Música afro-americana

no final do século XVIII os espíritos folclóricos originaram-se entre pessoas escravizadas do Sul, após a sua conversão ao cristianismo. A conversão, no entanto, não resultou em pessoas escravizadas adotando as tradições associadas com a prática do Cristianismo. Em vez disso, eles reinterpretaram-nos de uma forma que tinha significado para eles como africanos na América. Eles muitas vezes cantavam os espirituais em grupos enquanto trabalhavam nos campos de plantação.,os espíritos folclóricos, ao contrário do evangelho branco, eram muitas vezes espiritualizados: pessoas escravizadas adicionavam dança (mais tarde conhecido como “The shout”) e outras formas de movimentos corporais ao canto. Eles também mudaram as melodias e ritmos dos Salmos e hinos, como acelerar o ritmo, adicionando refrões repetidos e refrões, e substituiu textos com novos que muitas vezes combinavam palavras e frases em inglês e Africano., Originalmente sendo transmitido oralmente, os espíritos populares têm sido centrais na vida dos afro-americanos por mais de três séculos, servindo funções religiosas, culturais, sociais, políticas e históricas.os espíritos folclóricos foram espontaneamente criados e realizados em um estilo repetitivo e improvisado. As estruturas musicais mais comuns são a chamada e resposta (“Blow, Gabriel”) e refrões repetitivos (“He Rose from the Dead”). A chamada e resposta é uma troca alternada entre o solista e os outros cantores., O solista geralmente improvisa uma linha à qual os outros cantores respondem, repetindo a mesma frase. Interpretação de música incorpora as interjetões de gemidos, gritos, berros, etc… e a mudar os timbres vocais. Cantar também é acompanhado por Palmas de mãos e pé-stomping.19th centuryEdit

a influência dos afro-americanos na música mainstream americana começou no século XIX, com o advento de blackface minstrelsy., O banjo, de origem africana, tornou-se um instrumento popular, e seus ritmos derivados africanos foram incorporados em canções populares por Stephen Foster e outros compositores. Na década de 1830, o Segundo Grande Despertar levou a um aumento dos avivamentos cristãos e do pietismo, especialmente entre os afro-americanos. Baseando-se em canções de trabalho tradicionais, os afro-americanos escravizados se originaram e começaram a executar uma grande variedade de Espirituais e outras músicas cristãs. Algumas dessas canções eram mensagens codificadas de subversão contra escravizadores, ou que sinalizavam fuga.,durante o período após a Guerra Civil, a difusão da música afro-americana continuou. Os Fisk University Jubilee Singers excursionaram pela primeira vez em 1871. Artistas como Jack Delaney ajudaram a revolucionar a música afro-americana do pós-guerra no centro-leste dos Estados Unidos. Nos anos seguintes, tropas profissionais do “jubilee” formaram e excursionaram. The first black musical-comedy troupe, Hyers Sisters Comic Opera Co., foi organizado em 1876. Na última metade do século XIX, as barbearias dos Estados Unidos serviam frequentemente como centros comunitários, onde a maioria dos homens se reuniam., Quartetos de barbearia originaram-se com homens afro-americanos a socializar em barbershops; eles harmonizavam-se enquanto aguardavam a sua vez, vocalizando em músicas espirituais, folclóricas e canções populares. Isso gerou um novo estilo, consistindo de um canto em quatro partes, sem acompanhamento. Mais tarde, white minstrel singers adotou o estilo, e nos primeiros dias da indústria de gravação suas performances foram gravadas e vendidas. No final do século XIX, a música afro-americana era parte integrante da cultura americana.,

Início do século 20 (1900–1930)Editar

No início do século 20-Americano de teatro musical, o primeiro musicais, escrito e produzido por afro-Americanos, que estreou na Broadway em 1898, com um musical de Bob Cole e Billy Johnson. Em 1901, a primeira gravação de músicos negros foi de Bert Williams e George Walker, com música de musicais da Broadway., Theodore Drury ajudou artistas negros a se desenvolverem no campo de ópera. Ele fundou a companhia de ópera Drury em 1900 e, embora tenha usado uma orquestra branca, ele contou com cantores negros em papéis principais e refrões. Embora esta companhia só estivesse ativa de 1900 a 1908, as oportunidades dos cantores negros com Drury marcaram a primeira participação dos negros em companhias de ópera. Também é significativa a Ópera Treemonisha de Scott Joplin, que é única como uma ópera folclórica ragtime; foi apresentada pela primeira vez em 1911.a primeira parte do século XX viu um aumento na popularidade do blues e jazz afro-americano., A música afro-americana nesta época foi classificada como”race music”. Este termo ganhou impulso devido a Ralph Peer, diretor musical da Okeh Records, que colocou registros feitos por grupos “estrangeiros” sob essa gravadora. Na época, “raça “era um termo comumente usado pela imprensa Afro-americana para falar da comunidade como um todo com um ponto de vista fortalecedor, como uma pessoa de” raça ” foi um envolvido na luta por direitos iguais. Além disso, os desenvolvimentos nos campos das artes visuais e do Renascimento do Harlem levaram a desenvolvimentos na música., Artistas Ragtime como Scott Joplin tornou-se popular e alguns foram associados com o Harlem Renaissance e ativistas dos primeiros direitos civis. Além disso, artistas brancos e latinos da música afro-americana eram visíveis, enraizados na história da comunicação intercultural entre as raças dos Estados Unidos. A música afro-americana foi muitas vezes adaptada para o público branco, que não teria tão prontamente aceitos artistas negros, levando a gêneros como swing music, um crescimento pop do jazz.,além disso, os afro-americanos estavam se tornando parte da música clássica na virada do século XX. Embora originalmente excluídos das principais orquestras sinfônicas, músicos negros poderiam estudar em conservatórios de música que haviam sido fundados na década de 1860, como a Oberlin School of Music, Conservatório Nacional de música e o Conservatório de Nova Inglaterra. Black people also formed their own symphony orchestras at the turn of the 20th century in major cities such as Chicago, New Orleans, and Philadelphia., Várias orquestras Negras começaram a se apresentar regularmente no final da década de 1890 e início do século XX. Em 1906, a primeira orquestra Negra incorporada foi estabelecida na Filadélfia. No início da década de 1910, escolas de música “All-black”, como a “Music School Settlement for Colored” e a “Martin-Smith School of Music”, foram fundadas em Nova Iorque.

The Music School Settlement for Colored became a sponsor of the Clef Club orchestra in New York. A Orquestra Sinfônica Clef Club atraiu o público branco e negro para concertos no Carnegie Hall de 1912 a 1915., Conduzida por James Reese Europe e William H. Tyers, a orquestra incluiu banjos, mandolins e chifres de barítono. Concertos com música escrita por compositores Negros, notavelmente Harry T. Burleigh e Will Marion Cook. Outras séries anuais de concertos black incluem os concertos de William Hackney “all-Colored Composers” em Chicago e os festivais de música colorida de Atlanta.

O Retorno do musical negro à Broadway ocorreu em 1921 com Sissle e Eubie Blake baralhando junto., Em 1927, uma pesquisa sobre a música negra foi realizada no Carnegie Hall, incluindo jazz, spirituals e a música sinfônica da Orquestra de W. C. Handy e os cantores do Jubileu. O primeiro grande musical com um elenco negro foi o Hallelujah do Rei Vidor de 1929. Artistas afro-americanos foram destaque no Show musical Boat (que tinha um papel escrito para Paul Robeson e um coro de cantores Jubileus), e especialmente óperas todas-Negras, como Porgy e Bess e os quatro santos de Virgil Thomson em três atos de 1934.,a primeira sinfonia de um compositor Negro a ser executada por uma grande orquestra foi a Sinfonia Afro-americana de William Grant Still (1930) pela Filarmônica de Nova Iorque. A Sinfonia de Florence Beatrice Price em Mi menor foi realizada em 1933 pela Orquestra Sinfônica de Chicago. Em 1934, a Sinfonia folclórica negra de William Dawson foi executada pela Orquestra da Filadélfia.os afro-americanos foram os pioneiros da música jazz, através de mestres como Jelly Roll Morton, James P. Johnson, Louis Armstrong, Count Basie, Fletcher Henderson e Duke Ellington.,

Meados do século 20 (1940–1960)Editar

a Billboard começou a fazer uma lista separada de bater records música afro-Americana, em outubro de 1942, com o “Harlem Hit Parade”, que foi alterado em 1945, a “Race Records”, e, em seguida, em 1949, para o “Rhythm and Blues Records”. Na década de 1940, as versões cover de canções afro-americanas eram comuns, e frequentemente liderou as paradas, enquanto os músicos originais encontraram sucesso entre o seu público afro-americano, mas não no mainstream., Em 1955, Thurman Ruth convenceu um grupo gospel a cantar em um cenário secular, o Apollo Theater, com tal sucesso que ele posteriormente arranjou caravanas gospel que viajaram pelo país, tocando os mesmos locais que cantores de rhythm and blues tinham popularizado., Enquanto isso, os artistas de jazz começaram a empurrar o jazz para longe do swing, uma música popular dançante, para arranjos mais intrincados, improvisação e formas tecnicamente desafiadoras, culminando no bebop de Charlie Parker e Dizzy Gillespie, os sons legais e jazz modal de Miles Davis, e o free jazz de Ornette Coleman e John Coltrane.,

Afro-Americana de músicos nos anos 1940 e 1950 foram o desenvolvimento de rhythm and blues em um gênero chamado “rock and roll”, que contou com um forte backbeat e cujo destaque expoentes incluído Louis Jordan e Wynonie Harris. No entanto, foi com músicos brancos como Bill Haley e Elvis Presley, tocando uma fusão baseada em guitarra do Black rock and roll com música country chamada rockabilly, que a música rock and roll tornou-se comercialmente bem sucedida., A música Rock tornou-se mais associada com os brancos, embora alguns artistas negros como Chuck Berry e Bo Diddley tiveram sucesso comercial.à medida que a década de 1940 chegou ao fim, outros afro-americanos se esforçaram para se concertarem como músicos clássicos profissionalmente treinados em um esforço para transcender barreiras raciais e nacionalistas na era pós-Segunda Guerra Mundial., Incluído neste grupo estava Henry Lewis, que emergiu em 1948 como o primeiro instrumentista afro-americano em uma orquestra sinfônica americana principal, um “Embaixador musical” inicial em apoio à diplomacia cultural na Europa e o primeiro maestro afro-americano de um grande conjunto sinfônico americano em 1968.a década de 1950 também viu aumentar a popularidade do hard blues no estilo desde a primeira parte do século, tanto nos Estados Unidos quanto no Reino Unido. A década de 1950 também viu o estilo doo-wop tornar-se popular., Doo-wop tinha sido desenvolvido através da harmonia de grupos vocais com as qualidades musicais de diferentes partes vocais, Sílabas sem sentido, pouca ou nenhuma instrumentação, e letras simples. Ele geralmente envolvia artistas de conjunto que apareciam com um grupo de apoio. Faturamento Solo foi dado a cantores principais que eram mais proeminentes no arranjo musical. Uma forma secularizada de música gospel americana chamada soul também foi desenvolvida em meados da década de 1950, com pioneiros como Ray Charles, Jackie Wilson e Sam Cooke liderando a onda., Soul and R& B became a major influence on surf, as well as the chart-topping girl groups including the Angels and the Shangri-Las, only some of whom were white. Em 1959, Hank Ballard, lança uma música para o novo estilo de dança “The Twist”, que se tornou a nova dança anseiam a partir do início dos anos 60 para os 70.

Em 1959, Berry Gordy fundada Motown Records, a primeira gravadora a, essencialmente, artistas Africano-Americano, que visam alcançar crossover de sucesso. A gravadora desenvolveu um estilo inovador e comercialmente bem sucedido de música soul com elementos pop distintivos., Sua primeira lista incluía The Miracles, Martha and The Vandellas, Marvin Gaye, The Temptations, The Supremes, e outros. Divas Negras como Aretha Franklin tornaram-se Estrelas cruzadas dos anos 60. No reino UNIDO, blues Britânico tornou-se, gradualmente, mainstream fenômeno, retornando para os EUA, na forma da Invasão Britânica, um grupo de bandas lideradas pelos Beatles e Os Rolling Stones, que realizou blues e R&B de inspiração pop, com o tradicional e modernizada aspectos., WGIV em Charlotte, Carolina do Norte estava entre algumas estações de rádio dedicadas à música afro-americana que começou durante este período.a Invasão Britânica tirou muitos artistas negros das paradas pop dos Estados Unidos, embora alguns, entre eles Otis Redding, Wilson Pickett e Aretha Franklin e vários artistas da Motown, continuaram a fazer bem. A música Soul, no entanto, permaneceu popular entre os negros através de formas altamente evoluídas, como o funk, desenvolvido a partir das inovações de James Brown., Em 1961, um jovem chamado Stevland Hardaway Morris gravou seu primeiro disco com o nome de Stevie Wonder aos 11 anos de idade e foi o início de sua grande carreira.em 1964, a lei dos Direitos Civis proibiu as principais formas de discriminação em relação aos afro-americanos e às mulheres. À medida que as tensões começaram a diminuir, mais músicos afro-americanos passaram para o gosto mainstream. Alguns artistas que atravessaram com sucesso foram Aretha Franklin, James Brown, e Ella Fitzgerald no mundo pop e jazz, e Leontyne Price e Kathleen Battle no Reino da música clássica.,até o final da década, os negros faziam parte da psicodelia e das primeiras tendências do heavy metal, particularmente pela influência omnipresente dos Beatles e as inovações da guitarra elétrica de Jimi Hendrix. Hendrix foi um dos primeiros guitarristas a usar feedback de áudio, fuzz e outros pedais de efeitos, como o wah wah pedal para criar um som solo de guitarra único. Soul psicodélico, uma mistura de rock psicodélico e soul começou a florescer com a cultura da década de 1960., Ainda mais popular entre os negros, e com mais apelo cruzado, foi o soul orientado para o álbum no final dos anos 1960 e início dos anos 1970, que revolucionou a música afro-americana. As letras inteligentes e introspectivas do gênero, muitas vezes com um tom socialmente consciente, foram criadas por artistas como Marvin Gaye no que está acontecendo, e Stevie Wonder em canções na chave da vida.

1970sEdit

a década de 1970 foi uma grande década para bandas negras tocando música melódica., Soul orientado a álbuns continuou sua popularidade, enquanto músicos como Smokey Robinson ajudou a transformá-lo em música de tempestade tranquila. Funk evoluiu em duas vertentes, uma uma fusão pop-soul-jazz-baixo pioneira por Sly & A Pedra Da Família, e a outra uma fusão mais psicodélica epitomizada por George Clinton e seu P-Funk ensemble. O som da Disco evoluiu de músicos negros criando música Soul com uma melodia up-tempo. Isaac Hayes, Barry White, Donna Summer e entre outros ajudam a popularizar a música disco., No entanto, esta música foi integrada na música popular alcançando sucesso mainstream.músicos negros alcançaram algum sucesso mainstream, embora alguns artistas afro-americanos, incluindo The Jackson 5, Roberta Flack, Dionne Warwick, Stevie Wonder, The O’Jays, Gladys Knight & os Pips encontraram público cruzado. Ouvintes brancos preferiram country rock, cantores-compositores, stadium rock, soft rock, glam rock, e, em algumas subculturas, heavy metal e punk rock., Durante a década de 1970, as dezenas, uma tradição afro-americana urbana de usar a rima brincalhona ridicularizada, desenvolveu-se em street jive no início dos anos 70, que por sua vez inspirou uma nova forma de Música no final dos anos 1970: hip-hop. Artistas de palavra falada, como os últimos poetas, Gil Scott-Heron e Melvin Van Peebles também são citados como os principais inovadores no início do hip-hop. Começando em festas de bloco no Bronx, a música hip-hop surgiu como uma faceta de uma grande subcultura com elementos rebeldes e progressistas. DJs spun records, mais tipicamente funk, enquanto MCs introduziu faixas para o público dançante., Ao longo do tempo, DJs, particularmente o imigrante Jamaicano DJ Kool Herc, por exemplo, começou a isolar e repetir os intervalos de percussão, produzindo uma batida constante, eminentemente dançável, que eles ou MCs começaram a cantar, através de rimas e, eventualmente, letras sustentadas. O Hip Hop se tornaria um movimento multicultural na jovem América negra, liderado por artistas como Kurtis Blow e Run-DMC.,na década de 1980, Michael Jackson teve sucesso recorde com seus álbuns Off the Wall, Bad e Thriller-este último permanecendo o álbum mais vendido de todos os tempos – transformando a música popular e unindo raças, idades e gêneros, e acabaria por levar ao sucesso artistas Black solo crossover, incluindo Prince, Lionel Richie, Luther Vandross, Tina Turner, Whitney Houston, e Janet Jackson. Pop and dance-soul of this era inspired new jack swing by the end of the decade.o Hip-hop espalhou-se por todo o país e diversificou-se., Techno, Dance, Miami bass, post-disco, Chicago house, Los Angeles hardcore e Washington D. C. Go-go desenvolvidos durante este período, Com apenas Miami bass alcançando sucesso mainstream. Mas, em pouco tempo, Miami bass foi relegado principalmente para o sudeste dos Estados Unidos, enquanto Chicago house tinha feito grandes avanços em campus universitários e arenas de dança (ou seja, o som do armazém, a rave). O DC go-go sound de Miami bass foi essencialmente um som regional que não ganhou muito apelo em massa., Chicago house sound expandiu-se para o ambiente musical de Detroit e se transformou em sons mais Eletrônicos e industriais criando Detroit techno, acid, jungle. O acasalamento destes sons experimentais, geralmente orientados para DJ, com a prevalência do som multi-étnico da música disco de Nova Iorque dos anos 1970 e 1980 criou uma marca de música que foi mais apreciada nas enormes discotecas que estão localizadas em cidades como Chicago, Nova York, Los Angeles, Detroit, Boston, etc., Eventualmente, o público europeu abraçou este tipo de música de dança eletrônica com mais entusiasmo do que seus homólogos norte-americanos. Estes sons variáveis permitem aos ouvintes priorizar a sua exposição a novas músicas e ritmos enquanto desfrutam de uma experiência de dança gigantesca.

Na segunda metade da década, a partir de 1986, o rap decolou para o mainstream com o Run D. M. C. de Elevar o Inferno, e os Beastie Boys’ Licenciado para o Mal, o último tornando-se o primeiro álbum de rap para entrar N.º 1 Lugar na Billboard 200 e ajudar a quebrar as portas para artistas brancos para fazer rap., Ambos os grupos misturaram rap e rock juntos, que apelaram para o rock e rap audiências. O Hip-hop saiu de suas raízes e o hip-hop da era dourada floresceu, com artistas como Eric B. & Rakim, Public Enemy, LL Cool J, Queen Latifah, Big Daddy Kane, e Salt-N-Pepa. O Hip Hop tornou-se popular na América até o final da década de 1990, quando se tornou mundial. A cena da idade de ouro iria morrer no início dos anos 90, com gangsta rap e G-funk assumir o controle, com artistas da costa oeste Dr. Dre, Snoop Dogg, Warren G E Ice Cube, artistas da costa leste Notorious B. I. G.,, Wu-Tang Clan, Mobb Deep, and the sounds of urban black male bravado, compassion, and social awareness best represented by the rapper Tupac Shakur.enquanto o heavy metal foi quase exclusivamente criado por artistas brancos nas décadas de 1970 e 1980, houve algumas exceções. Em 1988, a banda de Black heavy metal Living Colour alcançou o sucesso mainstream com seu álbum Vívid, chegando ao número 6 na Billboard 200, graças ao seu Top 20 single “Cult of Personality”. A música da banda continha letras que atacavam o que eles percebiam como o eurocentrismo e o racismo da América., Uma década depois, mais artistas negros como Lenny Kravitz, Body Count, Ben Harper, e incontáveis outros começariam a tocar rock novamente.

década de 1990, a década de 2000, e 2010sEdit

Contemporâneos R&B, como no pós-discoteca versão da música soul, manteve-se popular durante as décadas de 1980 e 1990. Macho grupos vocais no estilo de alma grupos, tais como As Tentações e O ‘ jays foram particularmente populares, incluindo Nova Edição, Boyz II Men, Jodeci, Dru Hill, Blackstreet, e Borda irregular., Grupos de meninas, incluindo TLC, Destiny’s Child, SWV e En Vogue, também foram muito bem sucedidos.cantores-compositores como R. Kelly, Mariah Carey, Montell Jordan, D’Angelo,Aaliyah e Raphael Saadiq de Tony! Toni! Toné! também foram significativamente populares durante a década de 1990, e artistas como Mary J. Blige, Faith Evans e BLACKstreet popularizaram uma mistura de fusão conhecida como hip-hop soul. O movimento neo soul da década de 1990 olhou para trás em influências mais clássicas da alma e foi popularizado no final da década de 1990 / início da década de 2000 por artistas como D’Angelo, Erykah Badu, Maxwell, Lauryn Hill, Índia.,Arie, Alicia Keys, Jill Scott, Angie Stone, Bilal e Musiq Soulchild. De acordo com um escritor musical, o aclamado álbum Voodoo de D’Angelo (2000) “representa a música afro-americana em uma encruzilhada … Simplesmente chamar alma neo-clássica … seria ignorar os elementos de vaudeville jazz, Memphis horns, ragtime blues, funk e baixo grooves, para não mencionar hip-hop, que escapam de cada poro destas canções assombradas.,”Blue-eyed soul, é uma influência da música afro-Americana realizada por artistas brancos, incluindo Michael McDonald, Christina Aguilera, Amy Winehouse, Robin Thicke, Michael Bolton, Jon B., Lisa Stansfield, Teena Marie, Justin Timberlake, Joss Stone, George Michael, e Anastacia.

na primeira década do século 21, R&B tinha mudado para uma ênfase em artistas solo com apelo pop, com Usher, Rihanna e Beyoncé sendo os exemplos mais proeminentes. Além disso, a música foi acompanhada por vídeos musicais esteticamente criativos e únicos., Exemplos destes tipos de videoclipes incluem, mas não se limitam a: “Crazy in Love” de Beyoncé, “Pon de Replay” de Rihanna e “catched Up”de Usher. Esses vídeos de música ajudou R&B se tornar mais rentável e mais popular do que ele tinha sido na década de 1990. A linha entre o hip-hop e R&B e pop foi significativamente borrada por produtores como Timbaland e Lil Jon e artistas como Missy Elliott, T-Pain, Nelly, Akon e OutKast.,

“Urban music” and “urban radio”are largely race-neutral today, terms that are synonymous with hip hop and R&B and the associated hip-hop culture that originated in New York City. O termo também reflete o fato de que eles são populares em áreas urbanas, tanto dentro de centros de população negra e entre a população em geral (especialmente audiências mais jovens).