African-American music (Deutsch)

18th centuryEdit

Im späten 18. Die Bekehrung führte jedoch nicht dazu, dass versklavte Menschen die mit der Praxis des Christentums verbundenen Traditionen annahmen. Stattdessen interpretierten sie sie auf eine Weise neu, die für sie als Afrikaner in Amerika Bedeutung hatte. Sie sangen oft die Spirituals in Gruppen, während sie auf den Plantagenfeldern arbeiteten.,

Im Gegensatz zum weißen Evangelium waren volkstümliche Spirituals oft temperamentvoll: Versklavte Menschen fügten dem Gesang Tanz (später bekannt als „the Shout“) und andere Formen körperlicher Bewegungen hinzu. Sie änderten auch die Melodien und Rhythmen von Psalmen und Hymnen, z. B. die Beschleunigung des Tempos, das Hinzufügen wiederholter Refrains und Chöre, und ersetzten Texte durch neue, die häufig englische und afrikanische Wörter und Phrasen kombinierten., Ursprünglich mündlich weitergegeben, sind Volksgeister seit mehr als drei Jahrhunderten im Leben der Afroamerikaner von zentraler Bedeutung und dienen religiösen, kulturellen, sozialen, politischen und historischen Funktionen.

Volksgeister wurden spontan geschaffen und in einem sich wiederholenden, improvisierten Stil aufgeführt. Die häufigsten Songstrukturen sind Call-and-Response („Blow, Gabriel“) und repetitive Chöre („He Rose from the Dead“). Der Call-and-Response ist ein wechselnder Austausch zwischen dem Solisten und den anderen Sängern., Der Solist improvisiert normalerweise eine Zeile, auf die die anderen Sänger antworten, und wiederholt denselben Satz. Die Liedinterpretation beinhaltet die Interjektionen von Stöhnen, Schreien, Brüllen usw… und wechselnde Stimmfarben. Das Singen wird auch von Handklatschen und Fußstampfen begleitet.

19 centuryEdit

Der Einfluss der Afro-Amerikaner auf den amerikanischen mainstream-Musik begann in den 19th Jahrhundert, mit dem Aufkommen des blackface minstrelsy., Das Banjo, afrikanischen Ursprungs, wurde ein beliebtes Instrument, und seine afrikanischen Rhythmen wurden von Stephen Foster und anderen Songwritern in populäre Lieder aufgenommen. In den 1830er Jahren führte das zweite große Erwachen zu einem Anstieg der christlichen Wiederbelebung und des Pietismus, insbesondere unter Afroamerikanern. Ausgehend von traditionellen Arbeitsliedern entstanden versklavte Afroamerikaner und begannen, eine Vielzahl von Spirituals und anderer christlicher Musik aufzuführen. Einige dieser Lieder waren codierte Botschaften der Subversion gegen Versklavte oder die Flucht signalisierten.,

In der Zeit nach dem Bürgerkrieg setzte sich die Verbreitung afroamerikanischer Musik fort. Die Fisk University Jubilee Singers tourten zuerst im Jahr 1871. Künstler wie Jack Delaney haben dazu beigetragen, die afroamerikanische Musik der Nachkriegszeit im mittleren Osten der USA zu revolutionieren. In den folgenden Jahren bildeten und tourten professionelle „Jubilee“ – Truppen. Die erste schwarz-musical-comedy-Truppe, Hyers Sisters Komische Oper Co., wurde 1876 organisiert. Jahrhunderts dienten US-Barbershops oft als Gemeindezentren, in denen sich die meisten Männer versammelten., Barbershop Quartette entstanden mit afroamerikanischen Männern Geselligkeit in Barbershop; sie würden harmonieren, während sie an der Reihe warten, vocalizing in Spirituals, Volkslieder und Volkslieder. Dies erzeugte einen neuen Stil, bestehend aus unbegleiteten, vierstimmigen, harmonischen Gesang. Später nahmen White Minstrel Singers den Stil an und in den frühen Tagen der Aufnahmeindustrie wurden ihre Auftritte aufgenommen und verkauft. Jahrhunderts war afroamerikanische Musik ein wesentlicher Bestandteil der amerikanischen Mainstream-Kultur.,jahrhunderts-1930er Jahre)Bearbeiten

Im frühen amerikanischen Musiktheater des 20.. Im Jahr 1901 wurde die erste Aufnahme von Black Musicians von Bert Williams und George Walker mit Musik aus Broadway-Musicals aufgenommen., Theodore Drury half schwarzen Künstlern, sich im Opernbereich zu entwickeln. Er gründete die Drury Opera Company im Jahr 1900 und obwohl er ein weißes Orchester benutzte, zeigte er schwarze Sänger in Hauptrollen und Chören. Obwohl diese Kompanie nur von 1900 bis 1908 aktiv war, markierten die Gelegenheiten der schwarzen Sänger mit Drury die erste schwarze Teilnahme an Opernkompanien. Von Bedeutung ist auch Scott Joplins Oper Treemonisha, die als Ragtime-Folk-Oper einzigartig ist; Es wurde erstmals 1911 aufgeführt.Jahrhunderts nahm die Popularität des afroamerikanischen Blues und Jazz zu., Afroamerikanische Musik wurde zu dieser Zeit als „Rennmusik“eingestuft. Dieser Begriff gewann an Dynamik durch Ralph Peer, musikalischer Leiter bei Okeh Records, der Platten von „ausländischen“ Gruppen unter dieses Label stellte. Zu der Zeit war „Rasse „ein Begriff, der häufig von der afroamerikanischen Presse verwendet wurde, um von der Gemeinschaft als Ganzes mit einem ermächtigenden Standpunkt zu sprechen, da eine Person der“ Rasse “ am Kampf für gleiche Rechte beteiligt war. Auch Entwicklungen in den Bereichen der bildenden Kunst und der Harlem Renaissance führten zu Entwicklungen in der Musik., Ragtime-Künstler wie Scott Joplin wurden populär und einige wurden mit der Harlem Renaissance und frühen Bürgerrechtlern in Verbindung gebracht. Darüber hinaus waren weiße und lateinamerikanische Interpreten afroamerikanischer Musik sichtbar, die in der Geschichte der interkulturellen Kommunikation zwischen den Rassen der Vereinigten Staaten verwurzelt waren. Afroamerikanische Musik wurde oft für weißes Publikum angepasst, die nicht so leicht schwarze Künstler akzeptiert hätten, was zu Genres wie Swing-Musik führte, ein Pop-basiertes Auswuchs des Jazz.,

Darüber hinaus wurden Afroamerikaner bis zur Wende des 20. Obwohl schwarze Musiker ursprünglich von großen Sinfonieorchestern ausgeschlossen waren, konnten sie an Musikkonservatorien studieren, die in den 1860er Jahren gegründet worden waren, wie der Oberlin School of Music, dem National Conservatory of Music und dem New England Conservatory. Jahrhunderts in großen Städten wie Chicago, New Orleans und Philadelphia eigene Sinfonieorchester., In den späten 1890er und frühen 20er Jahren traten regelmäßig verschiedene schwarze Orchester auf. 1906 wurde das erste schwarze Orchester in Philadelphia gegründet. In den frühen 1910er Jahren wurden in New York ganz schwarze Musikschulen wie die Musikschule Settlement for Colored und die Martin-Smith School of Music gegründet.

Die Musikschule Siedlung für Farbige wurde Sponsor des Clef Club Orchestra in New York. Das Clef Club Symphony Orchestra zog von 1912 bis 1915 ein schwarz-weißes Publikum zu Konzerten in der Carnegie Hall an., Unter der Leitung von James Reese Europe und William H. Tyers spielte das Orchester Banjos, Mandolinen und Baritonhörner. Bei den Konzerten spielte Musik von schwarzen Komponisten, insbesondere Harry T. Burleigh und Will Marion Cook. Weitere jährliche schwarze Konzertreihen sind die William Hackneys“ All-Colored Composers “ Konzerte in Chicago und die Atlanta Coloured Music Festivals.

Die Rückkehr des schwarzen Musicals an den Broadway erfolgte 1921 mit Sissle und Eubie Blakes Shuffle Along., Im Jahr 1927 wurde in der Carnegie Hall eine Konzertübersicht über schwarze Musik aufgeführt, darunter Jazz, Spirituals und die symphonische Musik von W. C. Handy ‚ s Orchestra und den Jubilee Singers. Das erste große Filmmusical mit schwarzer Besetzung war King Vidors Hallelujah von 1929. Afroamerikanische Darsteller wurden in der Musikshow Boat (die einen Teil für Paul Robeson und einen Chor von Jubilee Singers geschrieben hatte) und vor allem All-Black Opern wie Porgy and Bess und Virgil Thomsons Four Saints in drei Akten von 1934 vorgestellt.,

Die erste Symphonie eines schwarzen Komponisten, die von einem großen Orchester aufgeführt wurde, war William Grant Still ‚ s Afro-American Symphony (1930) des New York Philharmonic. Florence Beatrice Prices Symphonie in e-Moll wurde 1933 vom Chicago Symphony Orchestra aufgeführt. Im Jahr 1934 wurde William Dawsons Negro Folk Symphony vom Philadelphia Orchestra aufgeführt.

Afroamerikaner waren die Pioniere der Jazzmusik, durch Meister wie Jelly Roll Morton, James P. Johnson, Louis Armstrong, Graf Basie, Fletcher Henderson und Duke Ellington.,Jahrhunderts (1940er–1960er Jahre)Bearbeiten

Billboard begann im Oktober 1942 mit der „Harlem Hit Parade“, die 1945 in „Race Records“ und dann 1949 in „Rhythm and Blues Records“geändert wurde. In den 1940er Jahren waren Coverversionen afroamerikanischer Songs an der Tagesordnung und führten häufig die Charts an, während die ursprünglichen Musiker bei ihrem afroamerikanischen Publikum Erfolg fanden, jedoch nicht im Mainstream., 1955 überredete Thurman Ruth eine Gospelgruppe, in einer säkularen Umgebung, dem Apollo Theatre, mit solchem Erfolg zu singen, dass er anschließend Gospelkarawanen arrangierte, die durch das Land reisten und die gleichen Orte spielten, die Rhythm and Blues Singers populär gemacht hatten., In der Zwischenzeit begannen Jazzkünstler, den Jazz vom Swing, einer tanzbaren Volksmusik, zu komplizierteren Arrangements, Improvisationen und technisch herausfordernden Formen zu drängen, die im Bebop von Charlie Parker und Dizzy Gillespie, den coolen Klängen und modalem Jazz von Miles Davis gipfelten und der Free Jazz von Ornette Coleman und John Coltrane.,

Afroamerikanische Musiker in den 1940er und 1950er Jahren entwickelten Rhythmus und Blues zu einem Genre namens Rock and Roll, das einen starken Backbeat hatte und zu dessen prominenten Vertretern Louis Jordan und Wynonie Harris gehörten. Mit weißen Musikern wie Bill Haley und Elvis Presley, die eine gitarrenbasierte Fusion von Black Rock and Roll mit Country-Musik namens Rockabilly spielten, wurde Rock and Roll-Musik kommerziell erfolgreich., Rockmusik wurde danach mehr mit Weißen in Verbindung gebracht, obwohl einige schwarze Künstler wie Chuck Berry und Bo Diddley kommerziellen Erfolg hatten.

Als die 1940er Jahre zu Ende gingen, bemühten sich andere Afroamerikaner, als professionell ausgebildete klassische Musiker zu konzertieren, um rassische und nationalistische Barrieren in der Nachkriegszeit zu überwinden., Zu dieser Gruppe gehörte Henry Lewis, der 1948 als erster afroamerikanischer Instrumentalist in einem führenden amerikanischen Sinfonieorchester hervorging, ein früher „musikalischer Botschafter“ zur Unterstützung der Kulturdiplomatie in Europa und 1968 der erste afroamerikanische Dirigent eines großen amerikanischen Symphonieensembles.

In den 1950er Jahren stieg auch die Popularität von Hard Blues im Stil aus dem frühesten Teil des Jahrhunderts, sowohl in den Vereinigten Staaten als auch in Großbritannien. In den 1950er Jahren wurde auch der Doo-Wop-Stil populär., Doo-Wop wurde durch Stimmgruppenharmonie mit den musikalischen Qualitäten verschiedener Gesangsteile, Unsinnsilben, wenig oder gar keine Instrumentierung und einfachen Texten entwickelt. Es umfasste normalerweise Ensemble einzelne Künstler, die mit einer Hintergrundgruppe auftraten. Solo Billing wurde Leadsängern gegeben, die in der musikalischen Anordnung prominenter waren. Eine säkularisierte Form der amerikanischen Gospelmusik namens Soul entwickelte sich ebenfalls Mitte der 1950er Jahre, wobei Pioniere wie Ray Charles, Jackie Wilson und Sam Cooke die Welle anführten., Soul und R&B wurden zu einem großen Einfluss auf Surf, sowie die Chart-Top-Girl-Gruppen wie The Angels und The Shangri-Las, von denen nur einige weiß waren. Im Jahr 1959 veröffentlicht Hank Ballard einen Song für den neuen Tanzstil „The Twist“, der von den frühen 60er bis in die 70er Jahre zum neuen Dance Crave wurde.

1959 gründete Berry Gordy Motown Records, das erste Plattenlabel, auf dem hauptsächlich afroamerikanische Künstler auftraten, die Crossover-Erfolge erzielen wollten. Das Label entwickelte einen innovativen—und kommerziell erfolgreichen-Stil der Soul-Musik mit unverwechselbaren Pop-Elementen., Seine frühe Liste umfasste die Wunder, Martha und die Vandellas, Marvin Gaye, Die Versuchungen, die Supremes und andere. Schwarze Diven wie Aretha Franklin wurden zu Crossover-Stars der 60er Jahre. In Großbritannien wurde der britische Blues zu einem allmählich Mainstream-Phänomen und kehrte in Form der British Invasion, einer Gruppe von Bands, die von den Beatles und den Rolling Stones angeführt wurden, in die USA zurück, die Blues und R&B-inspirierten Pop mit traditionellen und modernisierten Aspekten., WGIV in Charlotte, North Carolina, gehörte zu den wenigen Radiosendern, die sich der afroamerikanischen Musik widmeten, die in dieser Zeit begann.

Die britische Invasion klopften viele schwarze Künstler aus den US-pop-charts, obwohl einige, darunter Otis Redding, Wilson Pickett und Aretha Franklin und eine Reihe von Motown-Künstler, weiterhin gut zu tun. Soul-Musik, jedoch, blieb beliebt bei schwarzen Menschen durch hoch entwickelte Formen wie Funk, entwickelt aus den Innovationen von James Brown., Im Jahr 1961 nahm ein kleiner Junge namens Stevland Hardaway Morris im Alter von 11 Jahren seine erste Platte unter Motowns Tamla Record als Stevie Wonder auf, und das war der Beginn seiner großartigen Karriere.

Im Jahr 1964 verbot das Civil Rights Act wichtige Formen der Diskriminierung von Afroamerikanern und Frauen. Als die Spannungen zu sinken begannen, gingen mehr afroamerikanische Musiker in den Mainstream über. Einige Künstler, die erfolgreich gekreuzt wurden Aretha Franklin, James Brown, und Ella Fitzgerald in der Pop-und Jazz-Welt, und Leontyne Price und Kathleen Kampf im Bereich der klassischen Musik.,

Am Ende des Jahrzehnts waren Schwarze Teil der Psychedelia-und frühen Heavy-Metal-Trends, insbesondere durch den allgegenwärtigen Einfluss der Beatles und die E-Gitarren-Innovationen von Jimi Hendrix. Hendrix gehörte zu den ersten Gitarristen, die Audio-Feedback, Fuzz und andere Effektpedale wie das Wah Wah Pedal verwendeten, um einen einzigartigen Gitarrensolo-Sound zu erzeugen. Psychedelic Soul, eine Mischung aus psychedelischem Rock und Soul, begann mit der Kultur der 1960er Jahre zu gedeihen., Noch beliebter bei Schwarzen und mit mehr Crossover-Reiz war Album-orientierter Soul in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren, der die afroamerikanische Musik revolutionierte. Die intelligenten und introspektiven Texte des Genres, oft mit einem sozial bewussten Ton, wurden von Künstlern wie Marvin Gaye in What ‚ s Going On und Stevie Wonder in Songs in the Key of Life geschaffen.

1970sEdit

Die 1970er Jahre waren ein großartiges Jahrzehnt für schwarze Bands, die melodische Musik spielten., Album-orientierte Seele setzte seine Popularität fort, während Musiker wie Smokey Robinson dazu beitrugen, es in ruhige Sturmmusik zu verwandeln. Funk entwickelte sich zu zwei Strängen, einer Pop-Soul-Jazz-Bass-Fusion, die von Sly & the Family Stone vorangetrieben wurde, und der andere zu einer psychedelischeren Fusion, die von George Clinton und seinem P-Funk-Ensemble verkörpert wurde. Der Sound der Disco entwickelte sich aus schwarzen Musikern, die Soul-Musik mit einer Up-Tempo-Melodie kreierten. Isaac Hayes, Barry White, Donna Summer und unter anderem helfen, populär disco-Musik., Diese Musik wurde jedoch in die populäre Musik integriert und erzielte Mainstream-Erfolg.

Schwarze Musiker erzielten einige Mainstream-Erfolge, obwohl einige afroamerikanische Künstler wie Jackson 5, Roberta Flack, Dionne Warwick, Stevie Wonder, The O ‚ Jays, Gladys Knight & Die Pips fanden ein Crossover-Publikum. Weiße Zuhörer bevorzugten Country Rock, Singer-Songwriter, Stadionrock, Soft Rock, Glam Rock und in einigen Subkulturen Heavy Metal und Punkrock., In den 1970er Jahren entwickelte sich The Dozens, eine urbane afroamerikanische Tradition, spielerischen Reim zu verwenden, in den frühen 70er Jahren zu Street Jive, was wiederum eine neue Form der Musik der späten 1970er Jahre inspirierte: Hip-Hop. Spoken-Word-Künstler wie The Last Poets, Gil Scott-Heron und Melvin Van Peebles werden auch als die wichtigsten Innovatoren im frühen Hip-Hop zitiert. Beginnend bei Blockpartys in der Bronx entstand Hip-Hop-Musik als eine Facette einer großen Subkultur mit rebellischen und progressiven Elementen. DJs drehten Schallplatten, meist Funk, während MCs dem tanzenden Publikum Tracks vorstellten., Im Laufe der Zeit begannen DJs, insbesondere der jamaikanische Einwanderer DJ Kool Herc zum Beispiel, die Schlagzeugpausen zu isolieren und zu wiederholen, einen konstanten produzieren, eminent tanzbarer Beat, über den sie oder MCs zu rappen begannen, durch Reime und schließlich anhaltende Texte. Hip Hop würde eine multikulturelle Bewegung im jungen schwarzen Amerika werden, angeführt von Künstlern wie Kurtis Blow und Run-DMC.,

1980sEdit

In den 1980er Jahren hatte Michael Jackson mit seinen Alben Off the Wall, Bad und Thriller rekordverdächtigen Erfolg-letzteres blieb das meistverkaufte Album aller Zeiten – verwandelte populäre Musik und vereinte Rassen, Altersgruppen und Geschlechter und würde schließlich zu erfolgreichen Crossover-Black – Solokünstlern führen, darunter Prince, Lionel Richie, Luther Vandross, Tina Turner, Whitney Houston und Janet Jackson. Pop und Tanz-Soul dieser Zeit inspirierten den New Yorker Swing zum Ende des Jahrzehnts.

Hip-Hop im ganzen Land verbreitet und diversifiziert., Techno, Tanz, Miami Bass, Post-Disco, Chicago House, Los Angeles Hardcore und Washington, D. C. Go-Go entwickelten sich in dieser Zeit, wobei nur Miami Bass Mainstream-Erfolg erzielte. Aber schon bald wurde Miami Bass hauptsächlich in den Südosten der USA verbannt, während Chicago House starke Fortschritte auf College-Campus und Tanzarenen gemacht hatte (dh der Warehouse Sound, der Rave). Der DC Go-Go-Sound von Miami Bass war im Wesentlichen ein regionaler Sound, der nicht viel Massenappeal hervorrief., Chicago House Sound hatte sich in die Detroit-Musikumgebung ausgeweitet und mutierte zu mehr elektronischen und industriellen Sounds, die Detroit Techno, Acid, Jungle kreierten. Paarung diese experimentellen, in der Regel DJ-orientierten Klänge mit der Verbreitung des multiethnischen New Yorker Disco-Sounds aus den 1970er und 1980er Jahren schufen eine Musikmarke, die in den riesigen Diskotheken, die sich in Städten wie Chicago, New York, Los Angeles, Detroit, Boston usw. befinden, am meisten geschätzt wurde., Schließlich umarmte das europäische Publikum diese Art elektronischer Tanzmusik mit mehr Begeisterung als ihre nordamerikanischen Kollegen. Mit diesen variablen Klängen können die Zuhörer ihre Exposition gegenüber neuer Musik und Rhythmen priorisieren und gleichzeitig ein gigantisches Tanzerlebnis genießen.

In der späteren Hälfte des Jahrzehnts, ab etwa 1986, Rap startete in den Mainstream mit Run-D. M. C. ’s Raising Hell und the Beastie Boys‘ Licensed to Ill, wobei letzteres das erste Rap-Album wurde, das auf Platz 1 der Billboard 200 landete und dazu beitrug, die Türen für weiße Künstler zu öffnen, um Rap zu machen., Beide Gruppen mischten Rap und Rock zusammen, was das Rock-und Rap-Publikum ansprach. Hip-hop hat sich aus Ihren Wurzeln und den golden age hip-hop blühte, mit Künstlern wie Eric B. & Rakim, Public Enemy, LL Cool J, Queen Latifah, Big Daddy Kane, und Salt-N-Pepa. Hip Hop wurde in Amerika bis Ende der 1990er Jahre populär, als es weltweit ging. Die Szene des goldenen Zeitalters würde Anfang der 1990er Jahre aussterben, als Gangsta-Rap und G-Funk mit den Westküstenkünstlern Dr. Dre, Snoop Dogg, Warren G und Ice Cube, den Ostküstenkünstlern Notorious B. I. G.,, Wu-Tang Clan und Mobb Tief, und die Klänge der städtischen schwarzen männlichen Bravado, Mitgefühl und soziales Bewusstsein am besten durch den Rapper Tupac Shakur vertreten.

Während Heavy Metal Musik in den 1970er und 1980er Jahren fast ausschließlich von weißen Performern kreiert wurde, gab es einige Ausnahmen. 1988 erreichte die All-Black Heavy Metal Band Living Colour mit ihrem Debütalbum Vivid den Mainstream-Erfolg und erreichte dank ihrer Top 20 Single „Cult of Personality“Platz 6 der Billboard 200. Die Musik der Band enthielt Texte, die angreifen, was sie als Eurozentrismus und Rassismus Amerikas empfanden., Ein Jahrzehnt später würden mehr schwarze Künstler wie Lenny Kravitz, Body Count, Ben Harper und unzählige andere wieder Rock spielen.

1990er Jahre, 2000er Jahre, und 2010sEdit

Contemporary R&B, wie in der post-disco-version von soul-Musik, blieb populär in den 1980er-und 1990er-Jahren. Male vocal-Gruppen im Stil der Seele Gruppen wie die Versuchungen und Die O ‚ Jays waren besonders beliebt, einschließlich der Neuen Ausgabe, Boyz II Men, Jodeci, Dru Hill, Blackstreet, und Jagged Edge., Mädchengruppen, darunter TLC, Destiny ‚ s Child, SWV und En Vogue, waren ebenfalls sehr erfolgreich.

Singer-Songwriter wie R. Kelly, Mariah Carey, Montell Jordan, D ‚ Angelo, Aaliyah und Raphael Saadiq von Tony! Toni! Toné! waren auch in den 1990er Jahren sehr beliebt, und Künstler wie Mary J. Blige, Faith Evans und BLACKstreet popularisierten eine Fusion-Mischung, die als Hip-Hop-Soul bekannt ist. Die Neo-Soul-Bewegung der 1990er Jahre blickte auf klassischere Soul-Einflüsse zurück und wurde in den späten 1990er/frühen 2000er Jahren von Künstlern wie D ‚ Angelo, Erykah Badu, Maxwell, Lauryn Hill, Indien populär gemacht.,Arie, Alicia Keys, Jill Scott, Angie Stone, Bilal und Musiq Soulchild. Laut einem Musikautor repräsentiert D ‚Angelos von der Kritik gefeiertes Album Voodoo (2000)“ afroamerikanische Musik an einem Scheideweg … Um einfach neoklassische Seele zu nennen … wäre ignorieren Sie die Elemente des Varieté-Jazz, Memphis Horns, Ragtime Blues, Funk und Bass Grooves, ganz zu schweigen von Hip-Hop, die aus jeder Pore dieser Spuklieder rutschen.,“Blue-eyed soul ist ein Einfluss der Afro-amerikanischen Musik, gespielt von weißen Künstlern, darunter Michael McDonald, Christina Aguilera, Amy Winehouse, Robin Thicke, Michael Bolton, Jon B., Lisa Stansfield, Teena Marie, Justin Timberlake, Joss Stone, George Michael und Anastacia.Jahrhunderts hatte sich R&B auf Solokünstler mit Pop-Appeal konzentriert, wobei Usher, Rihanna und Beyoncé die prominentesten Beispiele waren. Darüber hinaus wurde die Musik von ästhetisch kreativen und einzigartigen Musikvideos begleitet., Beispiele für diese Art von Musikvideos sind, sind aber nicht beschränkt auf: Beyoncés „Crazy in Love“, Rihannas“ Pon de Replay „und Ushers“Caught Up“. Diese Musikvideos halfen R&B profitabler und populärer zu werden als in den 1990er Jahren. Die Grenze zwischen Hip-Hop und R&B und Pop wurde von Produzenten wie Timbaland und Lil Jon und Künstlern wie Missy Elliott, T-Pain, Nelly, Akon und OutKast deutlich verwischt.,

“ Urban music „und“ urban radio“sind heute weitgehend rennneutral, Begriffe, die gleichbedeutend mit Hip Hop und R sind&B und die damit verbundene Hip-Hop-Kultur, die ihren Ursprung in New York City hat. Der Begriff spiegelt auch die Tatsache wider, dass sie in städtischen Gebieten sowohl in schwarzen Bevölkerungszentren als auch in der allgemeinen Bevölkerung (insbesondere bei jüngeren Zielgruppen) beliebt sind.

Die Hip-Hop-Bewegung ist zunehmend Mainstream geworden, da die Musikindustrie die Kontrolle darüber übernommen hat., Im Wesentlichen, “ Von dem Moment ‚Rapper‘ s Delight ‚ ging Platin, Hiphop die Volkskultur wurde Hiphop die amerikanische Unterhaltungsindustrie Sideshow.“

Im Juni 2009 starb Michael Jackson unerwartet an einem Herzstillstand und löste weltweit Trauer aus. Innerhalb eines Jahres nach seinem Tod hatte sein Nachlass einen Umsatz von 1.4 Milliarden US-Dollar erzielt. Ein Dokumentarfilm, bestehend aus Probenmaterial für Jacksons geplante This Is It Tour mit dem Titel Michael Jacksons This Is It, wurde am 28.,

Im Jahr 2013 hatte kein afroamerikanischer Musiker eine Billboard Hot 100 Nummer eins. Dies war das erste Mal, dass ein Afroamerikaner in der 55-jährigen Geschichte der Charts in einem Jahr keine Nummer eins war.

Pläne für ein Smithsonian-verbundenes Museum für afroamerikanische Musik in Newark, New Jersey, und ein R&B Museum/Hall of Fame wurden diskutiert.

Weiße Mädchen wie Cher Lloyd verwendeten afroamerikanisches umgangssprachliches Englisch in ihrer Musik.,

In den späten 2010er Jahren wurde Trap-Musik extrem populär und verbreitete sich von Atlanta in afrikanische Länder wie Ghana, Südafrika und Kamerun.

Drake, der halb Afroamerikaner ist und sich für schwarz hält, brach den Beatles-Rekord, weil er sieben gleichzeitige Singles auf Billboards hatte Top 10. Andere berühmte Afroamerikaner im Hip-Hop in den 2000er und 2010er Jahren sind Lil Wayne, Kanye West,Kendrick Lamar, 50 Cent, Snoop Dogg und Jay-Z.

Drill-Musik, die von Chicago Rapper Chief Keef in den 2010er Jahren populär wurde für die Erhöhung der afroamerikanischen Kriminalitätsrate in Chicago kritisiert., Andere berühmte afroamerikanische drill Künstler sind Lil Durk, Lil Reese, Lil Bibby, Polo G und G Herbo.

Trey Songz, Jeremih und Chris Brown sind beliebte afroamerikanische R&B-Sänger der 2000er und 2010er Jahre.

Ein weiteres beliebtes Genre von Afroamerikanern ist Gangsta-Rap. Afroamerikanische Gangsta-Rapper gehören YG, Jay Rock und das Spiel.

Mumble Rap wurde von Sprechern der afroamerikanischen Volkssprache Englisch eingeführt.

Weiße Rapper wie Post Malone und Iggy Azalea wurden beschuldigt, sich afroamerikanische Musik anzueignen.,

In letzter Zeit wurde Latin Trap und mexikanischer Chicano Rap von afroamerikanischer Musik beeinflusst.

2019 erreichte Black Country Rapper Lil Nas X mit seiner Single „Old Town Road“ mit Billy Ray Cyrus Chart-Erfolg, obwohl Afroamerikaner seit Jahren Country-Musik spielen und das Genre beeinflussen. Er war der erste offen schwule schwarze Künstler, der bei den CMA Awards einen Country Music Award gewann.

Im Jahr 2015 startete Jay-Z TIDAL, einen Musik-Streaming-Dienst.

Rapper wie Kendrick Lamar nutzten Hip Hop als politische Plattform für Afroamerikaner.