. Symfonia E-moll Florence Beatrice Price została wykonana w 1933 roku przez Chicago Symphony Orchestra. W 1934 roku Murzyńska Symfonia ludowa Williama Dawsona została wykonana przez Philadelphia Orchestra.
Afroamerykanie byli pionierami muzyki jazzowej, za sprawą takich mistrzów jak Jelly Roll Morton, James P. Johnson, Louis Armstrong, Count Basie, Fletcher Henderson i Duke Ellington.,
w połowie XX wieku (lata 40.-60.) Edit
Billboard zaczął tworzyć osobną listę przebojów muzyki afroamerykańskiej w październiku 1942 roku z „Harlem Hit Parade”, która została zmieniona w 1945 roku na „Race Records”, a następnie w 1949 roku na „Rhythm and Blues Records”. Do lat 40. covery afroamerykańskich piosenek były powszechne i często trafiały na szczyty list przebojów, podczas gdy oryginalni muzycy odnosili sukces wśród afroamerykańskiej publiczności, ale nie w mainstreamie., W 1955 roku Thurman Ruth przekonał grupę gospel do śpiewania w świeckiej scenerii, Apollo Theater, z takim sukcesem, że później zaaranżował gospel caravans, które podróżowały po kraju, grając w tych samych miejscach, które spopularyzowali wokaliści rhythm and bluesowi., W tym czasie muzycy zaczęli odepchnąć jazz od swingu, tanecznej muzyki popularnej, w kierunku bardziej skomplikowanych aranżacji, improwizacji i technicznie trudnych form, których kulminacją były bebop Charliego Parkera i Dizzy 'ego Gillespie, chłodne dźwięki i modalny jazz Milesa Davisa oraz free jazz Ornette' a Colemana i Johna Coltrane ' a.,
Marilyn Horne i Henry Lewis w 1961 roku, zdjęcie Carla Van Vechtena
afroamerykańscy muzycy w latach 40.i 50. rozwijali rhythm and blues w gatunek zwany rock and roll, który cechował się silnym backbeat i którego wybitnymi wykładowcami byli Louis Jordan i wynonie Harris. Jednak to właśnie z białymi muzykami, takimi jak Bill Haley i Elvis Presley, grający gitarową fuzję czarnego rock and rolla z muzyką country zwaną rockabilly, muzyka rock and rollowa odniosła komercyjny sukces., Muzyka rockowa stała się później bardziej kojarzona z białymi ludźmi, chociaż niektórzy czarni wykonawcy, tacy jak Chuck Berry i Bo Diddley, odnosili sukces komercyjny.
Gdy lata 40.dobiegły końca, inni Afroamerykanie starali się koncertować jako profesjonalnie wyszkoleni muzycy klasyczni w celu przekroczenia barier rasowych i nacjonalistycznych w erze po ii Wojnie Światowej., Do tej grupy należał Henry Lewis, który w 1948 roku został pierwszym afroamerykańskim instrumentalistą w czołowej amerykańskiej orkiestrze symfonicznej, wczesnym „muzycznym ambasadorem” wspierającym dyplomację kulturalną w Europie i pierwszym afroamerykańskim dyrygentem dużego amerykańskiego zespołu symfonicznego w 1968 roku.
w latach 50. XX wieku wzrosła również popularność hard bluesa w stylu od najwcześniejszej połowy wieku, zarówno w Stanach Zjednoczonych, jak i Wielkiej Brytanii. W latach 50.XX wieku popularność zyskała także wersja doo-wop., Doo-wop był rozwijany poprzez harmonię grupy wokalnej z walorami muzycznymi różnych partii wokalnych, sylab bezsensownych, małej lub żadnej instrumentacji oraz prostych tekstów. Zwykle angażował pojedynczych artystów występujących z grupą wspierającą. Solowe bilingi dawano wokalistom, którzy byli bardziej widoczni w aranżacji muzycznej. Zsekularyzowana forma amerykańskiej muzyki gospel o nazwie soul również rozwinęła się w połowie lat 50., z pionierami takimi jak Ray Charles, Jackie Wilson i Sam Cooke na czele., Soul i R & W 1959 roku Hank Ballard wydał piosenkę dla nowego stylu tanecznego „The Twist”, która stała się nowym pragnieniem tanecznym od wczesnych lat 60. do 70.
w 1959 roku Berry Gordy założył Motown Records, pierwszą wytwórnię płytową, która głównie zawiera afroamerykańskich artystów mających na celu osiągnięcie sukcesu crossover. Wytwórnia wypracowała innowacyjny—i odnoszący komercyjny sukces-styl muzyki soul z charakterystycznymi elementami popu., Jego wczesne składy obejmowały Miracles, Martha and the Vandellas, Marvin Gaye, The Temptations, The Supremes i innych. Czarne divy, takie jak Aretha Franklin, stały się gwiazdami crossoverów lat 60. W Wielkiej Brytanii, brytyjski blues stał się stopniowo mainstreamowym zjawiskiem, powracając do USA pod postacią British Invasion, grupy zespołów pod wodzą The Beatles I The Rolling Stones, które wykonywały bluesa i R&B-inspirowany popem, zarówno z tradycyjnymi, jak i zmodernizowanymi aspektami., WGIV w Charlotte w Karolinie Północnej była jedną z kilku stacji radiowych poświęconych afroamerykańskiej muzyce, która rozpoczęła się w tym okresie.
brytyjska inwazja zepchnęła wielu czarnych artystów z amerykańskich list przebojów pop, chociaż niektórzy, wśród nich Otis Redding, Wilson Pickett i Aretha Franklin oraz wielu artystów z Motown, nadal radzili sobie dobrze. Muzyka Soul pozostała jednak popularna wśród czarnoskórych dzięki wysoko rozwiniętym formom, takim jak funk, rozwiniętym z innowacji Jamesa Browna., W 1961 roku młody chłopak Stevland Hardaway Morris nagrał swoją pierwszą płytę pod szyldem Motown ' s Tamla record w wieku 11 lat jako Stevie Wonder i był to początek jego wielkiej kariery.
w 1964 roku Ustawa o Prawach Obywatelskich zakazała głównych form dyskryminacji Afroamerykanów i kobiet. Gdy napięcie zaczęło zanikać, więcej afroamerykańskich muzyków przeszło do głównego nurtu. Niektórzy artyści, którzy z powodzeniem przeszli, to Aretha Franklin, James Brown i Ella Fitzgerald w świecie popu i jazzu, a Leontyne Price i Kathleen Battle w świecie muzyki klasycznej.,
pod koniec dekady Czarni byli częścią nurtów psychodelicznych i wczesnego heavy metalu, szczególnie dzięki wszechobecnym wpływom Beatlesów i innowacjom Jimiego Hendrixa na gitarę elektryczną. Hendrix był jednym z pierwszych gitarzystów, którzy używali sprzężenia zwrotnego, fuzz i innych pedałów efektów, takich jak pedał wah wah, aby stworzyć unikalne brzmienie gitarowe solo. Psychodelic soul, mieszanka rocka psychodelicznego i soulu zaczęła rozkwitać wraz z kulturą lat 60., Jeszcze bardziej popularny wśród czarnoskórych ludzi, i z większym apelem crossover, był zorientowany na albumy soul pod koniec lat 60. i na początku lat 70., który zrewolucjonizował muzykę afroamerykańską. Inteligentne i introspektywne teksty gatunku, często o społecznie świadomym tonie, zostały stworzone przez takich artystów jak Marvin Gaye w „What' s Going On” i Stevie Wonder w „Songs in the Key of Life”.
lata siedemdziesiąte
lata siedemdziesiąte były wielką dekadą Dla Czarnych zespołów grających melodyjną muzykę., Albumowy soul kontynuował swoją popularność, podczas gdy muzycy tacy jak Smokey Robinson pomogli przekształcić go w muzykę Quiet Storm. Funk ewoluował w dwa nurty, jeden pop-soul-jazz-bass Fusion zapoczątkowany przez Sly & The Family Stone, A drugi bardziej psychodeliczny Fusion uosabiany przez George ' a Clintona i jego P-Funk ensemble. Brzmienie Disco wyewoluowało z czarnych muzyków tworzących muzykę soulową z przyspieszoną melodią. Isaac Hayes, Barry White, Donna Summer I m.in. pomagają spopularyzować muzykę disco., Jednak muzyka ta została zintegrowana z muzyką popularną, osiągając sukces głównego nurtu.
Czarni muzycy osiągnęli sukces głównego nurtu, chociaż niektórzy afroamerykańscy artyści, w tym The Jackson 5, Roberta Flack, Dionne Warwick, Stevie Wonder, The O ' Jays, Gladys Knight& the Pips znaleźli crossover publiczności. Biali słuchacze preferowali country rock, singer-songwriters, stadium rock, soft rock, glam rock, a w niektórych subkulturach heavy metal i punk rock., W latach 70.XX wieku, the tenens, miejska afroamerykańska tradycja używania żartobliwych rymów, rozwinęła się w Street jive na początku lat 70., co z kolei zainspirowało nową formę muzyki pod koniec lat 70.: hip-hop. Artyści tacy jak The Last Poets, Gil Scott-Heron i Melvin Van Peebles są również wymieniani jako główni innowatorzy wczesnego hip-hopu. Począwszy od imprez blokowych w Bronksie, muzyka hip-hop powstała jako jeden z aspektów dużej subkultury z elementami buntowniczymi i progresywnymi. DJ-e nagrywali płyty, najczęściej funk, natomiast Mc-e wprowadzali utwory do tańczącej publiczności., Z czasem DJ-e, szczególnie jamajski imigrant DJ Kool Herc, zaczęli izolować i powtarzać przerwy perkusyjne, tworząc stały, wybitnie taneczny beat, który oni lub MC zaczęli rapować, poprzez rymy i ostatecznie trwałe teksty. Hip Hop stałby się wielokulturowym ruchem w young black America, kierowanym przez takich artystów jak Kurtis Blow i Run-DMC.,
1980edytuj
w latach 80.Michael Jackson odniósł rekordowy sukces z albumami Off the Wall, Bad I Thriller-ten ostatni pozostaje najlepiej sprzedającym się albumem wszech czasów – przekształcając muzykę popularną i jednocząc rasy, wiek i płeć, i ostatecznie doprowadzi do sukcesu czarnych solowych artystów, w tym Prince, Lionel Richie, Luther Vandross, Tina Turner, Whitney Houston i Janet Jackson. Pop i dance-soul tej epoki zainspirował new jack swing do końca dekady.
Hip-hop rozpowszechniony w całym kraju i zróżnicowany., Techno, Dance, Miami bass, post-disco, Chicago house, Los Angeles hardcore i Washington, D. C. Go-go rozwinęły się w tym okresie, przy czym tylko Miami bass osiągnęło sukces głównego nurtu. Ale wkrótce Miami bass zostało zdegradowane przede wszystkim do południowo-wschodnich Stanów Zjednoczonych, podczas gdy Chicago house miało silną przewagę na kampusach uniwersyteckich i arenach tanecznych (tj. the warehouse sound, the rave). Dźwięk DC go-go Miami bass był zasadniczo regionalnym dźwiękiem, który nie zdobył wiele masowego odwołania., Chicago house sound rozwinęło się w środowisko muzyczne Detroit i przekształciło się w bardziej elektroniczne i industrialne brzmienia tworząc Detroit techno, acid, jungle. Połączenie tych eksperymentalnych, zazwyczaj zorientowanych na DJ, dźwięków z przewagą wieloetnicznego nowojorskiego brzmienia disco z Lat 70. i 80. stworzyło markę muzyki, która była najbardziej doceniana w ogromnych dyskotekach, które znajdują się w takich miastach jak Chicago, Nowy Jork, Los Angeles, Detroit, Boston itp., Ostatecznie Europejska publiczność przyjęła ten rodzaj elektronicznej muzyki tanecznej z większym entuzjazmem niż ich północnoamerykańskie odpowiedniki. Te zmienne Dźwięki pozwalają słuchaczom priorytetowo traktować swoją ekspozycję na nową muzykę i rytmy, ciesząc się gigantycznym doświadczeniem tanecznym.
w późniejszej połowie dekady, od około 1986 roku, rap wszedł do mainstreamu z Run-D. M. C. 'S Raising Hell, i Beastie Boys' Licensed to Ill, ten ostatni stał się pierwszym albumem rapowym, który wszedł na pierwsze miejsce Billboard 200 i pomógł przełamać drzwi białym wykonawcom do robienia rapu., Obie te grupy mieszały ze sobą rap i rock, co spodobało się publiczności rockowej i rapowej. Hip-hop wyrósł z korzeni i rozkwitł wraz z takimi artystami jak Eric B. & Rakim, Public Enemy, LL Cool J, Queen Latifah, Big Daddy Kane i Salt-N-Pepa. Hip Hop stał się popularny w Ameryce do końca lat 90., kiedy to udał się na całym świecie. Scena złotego wieku wygasła na początku lat 90., gdy gangsta rap i G-funk przejęły kontrolę, z zachodnio-przybrzeżnymi artystami Dr. Dre, Snoop Dogg, Warren G i Ice Cube, wschodnio-przybrzeżnymi artystami Notorious B. I. G.,, Wu-Tang Clan i Mobb Deep, a także dźwięki miejskiej czarnej męskiej brawury, współczucia i świadomości społecznej najlepiej reprezentowane przez rapera Tupaca Shakura.
podczas gdy muzyka heavy metalowa była prawie wyłącznie tworzona przez białych wykonawców w latach 70.i 80., było kilka wyjątków. W 1988 roku black heavy metalowy zespół Living Colour osiągnął sukces z debiutanckim albumem Vivid, który zajął 6. miejsce na liście Billboard 200 dzięki singlowi „Cult of Personality”. Muzyka zespołu zawierała teksty atakujące to, co postrzegali jako Eurocentryzm i rasizm Ameryki., Dekadę później kolejni Czarni artyści jak Lenny Kravitz, Body Count, Ben Harper i niezliczeni inni zaczęli ponownie grać rock.
Lata 90., 2000.i 2010edytuj
współczesna R&B, podobnie jak w post-disco wersji muzyki soul, pozostała popularna w latach 80. i 90. szczególnie popularne były męskie grupy wokalne w stylu grup soulowych, takich jak The Temptations i The O ' Jays, w tym New Edition, Boyz II Men, Jodeci, Dru Hill, Blackstreet i Jagged Edge., Grupy żeńskie, w tym TLC, Destiny ' s Child, SWV i En Vogue, również odniosły duży sukces.
Piosenkarze-Kompozytorzy, tacy jak R. Kelly, Mariah Carey, Montell Jordan, D ' Angelo, Aaliyah i Raphael Saadiq z Tony! Toni! Toné! były również znacznie popularne w latach 90., a artyści tacy jak Mary J. Blige, Faith Evans i BLACKstreet spopularyzowali mieszankę fusion znaną jako hip-hop soul. Ruch Neo soulowy lat 90. spopularyzowany został na przełomie lat 90.i 2000 przez takich artystów jak D ' Angelo, Erykah Badu, Maxwell, Lauryn Hill, Indie.,Arie, Alicia Keys, Jill Scott, Angie Stone, Bilal i Musiq Soulchild. Według jednej z autorek muzyki D 'Angelo, uznany przez krytyków album Voodoo (2000)” reprezentuje afroamerykańską muzykę na rozdrożu … Aby po prostu nazwać neoklasyczną duszę … byłoby zignorować elementy vaudeville jazz, Memphis horns, ragtime blues, funk i basowe grooves, nie wspominając o hip-hop, które wyślizgują się z każdego poru tych nawiedzonych utworów.,”Blue-eyed soul to wpływ afroamerykańskiej muzyki wykonywanej przez białych artystów, takich jak Michael McDonald, Christina Aguilera, Amy Winehouse, Robin Thicke, Michael Bolton, Jon B., Lisa Stansfield, Teena Marie, Justin Timberlake, Joss Stone, George Michael i Anastacia.
w pierwszej dekadzie XXI wieku R&B skupił się na solowych artystach z popem, których najbardziej znaczącymi przykładami były Usher, Rihanna i Beyoncé. Ponadto muzyce towarzyszyły estetyczne i niepowtarzalne teledyski., Przykładami tego typu teledysków są między innymi: „Crazy In Love” Beyoncé, „Pon De Replay” Rihanny oraz „Caught Up” Ushera. Te teledyski pomogły R&B stać się bardziej dochodowym i bardziej popularnym niż w latach 90. linia pomiędzy hip-hopem A R&B i popem została znacznie zatarta przez producentów takich jak Timbaland i Lil Jon oraz artystów takich jak Missy Elliott, T-Pain, Nelly, Akon i OutKast.,
„muzyka miejska” i „Radio Miejskie” są dziś w dużej mierze neutralne rasowo, terminy, które są synonimami hip hopu i R&B i związanej z nim kultury hip-hopowej, która powstała w Nowym Jorku. Termin ten odzwierciedla również fakt, że są one popularne na obszarach miejskich, zarówno w centrach czarnej ludności, jak i wśród ogółu ludności (zwłaszcza młodszej publiczności).
ruch hip-hopowy stał się coraz bardziej mainstreamowy, ponieważ przemysł muzyczny przejął nad nim kontrolę., Zasadniczo „od momentu, gdy „Rapper' s Delight ” pokrył się platyną, hiphop the folk culture stał się hiphopem the American entertainment-industry sideshow.”
w czerwcu 2009 roku Michael Jackson zmarł niespodziewanie z powodu zatrzymania krążenia, wywołując globalny wylew żalu. W ciągu roku od jego śmierci, jego majątek wygenerował $1.4 miliard przychodów. Film dokumentalny składający się z prób do zaplanowanej trasy koncertowej This Is It, zatytułowany Michael Jackson ' s This Is It, został wydany 28 października 2009 roku i stał się najbardziej dochodowym filmem koncertowym w historii.,
w 2013 roku żaden afroamerykański muzyk nie znalazł się na pierwszym miejscu listy Billboard Hot 100. Był to pierwszy raz, gdy Afroamerykanin nie był numerem jeden w 55-letniej historii chart.
plany budowy Muzeum Muzyki afroamerykańskiej w Newark w stanie New Jersey oraz R&B museum / hall of fame zostały omówione.
białe dziewczyny, takie jak Cher Lloyd, używały w swojej muzyce afroamerykańskiego języka potocznego.,
pod koniec 2010 roku muzyka trap stała się niezwykle popularna i rozprzestrzeniła się z Atlanty do krajów afrykańskich, takich jak Ghana, RPA i Kamerun.
Drake, który jest w połowie Afroamerykaninem i uważa się za czarnego pobił rekord Beatlesów za siedem jednoczesnych singli na billboardach Top 10. Inni znani Afroamerykanie w Hip-hopie w latach 2000 i 2010 to Lil Wayne, Kanye West, Kendrick Lamar, 50 Cent, Snoop Dogg i Jay-Z.
Muzyka Drill, która została spopularyzowana przez chicagowskiego rapera Chief Keefa w 2010 roku, była krytykowana za zwiększenie wskaźnika przestępczości afroamerykańskiej w Chicago., Inni znani afroamerykańscy artyści to Lil Durk, Lil Reese, Lil Bibby, Polo G i G Herbo.
Trey Songz, Jeremih i Chris Brown to popularni Afroamerykanie R&B piosenkarze lat 2000 i 2010.
kolejnym popularnym gatunkiem wykonywanym przez Afroamerykanów jest gangsta rap. Afroamerykańscy raperzy gangsta to YG, Jay Rock i gry.
Mumble rap
biali raperzy tacy jak Post Malone i Iggy Azalea zostali oskarżeni o zawłaszczenie muzyki afroamerykańskiej.,
Ostatnio pod wpływem muzyki afroamerykańskiej wpłynął latynoamerykański trap i meksykański chicano rap.
w 2019 roku czarny raper country Lil Nas X osiągnął sukces na liście przebojów singlem „Old Town Road” z udziałem Billy ' ego Raya Cyrusa, chociaż Afroamerykanie od lat wykonują muzykę country i wywarli wpływ na ten gatunek. Stał się pierwszym otwarcie gejem czarnoskórym artystą, który zdobył nagrodę muzyki country na CMA Awards.
w 2015 roku Jay-Z uruchomił TIDAL, serwis streamingowy muzyki.
raperzy tacy jak Kendrick Lamar wykorzystywali hip hop jako platformę polityczną dla Afroamerykanów.
Dodaj komentarz